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Escrito por: © Fernando F. Vegas

La animación explora una amplia gama de mundos en sus películas. Las narraciones desde el más allá, con una visión gótica y oscura repleta de amor y humor negro han conformado una de las miradas creativas más fructíferas e imaginativas. En el recuerdo se encuentran las tres producciones realizadas en stop motion por Tim Burton comenzando por PESADILLA ANTES DE NAVIDAD (1993), un musical navideño deliciosamente macabro donde nos topamos con Jack Skellington, el Señor de Halloween, quien, al descubrir la Navidad, se queda fascinado y decide mejorarla con su particular visión totalmente contraria al espíritu navideño. Sus planes incluyen el secuestro de Santa Claus y la introducción de cambios bastante siniestros. Sólo su novia Sally es consciente del error que está cometiendo. Una atractiva historia con una bella combinación de stop-motion, escenarios tridimensionales y gráficos imaginativos que llevaba la animación a nuevas alturas, cuya iconografía daba paso en el año 2005 a la excelente LA NOVIA CADAVER. Castillos, gusanos, huesos, ... Una historia lúgubre, romántica y optimista para vivos muy vivos seguidores de las películas de Tim Burton y del buen cine de animación. Basado en un cuento de amor perdido del siglo XIX y ambientada en un pueblecito europeo ficticio de la época victoriana nos narra las aventuras de Víctor un joven tímido y soñador cuyos padres, que desean ascender en la escala social, han arreglado su matrimonio con una total desconocida, la encantadora señorita Victoria Everglot. Las familias de ambos se reúnen para presentar a los próximos recién casados siguiendo inmediatamente el ensayo de la boda donde Víctor mete tanto la pata que el pastor Galswells le recomienda que se marche y que no vuelva hasta que aprenda correctamente sus frases.
Víctor decide irse al bosque que rodea el pueblo donde comienza a recitar perfectamente sus palabras de matrimonio poniendo suavemente el anillo de boda sobre la raíz de un árbol, pero, ... en ese mágico momento de la tierra surge un cuerpo en descomposición de una mujer que lleva los restos destrozados de un traje de novia, con el anillo de Victoria en su huesudo dedo. Parece que Víctor se ha prometido sin darse cuenta a la Novia Cadáver misteriosamente asesinada en su noche de bodas. La Novia Cadáver ha esperado, desconsolada, a que regresase su novio y la reclamase. Víctor se convierte de esta forma y por error en ese novio, y es arrastrado bajo tierra al País de los Muertos donde la no existencia es muy divertida...
Sin olvidarnos de FRANKENWEENIE (2012) un homenaje al actor Vincent Price y los relatos de Edgar Allan Poe cuyo origen es el corto del mismo nombre realizado en el año 1984 filmado en blanco y negro, con una duración de 25 minutos, una parodia de la novela FRANKENSTEIN de Mary Shelley. Una película que inicialmente fue imaginada por Tim Burton como un largometraje animado de stop-motion, pero debido a restricciones presupuestarias, en lugar de ello dirigió un cortometraje animado de acción real para Disney.  A pesar de que obtuvo una nominación en los Premios Saturn, el contenido del corto hizo que Disney despidiera a Burton justo después de haber culminado su producción, al considerar que FRANKENWEENIE "era demasiado terrorífica para sus audiencias más jóvenes". Tuvo que esperar hasta el año 1994 y tras el éxito de películas como Beetlejuice y Batman, para que fuera comercializado en video siendo material adicional para formatos DVD, Blu-ray o disco UMD para la PlayStation de The Nightmare Before Christmas. Con el paso del tiempo el corto se convirtió en largometraje con guion de John August, basado en un guion anterior de Lenny Ripps y en una idea original de Tim Burton. Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Víctor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con algunos ajustes menores. Víctor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, sus compañeros de escuela, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que devolver vidas puede tornarse algo monstruoso.
FRANKENWEENIE resultaba un buen filme reciclado del universo de Tim Burton. En un Stop-motion conmovedor en 3D. Una narración sencilla, tierna y luminosamente siniestra. Una comedia fantástica de animación en un emotivo homenaje al género de terror clásico.
En el año 2017 se estrena COCO filme dirigido por Lee Unkrich y Adrián Molina que se une al selecto grupo de películas animadas navegando por el más allá. La historia de un niño de 12 años con grandes sueños, que como explica Unkrich "se trata de una familia trabajadora con grandes tradiciones y mucho amor. Pero lo mejor de 'Coco' es que el chico podría ser mi hijo. Esa familia podría vivir al lado de mi casa. La encantadora y mandona abuela que insiste en llenarle otra vez el plato podría ser tu abuela. A todos nos resulta familiar esta historia. Por eso es tan buena. Reconocimos la necesidad común de ser recordados, de sentir que le importaremos a alguien mucho después de dejar el mundo. Del mismo modo, hay un deseo muy fuerte de mantener vivos los recuerdos de nuestros seres queridos. Al compartir sus historias y crear las nuestras, construimos una conexión entre generaciones que supera los límites de nuestra vida cotidiana".
En COCO conocemos a Miguel, un aspirante a cantante y guitarrista autodidacta que sueña con seguir los pasos de su ídolo, Ernesto de la Cruz, el músico más famoso de la historia de México. Pero la familia de Miguel ha prohibido la música. Hace muchos años, su tatarabuela y su tatarabuelo llegaron a un callejón sin salida: Ella quería criar a su familia en Santa Cecilia, pero él no pudo dejar atrás su sueño y abandonó a su familia para ser músico. La consiguiente prohibición de la música de la bisabuela Mamá Imelda pasó de generación en generación y se sigue aplicando estrictamente, para consternación de Miguel. Por eso, comenta el guionista Matthew Aldrich, "cuando Miguel descubre un secreto del pasado de su familia, una conexión con Ernesto de la Cruz, se apresura a compartir la noticia con su familia, pensando que le allanará el camino para ser músico. Para su sorpresa, solo empeora las cosas".
Ambientada en México, COCO presenta dos mundos distintos: la Tierra de los Vivos y la Tierra de los Muertos. Dos lugares contrapuestos y repleto de personajes pintorescos. Durante casi todo el año, esos dos mundos existen por separado, pero armoniosamente uno al lado del otro. Y cada año, por un día, se unen de manera mágica. Como explica Unkrich "el Día de Muertos es como una gran reunión familiar que borra la división entre los vivos y los muertos, pero no se trata de lamentarse, es una celebración. Se trata de recordar a los familiares y seres queridos que han fallecido y tenerlos cerca". Aunque esos mundos se diseñaron como opuestos, para el también coguionista Adrián Molina, "en realidad comparten características clave. Los dos rebosan color, música y alegría. Los personajes, ya estén vivos o muertos, son optimistas y están totalmente dedicados a sus familias".
COCO destaca por los tonos de su paleta. Una mirada llena de contraste entre las dos Tierras, como explica Unkrich, "teniendo en cuenta la fiesta y la iconografía, sabíamos que la Tierra de los Muertos tenía que ser un lugar visualmente vibrante y colorida, por lo que diseñamos Santa Cecilia para que fuera más discreta. Está claro que no es deprimente ni desprovisto de color, sobre todo desde el día de fiesta, y supimos desde el principio que asumiríamos el Día de Muertos con todo lo que conlleva".
Los personajes que viven en los mundos de COCO comparten un objetivo: ser recordados. Conectar los dos mundos. Un espectáculo visual resuelto con el puente de las Caléndulas. Un viaje al más allá donde la factoría Disney Pixar nos ofrece una trama que sin llegar a sorprender es elaborada de forma preciosista en una paleta visual deslumbrante. Con un logrado tapiz de personajes tiernos y amenos en un universo macabro repleto de luz y texturas.
Un bello homenaje a los mayores que comienza desde su título de COCO que hace referencia a la bisabuela del protagonista, una entrañable viejecita que a pesar de sus lagunas de memoria tiene presente la imagen de un padre al que adoraba y que desapareció inexplicablemente de un día para otro. Una propuesta narrativa que promueve los valores familiares y de apostar por nuestros sueños, por muy inalcanzables que estos parezcan. Acompañado de la banda sonora compuesta por Michael Giacchino, quien, combinando distintos estilos de la música mexicana, desde la cumbia a los mariachis, pasando por la marimba o el son jarocho, ilustra acertadamente un filme donde suena con fuerza propia la inolvidable canción de LA LLORONA que inmortalizó Chavela Vargas y que es interpretada en boca de la tatarabuela de Miguel.
Construida a fuego lento, el equipo de la película estuvo visitando durante tres años diferentes museos, mercados, plazas, talleres, iglesias y cementerios de Ciudad de México, Oaxaca y Guanajuato para trasladar al cine un proyecto que cautiva desde sus primeras imágenes a través de dos universos diferentes que están muy conectados entre sí.
COCO amor al folclore y la cultura popular mexicanos.

