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Escrito por: © Fernando F. Vegas

En el número 420 de la revista Pilote el 9 de noviembre de 1967 se publicaba las aventuras de VALERIAN. Serie de novelas gráficas de ciencia ficción creadas por el guionista Pierre Christin, el dibujante Jean-Claude Mézières y la colorista Évelyne Tranlé. Ambientada en el siglo XXVIII, para entonces la humanidad ha descubierto los medios para viajar en el espacio-tiempo y su capital, Galaxity, es el centro del vasto imperio galáctico terrestre. Valerian y su compañera Laureline son agentes del "Servicie Spatio-Temporel" (Servicio Espacio-Temporal), encargado de neutralizar las posibles amenazas contra la Tierra y evitar las paradojas temporales. Sin embargo, desde la desaparición del imperio Galaxity en Los rayos de Hypsis, se convierten en un par de aventureros que ofrecen sus servicios a cualquiera que se los pueda permitir mientras buscan su hogar perdido.
Inicialmente Laureline era un personaje secundario que debía aparecer solo en la primera aventura. Sin embargo, a petición de los lectores de la revista Pilote, siguió figurando en las aventuras, ganando importancia en la serie hasta convertirse en una verdadera heroína. A partir la publicación del álbum L'Ordre des Pierres en 2007, el título de la serie es Valérian et Laureline, lo que es la confirmación y oficialización del papel central de Laureline, pero también de la perdida por los dos héroes de su estatuto de "agentes espacio-temporales".
VALERIAN según avanzan sus historietas va creando un universo amplio y repleto de gran riqueza visual que permitía a sus creadores renovar permanentemente la serie haciendo que, como explica Mézières, "cada nuevo álbum puede conducirnos absolutamente donde queremos percibiendo la ciencia ficción como un extraordinario medio para "recalentar" la realidad". Un atractivo viaje en viñetas a través de la manipulación del tiempo y los viajes espacio-temporales envuelto en sutiles situaciones sociales, económicas o medioambientales. En el prólogo del catálogo de la exposición en el festival de Angulema después de que otorgaron el premio a Mézières en 1984, el entonces ministro de la cultura de Francia Jack Lang escribía "Valérian et Laureline, transportados en un futuro tecnológico que asegura el confort y el progreso, todavía se enfrentan en sus peregrinaciones a tiranos o dictadores, a sociedades donde reinan conflictos e injusticias que son la imagen de nuestra propia realidad. Así podemos descubrir a través del itinerario de nuestros dos héroes una lectura avisada de nuestras sociedades contemporáneas (...). Mézières y Christin logran la apuesta de no inventar un universo de pura ficción, sino hablarnos en un modo realmente divertido de los problemas socio-políticos más críticos de nuestro tiempo".
VALERIAN y sus aventuras del futuro con su extenso y complejo universo gráfico e imaginativo ha inspirado a toda una generación de artistas, escritores y cineastas. Unas historietas que llegan a la gran pantalla en el año 2017 en el filme VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS dirigida por Luc Besson quien recuerda como Valerian ha formado parte de su infancia, "lo descubrí a los 10 años. Vivía bastante lejos de París, había una sola cadena de televisión, no había Internet, así que la historia de dos agentes en el espacio me abrió los ojos, marcó mi infancia y más. Eran los 70, y era la primera vez que veíamos a una chica moderna repartiendo leña. No se trataba de superhéroes con capa. Esto era mucho más ligero, libre y muy ameno, porque Laureline y Valerian eran como dos policías normales de la actualidad, solo que en el siglo XXVIII, donde todo es extraño y alucinante. Pero la idea de hacer una película vino mucho más tarde cuando Jean-Claude Mézières, que diseñó ‘El quinto elemento’, me dijo: ‘¿Por qué haces esto? ¡Deberías estar haciendo Valerian! Cuando volví a leerme los cómics llegué a la conclusión de que era imposible hacer las películas. La tecnología de entonces no era lo suficientemente buena para recrear todos esos mundos y alienígenas. Cuando llegó AVATAR, hizo que todo pareciera posible. Recuerdo pensar: ‘Algún día, volveré a la ciencia ficción con todas estas nuevas herramientas, con las que el único límite es tu imaginación. Entonces fue cuando decidí hacer VALERIAN’".
VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS se inspira en los álbumes "El imperio de los mil planetas" (1971) y "El embajador de las sombras" (1975) una de las aventuras que más gusta a Luc Besson sobre todo, como explica, "por hablar de Alpha, esa especie de estación espacial donde todos los pueblos del universo viven juntos, lo que es increíble, comparten sus conocimientos, su cultura, y eso me interesaba, porque me permitía hablar de muchas cosas, como la convivencia, la inmigración, del planeta, la ecología… para mí era un buen escenario para empezar".