FICHA TÉCNICA
Coco - Dirección: Lee Unkrich,  Adrián Molina - Año: 2017 - Duración: 109 min. - País: Estados Unidos - Guion: Adrián Molina, Matthew Aldrich (Historia original: Lee Unkrich, Jason Katz, Matthew Aldrich, Adrián Molina) - Música: Michael Giacchino - Fotografía: Animation, Matt Aspbury, Danielle Feinberg - Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures - Estreno en España: 1 de diciembre 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

En la navidad de 1956 el novelista británico Michael Bond que en esas fechas era camarógrafo de la BBC compró un osito de peluche al verlo solo en la estantería de una tienda. Un regalo para su esposa que sirvió de inspiración al escritor para crear uno de los personajes más famosos de la literatura infantil del Reino Unido. El Oso Paddington (Paddington Bear) tuvo su primera aparición en el libro titulado UN OSO LLAMADO PADDINGTON (A Bear called Paddington) publicado el 13 de octubre de 1958. Un osito inmigrante procedente del más recóndito Perú encontrado por la familia Brown en la estación londinense de Paddington de donde proviene su nombre al considerar el oso que nadie puede entender su nombre peruano. Un cortés oso que llega a Londres con una etiqueta alrededor del cuello en la que pone "Por favor, cuidad de este oso. Gracias". Este momento está inspirado en una imagen que a Michael Bond le quedó grabada de la II Guerra Mundial: la llegada de niños judíos a la estación de Reading, al oeste de Londres, que llevaban unos cartelitos con sus nombres colgados del cuello. "Ser refugiado es una de las cosas más tristes", mantiene Bond al rememorar a aquellos pequeños.
Las novelas pronto alcanzaron un éxito mundial y fueron traducidas a más de 40 idiomas. Saltando de las páginas de sus aventuras en los libros a la radio en 1965, y posteriormente a la televisión con una serie de la BBC que se estrenó en 1975 con un total de 56 episodios diseñada y dirigida por Ivor Wood para FilmFair con la inconfundible voz de Michael Hordern como narrador. Durante esos años comenzó a generalizarse su merchandising cuando la británica Shirley Carkson empezó a fabricar peluches cuyos derechos también lograría una empresa juguetera de Nueva York. En los 80 prosiguió su éxito en Japón y Estados Unidos firmando un contrato con Hanna-Barbera para la producción de una serie de dibujos animados de distribución mundial. Un plantígrado que se convirtió en uno de los suvenires londinenses más frecuentes creando su propia tienda Paddintong and Friends y teniendo su estatua erigida en bronce y a tamaño natural en la estación de tren de Paddington diseñada por el escultor Marcus Cornish e inaugurada en el año 2000.
Con sus perfectos modales, buen corazón, su tarro de mermelada en la maleta y un sándwich escondido bajo su característico sombrero rojo por si surge alguna emergencia PADDINGTON llegaba a la gran pantalla en el año 2015 dirigida por Paul King quien recordaba "crecí con las animaciones de FilmFair y el osito ocupaba un lugar destacado en mi habitación, aunque hasta que no volví a leer los cuentos como adulto no pensé en por qué este personaje me había cautivado tanto. La literatura infantil está plagada de animales, pero pocos tienen el atractivo perenne de Paddington. Para mí, el secreto está en su cartel: 'Por favor, cuiden de este oso. Gracias'. A pesar de la tranquilidad exterior y confianza en sí mismo del osito, nos dice que, en su interior, es vulnerable y necesita ayuda en un mundo que da miedo".
En su primera aparición en el cine PADDINGTON tras crecer en las profundidades de la selva peruana junto a su tía Lucy debido a un encuentro casual con un explorador inglés ha inculcado en su sobrino el sueño de vivir una vida emocionante en Londres, además de ser la explicación del perfecto acento británico del pequeño oso. Después de que un terremoto destruya su hogar, la tía Lucy decide ocultar a su joven sobrino en un barco rumbo a Inglaterra en busca de una vida mejor. Cuando el pequeño llega solo a la estación de Paddington, se da cuenta de que la vida de la ciudad no tiene nada que ver con lo que se había imaginado, hasta que conoce a los Brown, una bondadosa familia que se lo encuentra con una etiqueta alrededor del cuello en la que se puede leer: 'Por favor, cuidad de este oso. Gracias'. Los Brown le acogen en su casa mientras Paddington busca al famoso explorador que dejó marcada a su tía Lucy muchos años atrás. Sin embargo, poco después, una siniestra y atractiva taxidermista se fija en él, lo que supone una amenaza para su hogar y para su propia vida.
El adorable oso PADDINGTON se encuentra inmerso en persecuciones divertidamente absurdas llenas de acción en una historia sencilla donde Paul King nos narra una aventura cálida en un logrado homenaje a su creador Michael Bond y su personaje en un filme donde encontramos las famosas frases del comienzo del primer libro, desde el descubrimiento en la estación sin nada de ropa excepto su sombrero y el cartel hasta una visita llena de percances al salón de té, su desastroso primer encuentro con un baño y su viaje en metro. Un personaje icónico donde Paul King recoge su espíritu universal recordándonos "en algún momento de la vida, todos nos hemos sentido fuera de lugar. No hace falta que seas uno de esos evacuados sentado en el andén de una estación, o haber escapado del peligro como el señor Gruber, el amigo de Paddington, o haber cruzado el mar como los inmigrantes del Windrush que se estaban instalando en Notting Hill en la misma época en que Michael Bond escribió los primeros cuentos (y cuya música llena la banda sonora del film). Solo tienes que haber pasado por tu primer día de colegio o haber dormido una noche fuera de casa para empatizar con este osito, perdido y solo y, para mí, eso es lo que ha hecho que generaciones de lectores lo amen".
Las aventuras de PADDINGTON regresan en su secuela en el año 2017. PADDINGTON 2 dirigida de nuevo por Paul King, quien explica "el final de la primera película con Paddington bastante satisfecho con su vida, cómodamente instalado en el desván de la casa de los Brown y disfrutando de una guerra de bolas de nieve con su nueva familia en Windsor Gardens era un lugar estupendo en el que terminar. Pero no era quizás el mejor punto de partida. Sin darnos cuenta, escribimos un final en lugar de decir '¡nos vemos en la segunda parte! Teníamos muchas ideas que no llegaron a incluirse en la primera película porque siempre tuvimos la sensación de que encajarían mejor en una secuela que en la historia original. Siempre pensé que sería divertido ver a Paddington trabajando y es un personaje tan decente que nos pareció que sería emocionalmente interesante verle como presa de una injusticia. En esta segunda entrega quería explorar nuevas facetas del personaje. Se trata de reconocer el valor de la amabilidad y la compasión. Paddington pasa de pensar que no es más que un pequeño oso a darse cuenta de que sus innumerables actos de bondad tienen un gran valor para la comunidad".
En esta segunda entrega el oso Paddington, al que la vida le sonríe, tras haberse felizmente integrado en casa de la familia Brown y convertido además en un miembro muy popular de la comunidad de Windsor Gardens nos presenta una nueva aventura. Mientras está buscando el regalo perfecto para el próximo 100 cumpleaños de su querida tía Lucy descubre un libro desplegable único en la tienda de antigüedades del señor Gruber e inicia una sucesión de curiosos trabajos para poder comprarlo. Pero el libro también ha llamado la atención de una celebridad local, el actor Phoenix Buchanan, que tiene una visión menos altruista del ejemplar.
En la primera película, Nicole Kidman interpretaba el papel de la fría y calculadora Millicent Clyde, que quería atrapar a Paddington, matarlo, disecarlo y convertirlo en una pieza permanente del Museo de Historia Natural de Londres. En PADDINGTON 2 el papel de malvado corresponde a un excelente Hugh Grant, quien interpreta a Phoenix Buchanan, una antigua estrella del West End que se dedica ahora a inaugurar ferias locales y protagonizar anuncios de comida para perros. El libro es clave para los planes de Phoenix porque solo él sabe que contiene la llave de una gran fortuna.
PADDINGTON 2 sigue siendo una carta de amor a Londres, incluso más explícita, en algunos sentidos, que la primera entrega, al acercarnos el guion a muchos de sus grandes iconos. Así mientras Phoenix Buchanan va siguiendo las claves del libro desplegable que le llevarán finalmente al tesoro nos embarcamos en un tour alocado por la ciudad con secuencias en Tower Bridge, la catedral de San Pablo o el lago Serpentine de Hyde Park.
Animación y personajes reales para una película dulce y entretenida acertadamente dirigida por Paul King quien señala que "hay quien cree que como todo está hecho por ordenador, no hay arte en ello; pero, es justo lo contrario, el personaje ha sido creado por unos artistas de enorme talento que acaban a mano hasta el último de los fotogramas. El ángulo exacto de una ceja o la forma en que la luz refleja en sus ojos en determinado momento puede componer o destruir una toma, y todas ellas tienen que pasar cientos y cientos de revisiones para que todos quedemos satisfechos. Se trata de un trabajo muy intensivo que solamente puede sacarse adelante con una ingente cantidad de cariño y dedicación; creo que el resultado es extraordinario".
Nuevas tecnologías para el oso PADDINGTON en sus historias contemporáneas con muchos de los incidentes cómicos reconocibles para las generaciones que devoraron los cuentos de Michael Bond, aunque con algunos guiños actualizados pensando en la nueva generación. Aunque PADDINGTON 2 no es la adaptación directa de ninguna de las historias del autor, siempre se encuentran presentes porque como confiesa King "mirábamos los libros. La escena de la barbería es muy de Michael Bond, y aunque en la película limpie ventanas mientras que el libro pinta, es más o menos lo mismo. Siempre es un placer releerlos".
Actualización de los cuentos de PADDINGTON en un universo que como explica Paul King "con los años, el mundo se ha acelerado, pero Paddington sigue su propio ritmo y la gente siente envidia de ello; les encanta su optimismo y disfrutan con su lógica peculiar. Paddington es un miembro importante de nuestra familia desde hace casi seis décadas, y aunque es capaz de cuidarse solo, todavía es muy pequeño, y el mundo ahí fuera es muy grande".
PADDINGTON 2 una divertida y dulce comedia familiar fiel al popular oso surgido de la imaginación de Michael Bond y los primeros dibujos de Peggy Fortnum. El viejo sombrero rojo, gabardina azul y sonrisa extravagante más famoso de la literatura infantil moderna.