En esta primera llegada al celuloide Valerian, interpretado por Dane DeHaan, y Laureline, protagonizada por Cara Delevingne, son agentes especiales del gobierno de los territorios humanos, encargados de mantener el orden en todo el universo. Valerian busca algo más que una relación profesional con su compañera, por lo que la persigue abiertamente con constantes proposiciones románticas. Sin embargo, el amplio historial de Valerian con las mujeres, junto con los valores tradicionales de Laureline, la llevan a rechazar todos sus intentos. Bajo las órdenes de su comandante, Valerian y Laureline emprenden una misión en la impresionante ciudad intergaláctica de Alpha, una metrópolis en constante crecimiento compuesta por miles de especies distintas, procedentes de todos los rincones del universo. Los diecisiete millones de habitantes de Alpha han convergido con el tiempo, uniendo sus talentos, tecnología y recursos por el bien común. Por desgracia, no todo el mundo comparte esos mismos objetivos en Alpha; de hecho, hay en marcha unas fuerzas ocultas que ponen en grave peligro a nuestra raza.
Fantasía, ficción, acción y la Estación Espacial Alfa, también conocida como la Ciudad de los Mil Planetas, un verdadero núcleo intergaláctico de actividad. Como Besson comenta "allí está todo el conocimiento del universo. Es Wall Street, la Ciudad de las Ciencias, las Naciones Unidas, Broadway... todo está allí. Eso la convierte en el lugar más importante de todo el universo. Entre los alienígenas más memorables se encuentran los Doghan Daguis, una especie de intermediarios de información multilingües que siempre van en grupos de tres y causan una enorme impresión, pese a medir poco más de un metro de altura. Venden información y hablan 8000 idiomas. Uno de ellos empieza una frase, el siguiente la continúa y el tercero la termina, porque son como un único cerebro dividido en tres partes. A nadie le gustan los Doghan Daguis, pero no puedes matarlos. Si matas a uno, destruyes la información".
Personajes singulares y sorprendentes como los K-tron quienes no conocen la piedad cuando se trata de hacer cumplir la ley. Los androides de combate ejercen como la policía en la Ciudad de los Mil Planetas. Las fuerzas antidisturbios son resistentes, imparables y extremadamente precisas. Su reputación no engaña, los K-tron son de una eficacia despiadada e implacable. Una luz en la cabeza del robot ofrece dos posibles respuestas a cualquier cuestión: azul significa "adelante"; rojo significa "eliminación de objetivo". Con una armadura de cobalto concentrado, los K-tron son prácticamente indestructibles; o la más sensual y exótica de entre todos los moradores del universo, la camaleónica bailarina BUBBLE, interpretado por Rihanna, que trabaja en el garito de Jolly The Pimp, donde se puede disfrutar del espectáculo más extraordinario de Alpha. Bubble es mucho más de lo que parece y va a tener ocasión de demostrarlo, tanto dentro como fuera del escenario.
Una épica aventura con una primera parte de película espectacular donde destacan la iluminación, el vestuario y el diseño visual. Besson ha contado con su colaborador habitual Thierry Arbogast, quien, desde NIKITA, DURA DE MATAR en 1990, ha sido su director de fotografía en todas menos una de sus películas. En esta ocasión Besson sigue manejando la cámara mientras Arbogast se encarga de la iluminación. Un dúo creativo que ha logrado una colorida puesta en escena al decidir, como señala Arbogast, "usar las nuevas tecnologías de proyección que utilizan luces led en los tres colores primarios de rojo, verde y azul. Esos proyectores nos permitieron variar el color, hasta que encontramos el matiz exacto adecuado para cada set. Incorporamos tiras de luz a la decoración, que controlábamos desde una consola, de modo que pudiéramos jugar con los colores, un poco como la paleta de un pintor. Eso dio a Luc una flexibilidad enorme, hasta el punto de poder llegar al set y decir: ‘No me gusta este tono de azul, quiero que sea así’. Una mirada diferente y característica para cada entorno. En la escena en la que Bubble actúa para Valerian podemos ver la escena con un aura dorada. Colocamos tiras RGB en la columna bajo un barniz y usamos el proyector para iluminar suavemente la escena al estilo de un proyector de foco. Era como la iluminación del escenario en la escena de la ópera de ‘El quinto elemento’, pero más suave. En contraste, en El Callejón del Paraíso encontramos un tono más chillón, inspirado en parte en el propio barrio de entretenimiento para adultos de Pigalle de París. A lo largo de Valerian la iluminación varía adecuándose a la atmósfera de cada escena. No intento tener ‘continuidad’, como podría hacerse en las películas inglesas. Para mí, es escena a escena. Cuando la iluminación cambia, las escenas pueden chocar unas con otras. Por ejemplo, pasamos de una playa soleada, a ¡zas!, encontrarnos en el Intruder azul. O tenemos la luz cálida del Gran Mercado, y de ahí pasamos a la iluminación fría de otro ambiente distinto. Eso es lo que de verdad me gusta: que haya diversidad de luz".
VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS se sumerge en un ingenio visual y efectos especiales para recrear el exótico fulgor de los mundos y las especies alienígenas transportando a los espectadores a planetas lejanos en una descripción extensa de cada detalle. Acción y psicodelia visual acompañado de la banda sonora creada por Alexandre Desplat quien aporta una partitura orquestal repleta de melodías realzando la esencia de la multitud de personajes del filme junto a las secuencias de combate o escenas emocionalmente cruciales. Destacando musicalmente el inicio de la película con el tema SPACE ODDITY interpretado por David Bowie que acompaña la formación de la Estación Espacial Alfa, un sorprendente viaje del mundo contemporáneo al futuro. A lo largo del metraje también podemos escuchar JAMMING de Bob Marley, y la versión de Wyclef Jean, junto con Refugee All Stars, del clásico de los Bee Gees titulado STAYIN’ ALIVE, el nuevo tema BUBBLE DANCE de DJ Mustard que acompaña a la actuación de Bubble para Valerian, y, como canciones nuevas para los créditos finales, A MILLION ON MY SOUL de Alexiane, y I FEEL EVERYTHING compuesta por Pharell Williams e interpretada por Cara Delevingne.
VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS se une al sorprendente universo de aventura épica de ciencia ficción. Luc Besson considera que "Star Wars es guerrero, muy edípico, el padre, yo soy tu padre, la lucha del bien y el mal… Lo adoro, soy fan, pero es eso. Avatar es Pocahontas. Valerian no tiene nada que ver. Es Starsky y Hutch en el espacio. Está la historia constante de ellos, que se pelean un poco, que ella le gusta a él, pero ella no quiere… es muy humano. Y habla de conflictos de nosotros hoy".
VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS ingenio y diseño. Esplendor visual espacio-temporal.

FICHA TÉCNICA
Valerian y la ciudad de los mil planetas - Título original: Valerian and the City of a Thousand Planets - Director: Luc Besson - Año: 2017 - Duración: 137 min. - País: Francia - Reparto: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, John Goodman, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya - Guion: Luc Besson (Cómic: Pierre Christin, Jean-Claude Mézières) - Diseñador de producción: Hugues Tissandier - Montador: Julien Rey - Vestuario: Olivier Bériot - Efectos visuales: Scott Stokdyk - Productores ejecutivos: Mark Gao, Gregory Ouanhon y Jc Cheng - Música: Alexandre Desplat - Fotografía: Thierry Arbogast - Estreno en España: 18 de agosto 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

La atmósfera sobrenatural y de misterio del escritor Stephen King en su serie de ocho novelas épicas LA TORRE OSCURA llega a la gran pantalla en el año 2017. Dirigida por el danés Nikolaj Arcel y protagonizada por Idris Elba y Matthew McConaughey la obra nos relata la batalla eterna entre el bien y el mal y como múltiples mundos están en riesgo. Una aventura que el autor comenzó a escribir cuando tenía 22 años al graduarse en la universidad, como recuerda King, "se puede decir que llevo toda mi carrera con ella. A medida que pasaba el tiempo y las historias se iban apilando me di cuenta de que había creado muchos personajes que estaban relacionados con Mundo Medio, el mundo de La Torre Oscura. Se convirtió en la piedra angular de mi universo ficcional: personajes de otros libros acabarían apareciendo en La Torre Oscura y viceversa. En esa época estaba bajo la influencia de El Señor de los Anillos, y aunque no me volvían loco los elfos, orcos ni los árboles parlantes, Tolkien sí que lo hacía. Sobre esa misma época, vi la película El Bueno, el Feo y el Malo y el Hombre sin Nombre, de Clint Eastwood, que fueron una gran influencia. También hay un poema de Robert Browning que se llama 'Childe Roland a la Torre Oscura Vino' que utilicé para empezar esta fantasía épica. Escribí la frase 'El hombre de negro huía a través del desierto, y el pistolero iba en pos de él' y no tenía ni idea de dónde estaban, qué era el Mundo Medio o cómo se conectaba con nuestro mundo". Un amplio universo donde Incluso King se acabaría cristalizando en un personaje en las últimas novelas. Una obra que se ha convertido en el nexo de unión de la mayoría de sus libros.