FICHA TÉCNICA
Paddington 2 - Dirección: Paul King - Año: 2017 - Duración: 95 min. - País: Reino Unido - Reparto: Hugh Grant,  Hugh Bonneville,  Sally Hawkins,  Brendan Gleeson,  Jim Broadbent, Peter Capaldi,  Julie Walters,  Samuel Joslin,  Daniel Stisen,  Ben Miller, Sanjeev Bhaskar - Guion: Michael Bond, Simon Farnaby, Paul King, Jon Croker - Música: Dario Marianelli - Fotografía: Erik Wilson - Estreno en España: 24 de noviembre 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

Un 26 de noviembre de 1942 los espectadores de Nueva York veían la premier del filme CASABLANCA haciendo coincidir su proyección con la invasión de las tropas aliadas de la costa norte de África y la reciente ocupación de la propia Casablanca. Basada en la obra teatral EVERYBODY COMES TO RICK’S (Todos vienen al café de Rick´s) de Murray Burnett y Joan Alison que antes de ser llevada al escenario una copia de su libreto llegó al departamento de lectura de la productora Warner Bros un 8 de diciembre de 1941 , un mal día para leer y pensar en películas en Hollywood después del ataque producido el día anterior por los japoneses a la base de Pearl Harbor, pero la vida continuaba y una semana más tarde el especialista en análisis literario Stephen Karnot leyó la obra, la calificó como una "tontería sofisticada" dándole su visto bueno. Enseguida la editora encargada de los guiones, Irene Diamond, convenció al productor Hal B. Wallis para que comprara los derechos por 20.000 dólares estadounidenses de la época, el precio más alto jamás pagado por una obra teatral que no hubiese sido puesta en escena. El proyecto comenzó a tomar forma al tener posibilidades comerciales y tras cambiar su nombre por CASABLANCA formó parte del bloque de películas realizadas por Estados Unidos con el sello patriótico y antinazi. El rodaje comenzó el 25 de mayo de 1942 y finalizó el 3 de agosto del mismo año alcanzando un coste de producción de 1.039.000 dólares, unos 75.000 dólares
por encima del presupuesto. Así comenzaba el caminar de CASABLANCA, una de las películas que, sin tener el marchamo de gran producción, ni el montaje de EL ACORAZADO POTEMKIM o el uso del encuadre y la profundidad de campo que se hace en CIUDADANO KANE, con el paso del tiempo se ha convertido en una de las más importantes de la historia del cine que fascina a cinéfilos y espectadores por igual, encontrándose desde 1989 seleccionada por el National Film Registry para ser preservada en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". En 1997 el American Film Institute, tras consultar a mil quinientos expertos de la cinematografía estadounidense, colocó a CASABLANCA en sus listas como la segunda mejor película estadounidense de todos los tiempos detrás tan solo de CIUDADANO KANE. Este estatus fue ratificado en la revisión que el Instituto hizo en 2007, cuando se colocó en tercer puesto.
CASABLANCA dirigida por Michael Curtiz y protagonizada por Humphrey Bogart,  Ingrid Bergman y  Paul Henreid nos sitúa en la segunda guerra Mundial en la ciudad de Casablanca a la que llegaban huyendo del nazismo gentes de todas partes del planeta. Llegar era fácil, pero salir era casi imposible, especialmente si el nombre del fugitivo figuraba en las listas de la Gestapo. En esta ocasión el principal objetivo de la policía secreta alemana es el líder checo y héroe de la resistencia Victor Laszlo, cuya única esperanza es Rick Blaine, propietario del 'Rick’s Café' y antiguo amante de su mujer, Ilsa. Cuando Ilsa se ofrece a quedarse a cambio de un visado para sacar a Laszlo del país, Rick deberá elegir entre su propia felicidad o el idealismo que rigió su vida en el pasado.
Romanticismo, ideales y heroísmo se sumergían en CASABLANCA al ritmo de la banda sonora
creada por el compositor Max Steiner (1888-1971) y la inolvidable canción AS TIME GOES BY (El tiempo pasará), una canción compuesta por Herman Hupfeld para el musical de Broadway de 1931 Everybody's Welcome. Un fragmento interpretado por Dooley Wilson en una de las escenas más recordadas de la historia del cine.
El estreno general se realizó el 23 de enero de 1943 coincidiendo con la Conferencia de Casablanca, una cumbre anglo-estadounidense entre Churchill y Roosevelt, celebrada en el Hotel Anfa de Casablanca. Esta proyección de la Warner Bros fue recibida con frialdad por la prensa sin llegar a percatarse del alcance de sus imágenes, situaciones y música. Entre sus frases recordadas "Louis, presiento que este es el comienzo de una hermosa amistad" (Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship) marcaba el inicio de perplejidad del espectador ante la narración contada, el trio amoroso y la decisión a tomar entre el amor y las ideas. Una situación de guerra en un aparente paraíso neutral de El Café de Rick´s (Rick's Cafe Americain) que consiguió tres Óscars de 1943 (entregados el 2 de marzo de 1944): Mejor guion adaptado, Mejor director y Mejor película. El éxito inesperado de CASABLANCA situó su producción en el segundo más grande del año en la Warner con una recaudación en Estados Unidos de más de 4 millones de dólares y unos beneficios finales globales de casi 6. Unos resultados que animaban a realizar una segunda entrega, que incluso tenía el título de BRAZZAVILLE, el nombre de la guarnición de la Francia Libre que Renault sugería a Rick al final de la película, pero nunca llegó a realizarse debido al productor David O. Selznick, quien no prestaría a Bergman para una secuela. Después de este intento y desde entonces, ningún estudio volvió jamás a considerar seriamente la filmación de una secuela o de una nueva versión. De hecho el director francés François Truffaut rechazó la invitación de crear una nueva versión en 1974, citando el estatus de culto que ya tenía la película entre los estudiantes estadounidenses como la razón principal de su negativa. Siendo Woody Allen quien elabora en el año 1972 el mayor homenaje a CASABLANCA en la película SUEÑOS DE UN SEDUCTOR (Play It Again, Sam), basada en la obra de teatro homónima de Woody Allen y llevada a la pantalla por el cineasta Herbert Ross a petición de Allen, quien consideraba que aún no sabía dirigir. En esta ocasión
Allan Felix (Woody Allen) es un cinéfilo que sufre una extraña y recurrente alucinación: Humphrey Bogart le da consejos sobre cómo seducir a las mujeres. Dick y Linda (Tony Roberts y Diane Keaton), un matrimonio amigo suyo, le presentan a varias chicas, pero Allan tiene tan poca confianza en sí mismo que todas sus citas resultan un fracaso.
CASABLANCA ha tenido sus precuelas en la televisión. La primera emitida por la ABC del año 1955 al 1956 que incluía entre su reparto a Charles McGraw como Rick y a Marcel Dalio -que había interpretado a Emil en la película- pero ahora interpretando al capitán Renault. La otra serie de televisión fue emitida por la NBC en 5 episodios de una hora de duración en 1983 e incluía entre los protagonistas a David Soul como Rick, Ray Liotta como Sacha y Scatman Crothers en un papel similar al de Sam.
CASABLANCA un clásico del cine donde Ingrid Bergman fue fotografiada casi siempre en su perfil izquierdo preferido por la propia actriz, y en muchas ocasiones se aplicaba un filtro suavizador de tipo gaussiano y con catch lights para hacer que sus ojos destellaran. Efectos diseñados para proporcionar a su rostro una apariencia "inefablemente triste, tierna y nostálgica". Una película envuelta en una dirección, interpretación y puesta en escena inolvidable en un viaje a la soledad del ser humano con su compromiso. CASABLANCA con su enigmática atmósfera en blanco y negro donde el amor surge en tiempos de guerra afirma que la neutralidad moral no existe. TODO EL MUNDO VIENE A RICK’S (Everybody comes to Rick’s). Todo el mundo antes o después tiene que tomar una decisión.

FICHA TÉCNICA
Casablanca - TÍTULO ORIGINAL: Casablanca - AÑO: 1942  - DURACIÓN: 102 min. - DIRECTOR: Michael Curtiz - REPARTO: Humphrey Bogart,  Ingrid Bergman,  Paul Henreid,  Claude Rains,  Conrad Veidt,  Sydney Greenstreet,  Peter Lorre,  S.Z. Sakall,  Madeleine LeBeau,  Dooley Wilson,  Joy Page,  John Qualen,  Leonid Kinskey,  Curt Bois,  Ed Agresti,  Marcel Dalio,  Enrique Acosta,  Louis V. Arco,  Frank Arnold,  Leon Belasco,  Oliver Blake - GUIÓN: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch - PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures; Productor: Hal B. Wallis - Estreno en Estados Unidos: Premier  26 de noviembre de 1942   - General 23 de enero de 1943.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