Hay otros mundos además de este. En LA TORRE OSCURA conocemos al último pistolero, Roland Deschain (Idris Elba) quien lleva enzarzado en una batalla eterna con Walter O'Dim, también conocido como el hombre de negro (Matthew McConaughey), y su misión es no dejarle derribar la torre oscura, que mantiene el universo unido. Con el destino de los mundos en jaque, el bien y el mal se enfrentan en la batalla definitiva, una batalle en la que sólo Roland puede defender la torre oscura del hombre de negro.
Roland Deschain es el último caballero de la línea de Eld, un grupo de pistoleros que protegen la torre, la cual protege al mismo tiempo el universo entero. Después de la masacre que sufrieron el resto de pistoleros, Roland se embarca en la misión de salvar lo que queda de su mundo llegando a la misteriosa torre. Como explica Ron Howard "cuando Stephen King creó el personaje de Roland se imaginó al tío más duro que te podías encontrar. Con el tiempo el personaje evolucionó ajeno a cualquier estereotipo y se convirtió en Roland, simple y llanamente. A la hora de elegir al actor nos basamos en esa primera visión y nos preguntamos, ¿Quién es el tío más duro hoy en día? ¿Quién personifica a Roland a la perfección? Esa conversación empezó con el nombre de Idris Elba. Él es la encarnación de Roland. Es un actor espectacular y tiene el talento de traer a la vida el complejo carácter de Roland".
En el otro lado de la aventura nos encontramos con Walter el místico rival de Roland que quiere destruir Mundo Medio. Su misión es la de sumir todos los mundos en el caos absoluto, lo que se resuelve acabando con la torre. Como aclara Howard "la esencia del personaje es la de un villano distraído y bromista, a la par que despiadado y aterrador, aunque aparentemente siempre en control de la situación. Matthew McConaughey personifica perfectamente el papel de hombre de negro. Es cautivador, tranquilo y malvado, con mucha intensidad". Walter ha viajado a través de muchos mundos a lo largo de los años con el propósito de instaurar en el universo la era del Rey Carmesí.
Y en medio de la batalla aparece un joven de nuestro mundo, que puede cambiar las tornas hacia cualquier lado, Jake, interpretado por Tom Taylor, un chico de 14 años que vive una vida corriente en la ciudad de Nueva York con su madre Laurie (Katheryn Winnick) y su padrastro Lon (Nicholas Pauling). Tiene unos sueños extraños que no comprende y dibuja en detalle las imágenes que ve: el pistolero, el hombre de negro y el mundo sobrenatural en el que viven, Mundo Medio, y hasta llega a ver la torre.
Jake sigue el hilo de sus sueños y acaba descubriendo una forma de viajar a Mundo Medio, donde busca a Roland Deschain. Después de encontrar al pistolero el chico se ve inmerso en la batalla para proteger el universo, atravesando dimensiones entre Mundo Medio y Nueva York.
Un mundo medio descrito en el filme como una versión fantástica de la Tierra, un hábitat paralelo al nuestro y al mismo tiempo sobrenatural, con paisajes extraños y un gran desierto habitado por pistoleros, magos, criaturas y monstruos.
Entre el lado iluminado y el lado oscuro encontramos el gran misterio de la Torre Oscura, el centro de la narración. Una torre que desprende poder con una presencia que intimida manteniendo el mundo entero unido. Un lugar donde, como explica Stephen King, "tienes que imaginar un eje o pivote al que se le conectan todos los mundos. Sabemos lo que le ocurre a un coche al que le cortas el eje, deja de funcionar. La torre es una fuerza estabilizadora, y los pistoleros son una prestigiosa orden de caballeros dedicados a protegerla. Pero han sido erradicados y sólo queda uno, Roland. Y frente a él se encuentra un agente del caos dispuesto a acabar con la torre oscura".
LA TORRE OSCURA mezcla la vida moderna con el mundo fantástico impregnada de la cualidad emocional de la historia de King, quien señala "la novela no es cínica ni fría, al contrario. Habla de la familia, la amistad y el cariño, y del vínculo que se crea entre personas que se juntan para luchar por un bien mayor".