En el año 1960 llegaban en el número 28 del cómic THE BRAVE AND THE BOLD de la mano del guionista Gardner Fox y el dibujante Mike Sekowsky con la colaboración de Murphy Anderson, el entintador para esta primera historia, un nuevo grupo de superhéroes formado por los principales personajes del Universo DC. Con el nombre inicial de LIGA DE LA JUSTICIA se daban cita Superman, Batman, Mujer Maravilla, Flash (Barry Allen), Linterna Verde (Hal Jordan), Aquaman y Detective Marciano. Una unión que según se revela en la serie del año 1961 titulada JUSTICE LEAGUE OF AMERICA Vol. 1 # 9 se realizó para acabar con una invasión extraterrestre llamada Appelliax y ante la incapacidad de conseguirlo individualmente. Un grupo que con el paso de sus aventuras en viñetas fue cambiando de nombre y miembros convirtiéndose en una de las principales publicaciones de la editorial DC Comics. Un elenco de superhéroes que con el tiempo y las acciones han ido cambiando llegando a ser series de culto en la televisión gracias a sus aventuras de dibujos animados, siendo recordada por su mirada infantil la primera de ellas emitida por la cadena ABC y producida por Hanna-Barbera entre los años 1973 y 1985 con el nombre de SÚPER AMIGOS donde la violencia era reducida y la mayoría de los episodios finalizaba con una lección moral.
Los mejores Superhéroes DC llegan a la gran pantalla en el año 2017 con su película LIGA DE LA JUSTICIA dirigida por Zack Snyder quien considera que "Simplemente la idea de unir a la Liga de la Justicia en el mismo campo de juego, entrando en el paisaje cinemático como equipo y embarcándonos en una extraordinaria aventura… ese simple concepto era inspirador". Diferentes personajes unidos por una misma causa que como recuerda la productora Deborah Snyder "estos personajes tienen personalidades únicas, así como poderes y habilidades muy diferentes, y la oportunidad de unirlos para ver lo poderosos que pueden ser juntos ha sido emocionante. Por no mencionar la urgencia de su misión. No hay tiempo para practicar. Es un juego sobre el momento en que pueden unirse, porque se trata de un enemigo extremadamente formidable".
En esta aparición en la gran pantalla para formar la Liga, la historia nos remonta a los confines de la Tierra y más allá: desde la arenosa Gotham hasta Central City, desde la populosa París hasta las remotas tierras heladas de Islandia, desde Themyscira hasta Atlantis, y desde la animada Metrópolis hasta la serenidad de Smallville. Si Bruce y Diana consiguen reclutar a los otros para esta batalla en la que todos sus mundos están en peligro, uniéndose para formar el mayor equipo de superhéroes del Universo DC. En esta ocasión la Tierra está en el punto de mira de la peor y más malvada fuerza alienígena que haya habido jamás, un enemigo antiguo que se aprovecha de la vulnerabilidad resultante de la muerte del hijo de Krypton. La historia, que comienza poco después de que viéramos a Bruce y Diana separar sus caminos, narra la nueva conexión entre estos dos personajes, que no siempre ven el mismo camino hacia el objetivo que comparten. Pero tienen una misma motivación: actuar, de acuerdo con el sacrificio que hizo Superman, para encontrar rápidamente un terreno común que les permita enfrentarse a Steppenwolf, un guerrero de dos metros y medio de altura del mundo de pesadilla de Apokolips. Busca el poder para conquistar el mundo y transformarlo para él. No es un villano normal, y es necesaria una fuerza extraordinaria para derrotarle.
En LIGA DE LA JUSTICIA nos reencontramos con BATMAN interpretado por Ben Affleck. El dominio de las artes marciales, una extremada fuerza y resistencia, trajes de alta tecnología, artilugios fuertemente armados, una mente brillante y deductiva y amplios recursos personales, todo ello está a su disposición y listo para la acción. Como explica Ben Affleck "Batman sigue resonando porque por una parte es un superhéroe, pero por la otra es como nosotros. Se siente vulnerable; sangra si le produces un corte. Es una persona real por dentro y, sin embargo, es ‘súper’. Hay todo tipo de contradicciones en ello, lo cual hace que sea interesante contar la historia. Los comics de Batman son historias de misterio en su raíz. Misterios sobre el yo, sobre el carácter y la identidad, así como sobre el misterio que son y que, en cierta medida, seguirán siendo los humanos para sí mismos"; y WONDER WOMAN interpretado por Gal Gadot. Si Batman puede aprovechar sus años de experiencia, Wonder Woman tiene la sabiduría de las edades, con innumerables años de entrenamiento detrás de ella antes de entrar en el mundo de los humanos. Junto con su dominio de todas las formas de combate, maneja su lazo de Hestia, que obliga a cualquiera al que atrape a decir la verdad, usa guantes de muñeca que desvían las balas, lleva un escudo impenetrable y se pone la preciada diadema de su amada tía Antiope. Como afirma Gadot "usar mi traje me pareció lo más normal porque lo había estado haciendo durante seis meses antes, pero ver a todos los demás vistiendo sus propios trajes fue maravilloso. Recuerdo los tres primeros días, miraba a todos los hombres y a mí misma con ese vestuario, y no hacía más que reír porque me parecía surrealista. ¡Tantos superhéroes juntos! Fue realmente genial rodar esta película. Wonder Woman es la mejor guerrera. Tiene una fuerza increíble, pero al mismo tiempo puede ser muy humana. Se preocupa mucho por las personas y lo único que desea es hacer del mundo un lugar mejor, porque ve el mundo como algo muy especial. La vida es muy complicada y nos olvidamos de las cosas simples, pero ella siempre las recuerda: amor, esperanza, hacer el bien en el mundo. Y creo que eso es algo a lo que todos pueden aspirar ".
Junto a ellos FLASH; protagonizado por Ezra Miller. A diferencia de Wonder Woman o de Batman, que llevan años luchando contra todo tipo de enemigos, Barry admite que en realidad nunca ha combatido, afirmando nerviosamente: "Simplemente he presionado a algunas personas y me he ido corriendo". Ansioso por asociarse con Batman la rápida mente de Barry solo es superada por su habilidad para moverse a una velocidad de vértigo. Como señala Miller “Flash es un científico en el sentido de que un científico estudia el orden natural de las cosas, hace observaciones y realiza experimentos. Pero Barry está interesado en la mecánica cuántica porque literalmente se la está encontrando de frente. Cuando vemos por primera vez a Barry en la película sus poderes solo están despertando. Realmente no los ha probado, todavía no ha traspasado lo que en la teoría de la relatividad se denomina el horizonte de sucesos. Pero está empezando a sentir que hay una oportunidad esperándole"; el metahumano CIBORG, interpretado por Ray Fisher, una vez fue quarterback universitario con su nombre real de Victor Stone en la Universidad de Gotham City, pero un terrible accidente casi le costó la vida. Su padre, el científico Silas Stone le salvó. Ahora medio hombre, mitad máquina, pasa sus días y noches intentando comprender las nuevas partes biomecánicas de su cuerpo que lo tienen conectado con todo. Como comenta Ray Fisher "Ciborg se convirtió en la tecnología que se utilizó para reconstruirlo. La tecnología que usó su padre era alienígena y le proporcionó superhabilidades. Tiene una superfuerza. Puede volar. Es un tecnópata, lo que significa que puede interactuar con cualquier cosa tecnológica. Tiene mundos de información a su disposición, no solo de nuestra galaxia sino también de otros universos. Pero todo es bastante nuevo, por lo que lucha con eso. Hace que se nos plantee la siguiente pregunta: "¿En qué medida debes permitirte a ti mismo estar encerrado en la idea de quién y qué eres?"; y AQUAMAN, protagonizado por Jason Momoa, descendiente de un padre humano y de una madre perteneciente a la realeza de la legendaria ciudad submarina de Atlantis hace que Arthur Curry (Aquaman) nunca se haya sentido realmente en ningún lugar. Pero en la gélida tierra a la que él llama hogar, el hombre de pelo revuelto, cuerpo descomunal y ojos penetrantes ha descubierto algo parecido a la paz, y no le interesa dejar la comunidad a la que protege, y que, a cambio, protege su anonimato. Como explica Jason Momoa "es el heredero del trono de la Atlántida, pero aún no es el rey, así que, como siempre, está entre varios mundos. Pero aquí, en los confines de la tierra, tiene un propósito. Arthur es un buen hombre, ayuda a las personas que realmente lo necesitan y ha encontrado un lugar donde lo aceptan y lo respetan. Puede quitarse su ‘máscara’ aquí".
Un buen elenco de actores en el papel de los superhéroes más importantes de Universo DC donde encontramos de nuevo al actor Jeremy Irons encarnando al indispensable Alfred Pennyworth, sin el cual sería difícil ser Bruce Wayne y casi imposible ser Batman. Según Irons "¿No quisiéramos todos un Alfred? No se queja, mantiene los vehículos en funcionamiento, cocina un poco, es un buen consejero y tiene una influencia tranquilizadora. No es un superhéroe, pero de alguna manera creo que podría ser considerado como un héroe, quizás sin el prefijo súper. Sin olvidarnos del actor J.K. Simmons en el papel de Jim Gordon, el comisario de policía de Gotham City, el otro socio de Batman en la lucha contra el crimen.
LIGA DE LA JUSTICIA nos ofrece cine de consumo con el piloto automático del género de superhéroes. Con la sorpresa de las dos escenas post-créditos donde encontramos en la primera de ellas a los actores Cavill y Miller en los papeles de Superman y The Flash reunidos en un camino de tierra alejado de la gran ciudad para responder a una de las dudas que data del año 1967 cuando DC Cómics comenzó a preguntarse quién de los dos es el hombre más rápido del mundo. Y la segunda escena se desarrolla en la celda de Lex Luthor donde podemos ver la cara del actor Joe Manganiello que interpreta a Deathstroke y como Luthor le cuenta que ha visto a Superman regresar de entre los muertos, y cómo él y Batman han hecho su propia Liga cuestión que lleva a no perder tiempo y unir sus fuerzas formando su propia liga de villanos, que en los cómics se encuentra formada, entre otros, por Luthor, El Joker, Cheetah, Black Manta, Siniestro, Reverse Flash y Deathstroke. Un guiño a una posible trama para la segunda entrega.
LIGA DE LA JUSTICIA, peleas y acción espectacular acompañadas de la banda sonora creada por el compositor Danny Elfman quien captura el sentimiento épico de las acciones. Un explosivo coctel de personajes en un filme compacto sin grandes sorpresas en búsqueda de la fórmula Marvel en la gran pantalla aportando ligereza y desenfado. En una trama sencilla que aún se encuentra lejos de la solidez que se espera de esta franquicia.
LIGA DE LA JUSTICIA un universo sin Superman no puede salvarse solo.

FICHA TÉCNICA
Liga de la Justicia - Título original: Justice League - Dirección: Zack Snyder - Año: 2017 - Duración: 121 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Ben Affleck,  Gal Gadot,  Ezra Miller,  Jason Momoa,  Ray Fisher,  Henry Cavill, Amber Heard,  Amy Adams,  Ciarán Hinds,  J.K. Simmons,  Jeremy Irons, Connie Nielsen,  Robin Wright,  Diane Lane,  Kiersey Clemons,  Billy Crudup, Daniel Stisen,  Jesse Eisenberg,  Samantha Jo - Guion: Chris Terrio, Joss Whedon (Basado en los personajes de DC. Superman fue creado por Jerry Siegel y Joe Shuster) - Productores: Charles Roven, Deborah Snyder, Jon Berg y Geoff Johns - Productores ejecutivos: Jim Rowe, Ben Affleck, Wesley Coller, Curtis Kanemoto, Daniel S. Kaminsky y Chris Terrio - Vestuario: Oscar Michael Wilkinson - Supervisor de efectos visuales: John DJ DesJardin - Música: Danny Elfman - Fotografía: Fabian Wagner - Estreno en España: 17 de noviembre 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © María José S. Bermejo

Nos encontramos en el año 2076, ante la pantalla de televisión aparece Jet un ex-detective de una fuerza policial llamada ISSP (Inter Solar System Police) y dueño de la nave espacial Bebop que se encuentra pilotada por Spike Spiegel quien en el pasado perteneció a una organización de Marte llamada Dragón Rojo. Ahora son dos cazarrecompensas. A esta pareja se unen la guapa y letal Faye quien fue sometida a la criogénesis, experiencia que la llevó a encontrarse en el futuro y sin memoria, el niño haker Edward Wong Hau Pepelu Tivrusky IV (Ed) y su perro Ein. Tras cada trabajo estos cazarrecompensas del futuro reciben sus emolumentos económicos para seguir pagando sus deudas y poder vivir su siguiente aventura galáctica en cada episodio.
COWBOY BEBOP es una serie de televisión de anime que consta de 26 capítulos denominados sesiones creada por Hajime Yatate un seudónimo colectivo que engloba a varios miembros de la compañía Sunrise Japón estudio conocido por Mobile Suit Gundam, Big O, Outlaw Star y La visión de Escaflowne. Los dibujos animados fueron realizados por los Studio BONES (creado por antiguos empleados de Sunrise). La serie inició sus emisiones en la televisión a través de la cadena TV Tokyo (Japón) en el año 1998. A pesar de sus buenos guiones, su excelente banda sonora y su ambientación futurista donde episodio a episodio vamos descubriendo la personalidad, ambiciones, pasado,... de cada personaje la serie no fue emitida completamente al considerar la TV Tokyo que las constantes escenas de acción, los combates espaciales y cuerpo a cuerpo estaban repletos de violencia. Por ello de los 26 episodios solo se emitieron 12 realizándose otro capítulo extra para ultimar una temporada concluida en abierto donde con diferentes pasajes de episodios anteriores los personajes hablan de sus temas preferidos.
Pero al igual que en Cowboy Bebop se abrió una puerta interestelar y sus aventuras se emitieron completas a través de vía satélite WOWOW en el año 1999 alcanzando un gran éxito que hizo posible la realización por parte de la compañía Bandai de un videojuego para PlayStation en Japón (1998) y de un largometraje en el año 2001 con el título de Cowboy Bebop: Tengoku no Tobira (golpeando las puertas del cielo) que por problemas legales la distribuidora Tristar Pictures finalmente tituló Cowboy Bebop: la película. 116 minutos de anime dirigidos por Shinichirô Watanabe quien nos sitúa en Marte, año 2071, poco antes del día de Halloween donde un camión cisterna lleno de productos químicos hace explosión en una de las calles más importantes de la ciudad, liberando un nuevo virus letal que acaba con la vida de cientos de personas. Las autoridades, temiendo un nuevo ataque aún más destructivo, fijan una recompensa millonaria para quien capture a los responsables. Mientras tanto, en la nave BEBOP, Spike y su banda están aburridos y sin dinero, hasta que conocen la noticia de la sustanciosa recompensa.
Tras este viaje en el celuloide de los cazadores de recompensas la serie llega a emitirse en EEUU en Cartoon Network siendo muy bien recibida. En España tras su navegar por televisiones autonómicas (Canal 33 de Cataluña y Canal 2 Andalucía) es emitida íntegramente desde el 14 de diciembre del 2005 a través del canal CUATRO dentro del espacio "cuatrosfera" por primera vez y a nivel estatal.
La serie también tiene su adaptación al manga en tres tomos publicados en Japón en el año 2000 por Kadokawa Shoten publishing Co. Ltd. Tokio con las historietas de Hajime Yatate y la colaboración de Shinichirô Watanabe y Estudios Sunrise. En cada álbum se traslada el ambiente de la serie de televisión con historietas protagonizadas por cada personaje con comentarios del equipo que ha realizado los mangas.
En COWBOY BEBOP nos encontramos en el interior de una nave espacial que nos recuerda a la misteriosa y agobiante Nostramus del filme Alien el octavo pasajero. Entre sus paredes intentan convivir su capitán y propietario
JET BLACK o BLACK DOG un ex-inspector de la ISSP (policía del sistema solar) hasta que perdió un brazo en una emboscada a traición. Su brazo fue sustituido por otro artificial. La corrupción reinante en el cuerpo le llevó a convertirse en un cazarrecompensas; SPIKE SPIEGEL antes de ser cazarrecompensas era un prometedor miembro del sindicato criminal Red Dragon hasta que su mejor amigo Vicious le mete en una trampa dejándole al borde de la muerte perdiendo su ojo derecho reemplazado posteriormente por un implante cibernético abandonando el sindicato por ello. Se dice que debido a esto Spike mira con un ojo al pasado y con otro al presente. Es un romántico empedernido que domina el Jeet Kune Do arte marcial creado por Bruce Lee y que siempre va acompañado por sus botines, un homenaje a los que llevaba Lupin III en la mítica serie del estudio Ghibli; FAYE una joven-anciana que no recuerda nada de su pasado al ser sometida a criogénesis cuando aún era una adolescente debido a un accidente espacial. Adopta la profesión de cazarrecompensas como medio temporal de supervivencia mientras trata de averiguar su identidad; ED una niña de unos 12 años de edad extremadamente inteligente, gran jugadora de ajedrez y una consumada hacker; y sin olvidarnos de EIN perro de la raza Pembroke Welsh Corgi adoptado por Spike como "premio de consolación" al fracasar en la captura de un delincuente que lo tenía raptado. Es un can que dispone de una gran inteligencia que le hace poder usar Internet, juega al ajedrez,... cualidades que solo son conocidas por Ed.
COWBOY BEBOP con sus toques cosmopolitas y sus escenas con una interesante banda sonora que incluso dan título a los episodios recordando canciones famosas como "Honky Tonk Woman", "Bohemian Rhapsody" o mezcla de algún estilo musical con elementos del hilo argumental como "Mushroom Samba", "Cowboy Funk",... nos introduce en un anime con estupendas historias, diálogos y dibujos.
COWBOY BEBOP anime del bueno por una buena recompensa.

FICHA TÉCNICA
Título: COWBOY BEBOP - Cadena: TV Tokyo (Japón) - Año de emisión: 1998 - Serie completa: 26 episodos - Episodios título: Canción triste para un asteroide - Strut (perro callejero) - Honky Tonk Woman (La jugadora ) - Gateway Shuffle (Puerta de escape) - Ballad of Fallen Angels (La balada de los ángeles caídos) - Sympathy for the devil (Simpatía por el diablo) - Heavy Metal Queen (La reina del heavy metal) - Waltz for Venus (El Vals de Venus) - Jamming with Edward (Improvisando con Edward) - Ganymede Elegy (Elegía de ganímedes) - Toys in the Attic (Los juguetes del desván) - Jupiter Jazz 1 (Jupiter Jazz 1) - Jupiter Jazz 2 (Jupiter Jazz 2) - Bohemian Rhapsody (Rapsodia Bohemia) - My funny Valentine (Mi querida Valantine) - Black Dog Serenade (La serenata del perro negro) - Mushroom Samba (La Samba de las setas) - Speak like a Child (Habla como un niño) - Wild Horses (Caballos Salvajes) - Pierrot le Fou (Pierrot el Loco) - Boogie Woogie Feng Shui (Boogie Woogie Feng Sui) - Cowboy Funk (Terror Cowboy) - Brain Scratch (Arañazo Cerebral) - Hard Luck Woman (El destino de la mujer es duro) - The Real Folk Blues Part 1 (El verdadero blues popular, parte 1) - The Real Folk Blues Part 2 (El verdadero blues popular, parte 2).