Una aventura épica y fantástica donde la narración hace guiños a otras obras de Stephen King con referencias ocultas dirigidas a los seguidores del escritor para sobrevolar por la mitología de la torre oscura. El director Nikolaj Arcel, acompañado de un buen reparto de actores, consigue unos interesantes efectos especiales en una propuesta visual de videojuego y metafísica mezclando escenas cortas en el mundo de Jake, cámara en mano enfocando su boli y dibujos, a planos masivos de Mundo Medio, pasando por escenas de acción coreografiadas o escenas de noche con 200 extras en un bosque en un montaje donde diferentes estilos conviven en la narración desde el documental a la acción frenética. Precipitación y batallas bien realizadas aparentemente inacabadas con  escenas insuficientemente iluminadas y un indescifrable guion donde no hay contexto ni desarrollo de personajes que en su conjunto no logra trasladar a la pantalla la magia de la obra original elaborando un filme a ratos aburrido y en otras ocasiones distante para el espectador, sin llegar a sorprender a pesar de su narración original y amplia donde se mezclan personajes y aventuras que intentan alejarse del multiuniverso literario. Una obra impersonal y rutinaria repleta de niños videntes, magos diabólicos, viajes interdimensionales y vaqueros.
LA TORRE OSCURA el pistolero en su batalla contra el hombre de negro. Tormenta de estilo y subtextos de la obra de Stephen King.

FICHA TÉCNICA
La torre oscura - Título original: The dark tower - Director: Nikolaj Arcel - Año: 2017 - Duración: 95 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Idris Elba, Matthew McConaughey, Katheryn Winnick, Abbey Lee, Tom Taylor, Jackie Earle Haley, Nicholas Hamilton, Fran Kranz,  Claudia Kim, Michael Barbieri, José Zúñiga,  Alex McGregor, Dennis Haysbert - Guion: Akiva Goldsman & Jeff Pinkner y Anders Thomas Jensen & Nikolaj Arcel. Basada en las novelas de Stephen King - Productores Ejecutivos: G. Mac Brown y Jeff Pinkner - Diseño de Producción: Christopher Glass - Vestuario: Trish Summerville - Música: Junkie XL - Fotografía: Rasmus Videbæk - Montaje: Alan Edward Bell, Dan Zimmerman - Estreno en España: 18 de agosto 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

En la década de los 70 del siglo pasado la compañía japonesa Takara diseña los DIACLONES unos robots de piezas ajustables que en 1983 la compañía juguetera Hasbro se hace con los derechos patentando estos juguetes con el nombre de TRANSFORMERS con los 21 modelos (Megatrón, Optimus Prime, Bumblebee,...) de la colección original que fueron aumentando con nuevas razas (Metroplex, Trypticon, Action Masters,...). Inmediatamente llegó la serie de dibujos animados de Marvel Comics titulada THE TRANSFORMERS, todo un fenómeno donde se daban las pautas de esta gran aventura de androides gigantes venidos de un lejano planeta que camuflan su identidad como aviones, coches y distintos artefactos electrónicos de nuestro mundo mientras se enfrentan en una gran batalla para salvar a la Humanidad. A continuación, fueron emitiéndose en televisión una miniserie por cada nueva generación de juguetes (MÁS ALLÁ DE LO QUE LOS OJOS PUEDEN VER -1984, VICTORY -1989, TRANSFORMERS: BEAST WARS -1995,...), incluso una serie televisiva elaborada totalmente por ordenador que se emitió por primera vez en la pequeña pantalla en 1992. Sin olvidarnos de la cinta de animación TRANSFORMERS: LA PELÍCULA del año 1986 donde Robert Stack, Orson Welles, Peter Cullen y Leonard Nimoy, entre otros, prestaban sus voces en un filme donde por primera vez se unían personajes de carne y hueso al gran protagonismo de estas máquinas creadas para la serie animada de televisión por Roberto Orci, Alex Kurtzman y John Rogers, que dio como resultado miles de juguetes vendidos en los años 80 y una generación de "fans" que celebró en 1994 su primera convención mundial, en Fort Wayne, Indiana y que desde entonces no han dejado de reunirse anualmente.
En el universo de los TRANSFORMERS nos encontramos con dos grupos antagónicos que se odian desde hace miles de años. Por una parte, están los AUTOBOTS, que respetan la vida, tienen ideales e intenta llevar una convivencia pacífica. Entre los que se encuentran su líder OPTIMUS PRIME, que guía a los suyos en la contienda al grito de "¡Transformaos y avanzad!". Por otro lado, los DECEPTICONS, que matan todo aquello que les impide obtener el poder y dominio del Universo, entre los que están su dirigente MEGATRON, capaz de modificar su estructura, pudiendo convertirse en otros objetos, cuyo vehículo es un reactor, un tanque o una lanzadora.