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

THOR, personaje de Marvel Comics creado por Jack Kirby y Stan Lee en 1962, que desde sus primeras aventuras aportaba un nuevo enfoque contemporáneo al héroe, se convirtió en una de las emblemáticas figuras de la editorial. Un superhéroe surgido de la misma pluma de Marvel Comics que previamente había dado vida a Iron Man, los Cuatro Fantásticos, X-Men y Spiderman, que además de tener su propia colección, aparecería como uno de los miembros fundadores del grupo de superhéroes conocido como LOS VENGADORES. Acción y aventuras del Dios nórdico del martillo que llegaba a la gran pantalla en el año 2011 precediendo al aterrizaje en el cine del filme LOS VENGADORES (The Avengers) adaptación de Joss Whedon (el creador de 'Buffy cazavampiros') de la saga  de cómic Los Vengadores donde un enemigo inesperado surge como una gran amenaza para la seguridad mundial y Nick Fury, director de la Agencia SHIELD, decide reclutar a un equipo para salvar al mundo de un desastre casi seguro formado por Hulk, Thor y el Capitán América entre otros.
THOR, uno de los superhéroes más entrañables del Universo Marvel que, como recuerda Kevin Feige, el productor y co-presidente de Marvel Studios, "Stan Lee cuenta que, después de que Jack Kirby y él hubieron creado a los otros héroes, pensaron: 'Hagamos un dios, ¡y luego derribemos a ese dios!' Y en una decisión inteligente, buscó en la mitología noruega, porque mucha gente estaba familiarizada con las mitologías griega y romana, pero no tanto con la noruega. Cuando uno lee esas historias, es de lo mejor de Marvel Comics, porque se trata de gente que es muy humana, a pesar de sus poderes, a pesar de poder convocar a la tormenta, el trueno y el rayo. Hay temas familiares, con los dos hermanos, Thor y Loki, peleándose. Es un drama familiar, y tienen tantos defectos como nosotros, o cualquiera de los héroes de Marvel. Eso es lo que hace que sea tan fácil identificarse con los personajes de Marvel. En el cine, hemos explorado a muchos de los héroes de Marvel con base en este mundo. Pero por algo se le llama el universo Marvel. Es un lugar enorme, y con THOR nos vamos a un nivel cósmico".
Una primera entrega THOR (2011) con el actor australiano Chris Hemsworth interpretando al Dios del Trueno en su caída del mundo Asgardiano con Kenneth Branagh tras las cámaras, acostumbrado a adaptar el mundo shakesperiano al cine como en “Hamlet de Kenneth Branagh” (1996) o "Mucho ruido y pocas nueces", que en esta ocasión nos presentaba a Thor, un poderoso, pero arrogante guerrero cuyos imprudentes actos reavivan una antigua guerra. Como consecuencia, Thor es castigado enviándole a la Tierra, donde se ve obligado a vivir entre humanos. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor aprende lo que hace falta para ser un verdadero héroe, sobre todo cuando un temible enemigo aparece en nuestro mundo con la intención de conquistarlo. Esta primera puesta en escena de THOR en el cine fue muy bien acogida por público y crítica y supuso el encuentro de su protagonista con la búsqueda de la respuesta a la pregunta más antigua de la historia: ¿Quién soy yo? El director Branagh dirigía una entretenida película que, alejándose de sus habituales filmes, ofrecía un respetuoso paso al cine del universo del cómic Marvel del Dios del Trueno en un enfurecido y vibrante espectáculo digital de imagen y sonido donde Thor pasa de ser un príncipe impulsivo a dar sus primeros pasos hacia la madurez y el crecimiento.
La mitología nórdica del Dios del Trueno y sus aventuras de cómics regresaban a la gran pantalla en el año 2013 en THOR: EL MUNDO OSCURO con la dirección de Alan Taylor, conocido como realizador de series como “Sexo en Nueva York”, “Los Soprano”, “Mad Men” o “Juego de tronos” y contando con el equipo habitual de actores, encabezado por Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins, al que se unen Zachary Levi para interpretar a Fandral, Christopher Eccleston en el papel del villano Malekith y Adewale Akinnuoye-Agbaje en el doble rol de los Elfos Oscuros Algrim y Kurse.
Al final de THE AVENGERS: LOS VENGADORES (2012) Loki, el hermano adoptado de Thor, es llevado de regreso a Asgard como prisionero después de intentar conquistar el mundo. Desde ese punto de partida esta segunda entrega continúa su andadura, como aclara Alan Taylor, cuando "Thor está cerca de reclamar el poder de Odin. Se está convirtiendo no sólo en un hombre, sino potencialmente en un rey. En esta historia, mientras Thor madura y profundiza en sí mismo, debe perder algunas cosas y atravesar sufrimientos. Cuando me uní al proyecto, quería conseguir un poco más de ese sentido de la mitología nórdica, la calidad de los vikingos, la textura, la historia y su peso. Un gran reto fue hacer la película tan fantástica como fuera posible, porque ésa es la naturaleza de este tipo de films, pero también de anclarlo y de crear ambientes que sean tangibles y realistas".
El mundo oscuro invade el universo de Thor, mientras lucha por restablecer el orden en todo el cosmos una antigua raza liderada por el vengativo Malekith regresa para volver a sumir al universo en la oscuridad. Thor se enfrenta a un enemigo al que ni siquiera Odín y Asgard pueden hacer frente y deberá embarcarse en su viaje más peligroso a la vez que personal. En este viaje se reunirá con Jane Foster y le obligará a sacrificarlo todo para salvar el mundo.
En THOR: EL MUNDO OSCURO conocemos más sobre los Nueve Reinos basados en la mitología nórdica que mantiene unidos Yggdrasil en sus ramas y sus raíces, un inmenso fresno perenne, una figura fundamental de la cosmología nórdica. Asgard está arriba y Midgard, que representa la Tierra, está en medio. En el "Thor" original, Yggdrasil se representaba como una estructura cósmica formada por una serie de agujeros de gusano que conectan los nueve mundos (Reinos).
Acción y un estupendo Chris Hemsworth en el papel de Thor hecho a su medida en un inicio de película con altibajos que con el paso de los minutos aumentaba su interés para llegar a un final entretenido con una última batalla en Londres espectacular, alejándose de la visión shakesperiana de la primera entrega de Kenneth Branagh, añadiendo más humor, especialmente con las apariciones de Kat Dennings y Stellan Skarsgård, logrando un buen equilibrio entre acción y dramatismo, aportando más oscuridad.
El universo del Dios del Trueno regresa con su tercera entrega en el año 2017 titulada THOR: RAGNAROK protagonizada por Chris Hemsworth quien retoma el papel bajo la dirección de Taika Waititi que continúa el linaje de aventuras épicas narradas en los dos éxitos anteriores de la franquicia.
En la mitología nórdica, Ragnarok, quiere decir, como explica Waititi, "el fin del mundo, el Apocalipsis, Armagedón. Pero, creo que Ragnarok significa un renacimiento. Es el comienzo de un nuevo ciclo. Un nuevo ciclo en la vida del mundo o de los reinos del universo. Lo interpreto como la destrucción de lo viejo y el renacimiento de lo nuevo. Una de las cosas que me atrajo al proyecto fue que Marvel quisiera que Thor tomara una nueva dirección. Colocarlo en el espacio exterior de forma que pasara el menor tiempo posible en la Tierra. Parte del atractivo consistía en hacer de 'Thor' una aventura divertida. Además, mi enfoque de la película era dejar de lado el material antiguo y abordar 'Thor: Ragnarok' como un proyecto con entidad propia; una película totalmente independiente. Está claro que ocupa un lugar en el Universo Cinematográfico Marvel y en toda la estructura de sus otras películas de Superhéroes".
En esta entrega Thor es un personaje que ha madurado, como señala el productor ejecutivo Brad Winderbaum, "es evidente que Thor ha evolucionado bastante desde la primera película. El chico que fue a la tienda de mascotas preguntando cómo se volaba a lomos de un pájaro gigante se ha convertido en un hombre que puede pilotar él solito naves espaciales. Ahora sabe lidiar con todo tipo de dificultades y eso se debe en parte a la durísima lección de amor que vivió en la primera película. Fue desterrado a la Tierra, donde tuvo que aprender a vivir en un entorno totalmente nuevo, pero eso le hizo más fuerte. Ahora, después de las aventuras con 'Los Vengadores', 'Thor: El mundo oscuro' y a través de las hazañas en las que participó fuera de cámara entre 'La era de Ultrón' y el comienzo de nuestra película, estamos ante un hombre que comprende cómo debe reaccionar ante nuevas civilizaciones y nuevos problemas".
En THOR: RAGNAROK el superhéroe nórdico está preso al otro lado del universo sin su poderoso martillo y se enfrenta a una carrera contra el tiempo. Su objetivo es volver a Asgard y parar el Ragnarok porque significaría la destrucción de su planeta natal y el fin de la civilización Asgardiana a manos de una todopoderosa y nueva amenaza, la implacable Hela. Pero primero deberá sobrevivir a una competición letal de gladiadores que lo enfrentará a su aliado y compañero en los Vengadores, ¡el Increíble Hulk!
THOR: RAGNAROK nos sumerge en un universo creativo y visual repleto de ideas desafiando la lógica de los relatos convencionales. Entre nuevos y viejos personajes encontramos, entre otros, a la poderosa valkiria, interpretada por Tessa Thompson, una carroñera galáctica, dura como el acero y con un misterioso pasado; LOKI, encarnado por Tom Hiddleston, quien debe servirse de su lengua de plata y de su habilidad con la espada para luchar por su propia supervivencia; HELA, interpretada por Cate Blanchett, una criatura que pertenece a una era siniestra y olvidada del universo y su poder no se parece a nada conocido en los Nueve Reinos. Dotada de la capacidad de disparar un número ilimitado de armas de forma sorprendente y letal, Hela ha vuelto para vengarse de los que la expulsaron. Con un misterioso y salvaje ejército a su lado, Hela pretende inaugurar una nueva era de gélida brutalidad para Asgard y el universo en general; BRUCE BANNER/HULK, interpretado por Mark Ruffalo, quien desde que fue visto por última vez en el espacio exterior a bordo del Quinjet autopilotado después de la batalla de Sokovia, el Increíble Hulk ha desaparecido sin dejar rastro. Su paradero sale por fin a la luz cuando Thor tropieza con su poderoso aliado en el lugar más inverosímil, una arena de gladiadores cósmicos al otro lado de la galaxia. A Hulk le encanta que las gentes de Sakaar le consideren su campeón en la arena de los gladiadores, así que no está dispuesto a ceder el control a Bruce Banner que no dudará en devolverlo a su anterior existencia en la Tierra. Una inminente amenaza cósmica se cierne sobre ellos, por lo que el Increíble Hulk y Bruce Banner se enfrentarán para saber quién es más necesario para luchar por el destino del universo; y ODIN, interpretado por Anthony Hopkins, quien destronado por su retorcido hijo Loki, ha sido desterrado de Asgard y no tiene ningún modo de regresar. Ahora, mientras Hela se prepara para dar el primer paso en su conquista cósmica, Thor debe darse prisa para trasladar a su padre antes de que la furia de Hela se desencadene sobre Asgard y toda la galaxia.
THOR: RAGNAROK, entre humor y acción, la narración nos lleva a una entretenida space ópera donde se junta acertadamente fantasía, épica y entretenimiento acompañado de la banda sonora compuesta por Mark Mothersbaugh quien recupera unos cuantos teclados de los días de DEVO, la banda estadounidense de rock que formó en 1973, para incluirlos en la orquestación ampliando el sonido de Marvel. Una apuesta retro-pulp con colores psicodélicos en un logrado homenaje a los cómics del dibujante Jack Kirby, uno de los autores más influyentes de la historia del comic book estadounidense, quien, junto a Stan Lee, creó durante los años sesenta gran parte de los personajes más importantes de Marvel Comics como Los 4 Fantásticos, Thor, Los Vengadores o X-Men.
THOR: RAGNAROK entre Asgard y la implacable Hela. Entretenida Mitología nórdica a martillazos.