En el año 2007 los TANSFORMERS producen uno de sus más espectaculares cambios convirtiéndose de androides articulados a estrellas de cine. Con la producción ejecutiva de Steven Spielberg, los avances tecnológicos de la factoría Dreamworks en coproducción con Paramount Pictures, la dirección de Michael Bay, los efectos especiales de la empresa de George Lucas, Light and Magic y el aliciente de un desfile de vehículos (Hummer, Pontiac) diseñados "ex profeso" por General Motors en la película TRANSFORMERS conocemos a las dos razas de robots extraterrestres transformables (los villanos "decepticons" y los amistosos "autobots") quienes llegan a la Tierra en busca de una misteriosa fuente de poder. En la guerra que estalla entre las dos razas, los hombres toman partido por los "autobots". Sam Witwicky (Shia LaBeouf), un avispado adolescente, que sólo desea conquistar a la bella Mikaela (Megan Fox), se convierte en la clave de una guerra que puede destruir a la humanidad. TRANSFORMERS resultaba un filme de ciencia ficción al servicio de espectaculares transformaciones de gigantescos robots relucientes de impresionante fuerza y espléndidos movimientos, de androides venidos de un lejano planeta entre los que se cuelan actores de carne y hueso destacando Shia LaBeouf y Megan Fox en una atmósfera que se torna por momentos lúgubre oscura y fría, llamando al pánico colectivo y a ensalzar ese mensaje de la heroicidad del ser humano para salvar la Tierra del enemigo externo, cuando es incapaz de protegerla de sus propios instintos destructivos. Una lucha entre Autobots y Decepticons que logró ser una de las cinco películas más taquilleras del año que recaudó más de 710 millones de dólares en los cines y el mayor éxito de Michael Bay en taquilla hasta entonces.
En el año 2009 se estrenaba la secuela TRANSFORMERS: LA VENGANZA DE LOS CAÍDOS dirigida por Michael Bay y producida por Steven Spielberg de nuevo con Shia LaBeouf y Megan Fox en los papeles principales. Han pasado dos años desde que Sam Witwicky  y los Autobots salvaran a la raza humana de la invasión de los Decepticons. Sam sigue siendo un adolescente como cualquier otro, con las preocupaciones cotidianas y la emoción de hacerse adulto, separándose de sus padres (Kevin Dunn y Julie White) por primera vez y de su novia Mikaela para marcharse a la universidad donde todo transcurre con normalidad hasta que Sam es asaltado de pronto por visiones de símbolos de Cybertron. Temiendo sufrir la misma demencia que amargó a su abuelo, Sam mantiene en secreto sus visiones hasta que ya no puede seguir ignorando los mensajes y símbolos que se filtran en su mente. Los Decepticons se enteran pronto de algo que Sam ignora: que sólo él tiene la clave del resultado de la lucha entre el mal y el poder supremo del bien. La vida normal tendrá que esperar. Sam vuelve a encontrarse en el medio de una batalla entre los Autobots y los Decepticons, con el destino del universo en juego. Con la ayuda de los Autobots, de los soldados de NEST, de un antiguo adversario reconvertido en aliado (John Turturro, que regresa como el agente Simmons del Sector 7), e incluso de sus padres, Sam aprende a aceptar la herencia de los Witwicky, sin esconderse más del legado de su familia: ¡Sin sacrificio, no hay victoria! Sam y Mikaela tendrán que descubrir la historia secreta de la presencia de los Transformers en la Tierra, y los sacrificios que habrá que hacer para salvarla de una antiquísima amenaza que juró regresar para vengarse… un antiguo Decepticon llamado El Caído.
TRANSFORMERS: LA VENGANZA DE LOS CAÍDOS seguía el camino de la primera entrega con su incesante torbellino de efectos visuales y luchas grandiosas en un espectáculo que adora el exceso y que a pesar de las críticas negativas recibidas fue un éxito de taquilla y recaudó un total de 402 millones de dólares en Norteamérica y 836 millones de dólares alrededor del mundo. Se posicionó en el puesto 26 de las películas más taquilleras de todos los tiempos, así como la cuarta película más taquillera y la tercera más exitosa del año 2009 por detrás de AVATAR y HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRÍNCIPE.
La tercera entrega llegaba el año 2011 con TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA con Shia LaBeouf, mientras su compañera femenina ya no era Megan Fox sino la modelo británica Rosie Huntington-Whiteley, que debutaba en la gran pantalla. Una nueva entrega sobre la eterna batalla entre las dos fuerzas rivales de robots extraterrestres siendo, una vez más, Sam Witwicky quien se encuentra involuntariamente en medio del conflicto. Un reciente enemigo, Shockwave, llega a Cybertron para hacerse con nuevos aliados, derrotar a los Autobots y dominar el planeta del que proceden. La ayuda de Sam será de nuevo vital en la defensa de sus amigos, sin saber que ninguno de ellos está preparado para afrontar la gran batalla que se avecina.
TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA fue la primera película de la saga que se estrenó en 3D, un formato que Michael Bay no encontraba demasiado atractivo pensando que perjudicaría su “estilo agresivo”. Finalmente, apostó por ello tras hablar con el director James Cameron (Avatar) que hasta le ofreció su equipo técnico comentándole que “Tienes que entender el 3D como un juguete más, como otra divertida herramienta que te ayudará a captar la emoción de los personajes y crear una experiencia única”. TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA resultaba una historia al servicio de un brillante 3D, que ponía de manifiesto aún más que en las dos anteriores entregas los excesivos y a la vez excelentes efectos visuales del estilo de Michael Bay consiguiendo una vez más ser uno los grandes éxitos de la temporada estival y contribuyendo a engrosar las arcas de una de las sagas más taquilleras del cine.
Los buenos resultados en taquilla de la saga animaron a Paramount a llevar a cabo una nueva entrega de la franquicia donde el protagonista Shia LaBeouf no estaba dispuesto a sumarse al proyecto. En el año 2014 llegaba TRANSFORMERS: LA ERA DE LA EXTINCIÓN con la dirección de Michael Bay quien sigue luchando para conseguir que los androides y la acción resulte cada vez más y más real. Protagonizada por Mark Wahlberg quien aclara "la idea fue hacer algo diferente, que no pareciera una secuela. Arrancamos con las consecuencias de la batalla final de la última película, pero, tras eso, vienen nuevos personajes y una trama distinta. Yo aporto el elemento humano, que acerca el film al público. El tipo común de la calle, cuya meta es mantener a su hija con vida". Así TRANSFORMERS: LA ERA DE LA EXTINCIÓN comienza tras una épica batalla que arrasa una gran ciudad, pero que salva al mundo. Mientras la Humanidad se recupera, aparece un misterioso grupo que intenta controlar el curso de la Historia… mientras que una nueva amenaza, antigua y poderosa, pone a la Tierra en su punto de mira. Con la ayuda de un nuevo grupo de humanos, Optimus Prime y los Autobots se disponen a enfrentarse al desafío más impresionante de su historia. En una aventura increíble, se ven metidos en una guerra entre el bien y el mal, teniendo lugar una decisiva batalla por todo el mundo.
En esta cuarta entrega aparecen por primera vez los DINOBOTS un grupo de Autobots que se transforman en dinosaurios primitivos. En un guion obvio supeditado a la acción que se estrella contra los gigantes androides en un largo metraje de 165 minutos donde podemos destacar a Stanley Tucci quien nos regala los momentos más alocados. Acción, robots gigantes en espectaculares peleas entre fuego, explosiones y edificios que se derrumban junto a la música de Imagine Dragons. Un logrado 3D cuyo trabajo ha servido para que TRANSFORMERS: LA ERA DE LA EXTINCIÓN fuera la película elegida para inaugurar el primer cine 4DX de Estados Unidos situado en los Cines Regal LA Live. Agua, humo, luces, son algunos de los ingredientes de una sala donde el público, además de ver la película, se mete dentro de ella experimentando diferentes efectos físicos reales.
La estancia en la Tierra de los Transformers continúa en el año 2017 con TRANSFORMERS: EL ÚLTIMO CABALLERO, quinta entrega de la saga dirigida por Michael Bay con la presencia del actor Anthony Hopkins como Sir Edmund Burton, un astrónomo e historiador que conoce sobre la historia de la existencia de los Transformers en la Tierra y se une a Cade Yeager interpretado por Mark Wahlberg. Una nueva aventura llena de batallas, chatarra y acción en un planeta Tierra al borde de la aniquilación total. Con un prólogo interesante donde en esta quinta entrega nos traslada al siglo V situando a los Transformers en compañía del rey Arturo y los caballeros de la mesa redonda. Estos robots alienígenas con la capacidad de convertirse en diversos vehículos de tierra, mar y aire llevan velando y protegiendo a la humanidad desde los días del mago Merlín, a quien entregaron su poder para hacer magia y la espada Excalibur.
TRANSFORMERS: EL ÚLTIMO CABALLERO rompe con el mito original de la franquicia de Transformers y redefine lo que significa ser un héroe. Humanos y Transformers están en guerra y Optimus Prime se ha ido. Dos especies en guerra: una de carne y hueso, la otra de metal.