FICHA TÉCNICA
Thor: Ragnarok - Dirección: Taika Waititi - País: Estados Unidos - Duración: 130 minutos - Año: 2017 - Reparto: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Cate Blanchett, Anthony Hopkins, Mark Ruffalo, Tessa Thompson, Jeff Goldblum, Idris Elba, Karl Urban - Guión: Eric Pearson - Historia: Craig Kyle, Christopher Yost y Eric Pearson - Productor: Kevin Feige - Productores ejecutivos: Louis D'Esposito, Victoria Alonso, Brad Winderbaum, Thomas M. Hammel y Stan Lee - Director de fotografía: Javier Aguirresarobe - Vestuario:  Mayes Rubeo - Supervisor VFX: Jake Morrison - Compositor: Mark Mothersbaugh - Estreno en España: 27 de octubre 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

En el año 1824 Peter Mark Roget describió por primera vez el fenómeno de la persistencia retiniana al observar que cuando miraba una rueda de radios en movimiento de rotación por la rendija de una pantalla, contando con una velocidad determinada y un cierto grado de iluminación, los radios se veían estacionarios. Esta observación fue denominada PERSISTENCIA DE LAS IMPRESIONES RETINIANAS y formulada por el físico belga Joseph Plateau en 1829, fijando la duración de esta persistencia en una décima de segundo. De esta manera para que el cerebro humano tenga la impresión de un movimiento continuo, las imágenes registradas por el ojo deben sucederse, al menos, diez veces por segundo. Una sensación óptica capaz de poder observar imágenes proyectadas en vidrio sobre lienzo o en una pared gracias a LA LINTERNA MÁGICA, el primer aparato óptico inventado por Atanasius Kircher en 1854. Anteriormente ya existía desde 1826 el TAUMATROPO o también llamado Maravilla giratoria inventado por John Aytorn consistente en una placa circular, como una moneda, en cada una de cuyas caras había dibujada una imagen (como ejemplo un loro y una jaula), atados en los extremos tenía unas gomas o cordeles que permitían hacerlo girar a una velocidad suficiente como para que se produjera la superposición de imágenes en la retina; el FENAKISTOSCOPIO de 1833 patentado por Joseph Plateau consistente en un disco con hendiduras donde se colocaban las imágenes sucesivas de un movimiento. Se hacía girar el disco ante un espejo y la imagen reflejada se veía en movimiento a través de las hendiduras; o el ZOOTROPO o tambor mágico de 1934 inventado por William G. Horner consistente en un cilindro con hendiduras a través de las cuales se veía la cara interna donde se sucedían imágenes.
Artilugios para el entretenimiento y la constancia científica  en búsqueda de la imagen en movimiento que llevaron a Thomas Alba Edison a grabar el 7 de enero de 1894 una brevísima película titulada RECORD OF A SNEEZ para su invento el QUINETOSCOPIO, precursor del moderno proyector cinematográfico, que se convirtió en popular gracias a su forma de caja de madera con una serie de bobinas sobre las que corrían 14 metros de película en un bucle continuo y que se ponía en marcha al introducir una moneda. Un aparato destinado a la visión individual de bandas de imágenes sin fin que no permitía su proyección sobre una pantalla. Micropelículas que alcanzaron popularidad gracias a sus salas en atracciones donde se podían ver coloreadas el negativo para hacerlas más vistosas como las recordadas imágenes dedicadas a la bailarina Annabelle.
Edison siguió investigando y creó el QUINETÓFONO su primer intento por unificar la imagen y el sonido presentado en la primavera de 1985 con su primera película titulada DICKSON EXPERIMENTAL SOUND FILM. Un invento que cayó en el olvido hasta que, en el año 1913, Edison presentara un nuevo quinetófono diseñado para sincronizar el sonido con una película proyectada en una pantalla externa, pero todavía persistían los problemas con cortes de película, y con los operadores que estaban mal preparados, lo que provocaba desincronización con el sonido. El resultado, entonces, fue la insatisfacción de la audiencia y la falta de popularidad del quinetófono.
Para entonces ya existía la gran revolución del invento del CINEMATÓGRAFO patentado en febrero de 1894 por los hermanos Lumière quienes presentaron su primera proyección la noche del 28 de diciembre de 1985 en una demostración de pago en los bajos del Grand Café de París, organizada por Clément Maurice. La entrada valía un franco y asistieron 33 personas. Los hermanos Lumière llamaron «cinématographe» al instrumento que servía al mismo tiempo para la toma de imágenes en movimiento y su proyección en una pantalla. Una serie de películas donde destacaba el primer cortometraje LA SALIDA DE LOS OBREROS DE LOS TALLERES LUMIÈRE y recogía una instantánea de la realidad, LA LLEGADA DE UN TREN A LA ESTACIÓN o la mirada cómica de EL REGADOR REGADO. Unas proyecciones que suscitaron un gran entusiasmo en los espectadores quienes se sintieron fascinados ante las imágenes en movimiento proyectadas en la pantalla llegando a ser definido el momento como " uno de los más extraordinarios de la historia de la humanidad". El éxito fue inmediato y clamoroso. Las películas de los Lumière dieron la vuelta al mundo desde 1896, llevando a todos los lugares el conocimiento de su extraordinario invento. Así nació la industria cinematográfica y con ella una nueva forma de expresión artística.
Este instante es el que recoge el documental ¡LUMIÈRE! COMIENZA LA AVENTURA dirigido por Thierry Frémaux (delegado general del Festival de Cannes y director del Instituto Lumière de Lyon) donde se ofrece películas restauradas que nos muestran un viaje a los orígenes del cine. Una mirada única sobre Francia, el séptimo arte y el mundo que inaugura el siglo XX. Un bello homenaje del cinematógrafo y sus inventores con una selección de 108 de los 1.422 cortos de 50 segundos de duración que realizaron los hermanos Louis y Auguste Lumière y sus operadores.
Como comenta Thierry Frémaux "contra lo establecido, creo que los Lumière siguen siendo unos grandes desconocidos. Todo el mundo te puede citar dos o tres títulos suyos, pero es que rodaron casi 2.000. Cuando se habla de ellos se hace con más respeto que convicción. Se suele decir que son parte de la prehistoria del cine, lo cual es falso: ellos son el cine".
Un viaje al cine primitivo como conocimiento del mundo. Los 108 cortos son comentados por Frémaux quien analiza los logros y estilo de los Lumière a la vez que explica las técnicas de rodaje con unas cámaras que carecían de visor y que convertían el resultado visual en pura intuición en un arte instantáneo. Una posibilidad de poder descubrir como los Lumière fueron creadores del gag, la profundidad de campo, el travelling, la puesta en escena, la dirección de actores y hasta el remake como explica Frémaux: "Sí pero no me parece que sea una reivindicación sino la constatación de una serie de evidencias. Históricamente se han atribuido esas innovaciones a directores como Griffith o Eisenstein, cuando lo cierto es que todo eso ya estaba en el cine de los Lumière, tanto en las películas que ellos dirigieron como en las que produjeron. Desde la libertad de espíritu más absoluta ellos comenzaron a experimentar con las posibilidades del lenguaje cinematográfico y el resultado está a la vista. No se limitaron a aplicar una técnica sino que lo hicieron para lograr un efecto estético que apoyase una narración".
¡LUMIÈRE! COMIENZA LA AVENTURA resulta un gran trabajo en los orígenes del cine recuperando calidad visual en una lograda restauración digital donde se puede comprobar el trabajo de los Lumière apreciando la profundidad de campo, las perspectivas en diagonal y los movimientos de cámara para retratar tanto una estampa familiar en vacaciones como la entrada de un tren en una estación. Un amor por el cine elaborado por el director Frémaux quien transmite este documental, según sus palabras, "a las nuevas generaciones. Eso es algo que estaba también en los Lumière. Cuando ellos mandaron a sus operadores a recorrer el mundo en busca de imágenes lo que hicieron fue dotar al cine de una misión muy clara: contar al que es diferente o, como dice Bertrand Tavernier: los Lumière ofrecieron el mundo al mundo".
¡LUMIÈRE! COMIENZA LA AVENTURA homenaje, restauración y viaje visual con los hermanos Lumière en su invención del futuro. Luces, cámara, acción.

FICHA TÉCNICA
¡LUMIÈRE! COMIENZA LA AVENTURA - Título original: Lumière! L’aventure commence - Director: Thierry Frémaux - Año: 2017 - Duración: 90 min. - País: Francia -108 cortos digitalizados de los hermanos Lumière donde intervienen Thierry Frémaux,  Auguste Lumière,  Louis Lumière,  Martin Scorsese - Guion: Thierry Frémaux - Estreno en España: 20 de octubre 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

Los atracos perfectos entre sus personajes perdedores envueltos en planes complejos, traiciones, suspense y grandes botines forman parte de la historia del cine como uno de los subgéneros más recurrentes y atractivos para el espectador. En el año 2014 el género de robos perfectos continuaba en la gran pantalla con OPERACIÓN CACAHUETE, un título que en esta ocasión era de dibujos animados. Una versión del cortometraje de diez minutos de duración SURLY SQUIRREL (2005) donde unos roedores intentaban recuperar una pizza de una papelera mientras, enfrente, unos ladrones atracaban un banco. Dirigida por Peter Lepeniotis nos traslada a los años 50 al idílico "Liberty Park" un oasis paradisíaco en la emergente metrópolis ficticia de Oakton City. Un frondoso jardín público con incontables variedades de criaturas aladas y terrestres: monos, marmotas, ratas y por supuesto muchas ardillas y alguna de ellas cascarrabias y con un plan perfecto.
OPERACIÓN CACAHUETE nos presentaba a la ardilla Surly y su amigo Buddy quienes planean dar el gran golpe de su vida a una tienda de frutos secos. Pero, ¿qué sería una película de atracos sin un banco de por medio? A pesar de que el objetivo de Surly y Buddy son los frutos secos, resulta que unos atracadores de bancos acaban de comprar la tienda. El líder, King, es un tipo imprevisible. La tienda de frutos secos es una tapadera para los cuatro ladrones, que traman cavar un túnel hasta la sucursal bancaria que hay al cruzar la calle. Los cómplices de King son Dedos y Lucky, dos entrañables esbirros que tratan de complacer a su jefe durante la operación. El cuarto miembro es Nudillos, un siniestro y callado asesino que solo se comunica con el crujir de sus nudillos. Su ambicioso plan se verá constantemente arruinado por… ¡roedores! Y si hay algo que King odie más que la trena son los bichos peludos y apestosos. Sí, las ratas, pero también las ardillas (aunque no sabe distinguir unas de otras).
OPERACIÓN CACAHUETE resultaba una discreta película de animación digital destinada especialmente a un público infantil. Un filme que recreaba perfectamente el ambiente del final de los años 50, una época que, como afirmaba Peter Lepeniotis, permitía "que la historia se convirtiera en una especie de cuento de hadas, contemporáneo para los espectadores de más edad, pero más vintage para los jóvenes. Con el añadido de la tecnología estereoscópica 3D, sumergimos al espectador en un mundo tangible lleno de texturas". Una aventura animada donde su protagonista SURLY (Gruñón) aprende a crecer personalmente pasando de un pícaro ambicioso y egoísta a un tipo maduro y empático.
Su segunda entrega OPERACIÓN CACAHUETE 2. MISIÓN: SALVAR EL PARQUE llega a la gran pantalla el año 2017. Con Cal Brunker tras las cámaras, cuya intención cuando se propuso escribir y dirigir esta secuela, como afirma," era hacer una película más grande y divertida que la primera, y creo que sin duda hemos alcanzado esa meta. Fuimos capaces de rescatar aquello que la gente adoraba de los personajes de la primera película para mejorarlo, y a la vez contar una historia diferente, nueva y emocionante".
En esta ocasión nos reencontramos con Surly Squirrel, su amiga Preciosa, y su mejor amigo, Buddy. Ahora viven en un almacén de frutos secos, la comida es abundante, y la vida es bella... ¡hasta que el almacén de frutos secos vuela por los aires! Tras intentar buscar comida por la ciudad, Surly regresa a Liberty Park. A Andie le encanta la idea de que todos los animales vivan juntos en el parque, como dictan las leyes de la naturaleza. Pero por desgracia para Surly, Andie y el resto de animales, el alcalde Muldoon, el político más corrupto de Oakton, tiene otros planes para el parque. Después de todo, para él solo es un espacio que no genera ganancias. Liberty Park será destruido, y en su lugar se construirá Libertylandia ¿Quién quiere un parque normal y corriente, cuando puede tener un parque de atracciones?. Heather, la hija caprichosa del alcalde, ya sólo ve nubes de algodón de azúcar bailando por todas partes. Cuando las excavadoras del alcalde toman el parque, los animales se unen para luchar contra ellas. Y lo consiguen temporalmente, hasta que el malvado alcalde contrata al villano Gunther, quien les atrapa para echarles de ahí. En paralelo, la incondicional Preciosa es secuestrada por la insoportable hija del alcalde (Menos mal que durante el incidente conocerá a Frankie, su Bulldog francés). Surly y Buddy emprenden una valiente aventura por la ciudad para rescatarla. Un camino, donde se toparán con el peligroso Sr. Feng, un duro ratón de ciudad con habilidades letales de kung-fu.
OPERACIÓN CACAHUETE 2. MISIÓN: SALVAR EL PARQUE mejora el dibujo de la primera entrega con una correcta animación recuperando su característica paleta de colores muy otoñales y look visual luminoso y atractivo en una trama sencilla y bien elaborada con gags dirigidos a los más pequeños.
Con una historia nada original con un ritmo enérgico y divertido nos topamos, entre otros personajes, con SURLY, el superviviente final, un roedor inteligente que no es tan malo como él cree. Después de los acontecimientos de la primera película, Surly ha aprendido a cooperar con los animales del parque y a no pensar sólo en sí mismo. Sin embargo, todavía no se ha deshecho de su testarudez, y cuando el almacén de frutos secos estalla por los aires, sólo quiere volver a su antiguo estilo de vida relajado; BUDDY, el adorable compinche y compañero de aventuras de Surly quien nunca se ha separado de su lado desde que eran pequeños, y es lo más parecido que tiene a una familia. Fiel y leal, Buddy acompaña a Surly en sus misiones más ambiciosas, así como en sus animaladas; ANDIE, la voz de la razón, con un enorme corazón, que irradia calidez, inteligencia y educación, es fácil entender por qué todo el parque confía en Andie. Ya se trate de salvar vidas, resolver problemas o echar una mano, Andie es una fuente constante de apoyo y una socia que Surly necesita mucho más a menudo de lo que él está dispuesto a admitir; PRECIOSA, la lame caras, quien juega al escondite y hará cualquier cosa para proteger a sus amigos. También dice todo lo que piensa, y tal vez sea el único perro en el mundo al que le interesa más ser amigo de las ardillas que perseguirlas; SEÑOR FENG, puede parecer mono y amigable, pero bajo esa apariencia se encuentra un terrible maestro de Kung Fu. Tras sus ojitos abiertos hay un arma de destrucción roedora cuya misión es proteger su territorio de cualquier intruso; MULDOON, la avaricia con patas, codicioso y sin escrúpulos, el alcalde es la viva definición del exceso. Corrupto y obsesionado con el dinero está decidido a usar cada centímetro de Oakton para su lucro personal, y eso le lleva a destruir Liberty Park para construir un peligroso parque de atracciones. El alcalde Muldoon sabe cómo insuflar dinero a cualquier proyecto de la ciudad, siempre y cuando sus arcas sean insufladas también; HEATHER, cuidado con ella, es la hija del alcalde, y lo único en todo Oakton que él no puede controlar. Sus actos hacen que la niña del exorcista parezca la hija ideal. Cuando quiere algo, lo mejor es dárselo inmediatamente, porque si no lo tomará ella misma o gritará hasta que su padre se lo dé; FRANKIE, el zoquete encantador, aquello que le falta en el cerebro, le sobra en el corazón, está locamente enamorado de Preciosa, y hará cualquier cosa para ganarse su amor; y GUNTHER, el agente local de control zoosanitario de Oakton. Se las da de ecologista y humanitario, pero rápidamente sale a relucir el sádico que realmente es. Siempre con dinamita entre manos.
OPERACIÓN CACAHUETE 2. MISIÓN: SALVAR EL PARQUE entre slapstick y algunos personajes simpáticos transmite su mensaje de integración. Los animales se dan cuenta de que, si dejan de lado sus diferencias y trabajan juntos, pueden conseguir cualquier cosa. Es momento de unirse para resolver problemas. Como dice el Sr. Feng, el maestro de Kung Fu, "¡Estamos juntos en esto!"
OPERACIÓN CACAHUETE 2. MISIÓN: SALVAR EL PARQUE. Un peligroso parque de atracciones, alcalde corrupto, ardillas y muchos frutos secos.

FICHA TÉCNICA
Operación Cacahuete 2. Misión: Salvar el parque - Título original: The Nut Job 2: Nutty by Nature - Director: Cal Brunker - Año: 2017 - Duración: 95 min. - País: Canadá, Corea del Sur y USA - Reparto original voces: Will Arnett  (Surly), Katherine Heigl (Andie), Maya Rudolph (Precious), Jackie Chan (Mr. Feng), Peter Stormare (Gunther), Bobby Cannavale (Frankie), Tom Kenny (Buddy), Bobby Moynihan (Alcalde) - Guion: Scott Bindley, Bob Barlen y Cal Brunker - Música: Heitor Pereira - Estreno en España: 13 de octubre 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas

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