La llave para salvar nuestro futuro está enterrada en los secretos del pasado, en la historia oculta de los Transformers en la Tierra. Salvar a nuestro mundo está en manos de una alianza única: Cade Yeager (Mark Wahlberg); Bumblebee; un Lord Inglés (Sir Anthony Hopkins); y una profesora de la Universidad de Oxford (Laura Haddock). Hay un momento en la vida de todo ser humano en la que recibimos el llamado para hacer la diferencia. EN TRANSFORMERS: EL ÚLTIMO CABALLERO los perseguidos se convertirán en héroes; los héroes se convertirán en villanos y sólo un mundo sobrevivirá: el de ellos o el nuestro.
Acción hiperactiva al servicio de la imagen y un acabado técnico elevado. Como explica Michael Bay "ya he grabado en 3D nativo las dos anteriores películas, pero esta es la primera vez que utilizo cámaras para IMAX así que verlas en este formato es lo que recomiendo. Tuvimos que inventar este tipo de tecnología y el soporte para ellas, pero eso es lo que me gusta hacer. Empujar un poco la tecnología y llevar a la gente al cine. Esta es la única película grabada en 3D nativo en Estaos Unidos porque todo lo hecho hasta ahora es simulado. En esta ocasión es mucho mejor, es más natural porque dispones de dos cámaras y es como si tuvieras dos ojos y hay una gran diferencia. El viaje va a seguir así que aquí vamos a marcar las pautas para una próxima película. Optimus cambia y todo se trata de pelear por su hogar".
Tras el Rey Arturo, un legendario rey de Camelot, que luchó junto a los Caballeros de Cybertron descubrimos la espada de Excalibur y otros sofisticados objetos que en EL ÚLTIMO CABALLERO se transforman en carne y acero repleto de ruido de metal y espectaculares momentos de acción durante 149 minutos de excesos y a la vez excelentes efectos visuales. En espera de su siguiente entrega y del spin-off protagonizado por Bumblebee llamado el "pequeño hermano” de los Autobots quien se esfuerza constantemente para probar que está a la altura de los otros especialmente de Optimus Prime, aunque esto signifique en ocasiones colocarse en peligro.
TRANSFORMERS: EL ÚLTIMO CABALLERO blockbuster ruidoso y pirotécnico. El reino de Camelot y los Caballeros de Cybertron la gigante cacharrería cibernética en acción.

FICHA TÉCNICA
Transformers: El último caballero  - Título original: Transformers: The Last Knightaka - Director: Michael Bay - Año: 2017 - Duración: 149 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Mark Wahlberg, Anthony Hopkins, Isabela Moner, Laura Haddock, Stanley Tucci, John Turturro, Josh Duhamel, Gil Birmingham, Santiago Cabrera, Liam Garrigan, Jason Matthewson, Mark Ryan, John Hollingworth, Andy Bean y Jerrod Carmichael - Guion: Art Marcum, Matt Holloway, Ken Nolan (Historia: Akiva Goldsman, Art Marcum, Matt Holloway, Ken Nolan) - Música: Steve Jablonsky - Fotografía: Jonathan Sela - Estreno en España: 4 de agosto 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

Trepidante thriller de espías bajo la dirección de David Leitch a partir de un guion de Kurt Johnstad, adaptando al celuloide la novela gráfica "The Coldest City" (Oni Press, 2012), dibujada por Sam Har y escrita por Antony Johnston, que durante el verano de 2008 inicio un proyecto sobre el espionaje durante la Guerra Fría, un asunto que siempre le había atraído creativamente, dando como resultado una obra cuyo diseño, estilo y sonoridad capta una elegante reinterpretación del Berlín de 1989. Como Antony Johnston señala "el arte, la música y la expresión social saltaron a primera plana mientras el mundo observaba cómo la Guerra Fría llegaba a su fin en Berlín. Por aquel entonces, las novelas gráficas no solían centrarse en historias de espías y, por tanto, no albergaba muchas esperanzas de que la obra fuera publicada y mucho menos que tuviera una buena acogida entre los lectores. Tengo la caída del Muro de Berlín clavada en la retina: recuerdo verlo en directo en la tele. Sabía que estaba presenciando un momento histórico, un evento que podría llevar a la paz mundial y un futuro mejor. Me pareció que esa expectación podría funcionar muy bien como trasfondo para una historia de espías".
La trama se centra en Lorraine Broughton, una verdadera superviviente. Broughton es todo lo que se espera de un agente secreto del MI6: dura y sin remordimientos. Es una superespía habilidosa, sensual y despiadada que va mucho más allá de ser la típica superheroína del género de fantasía. Los peligros comienzan nada más aterrizar en Berlín y Lorraine no tarda en comprender que tiene muy pocas posibilidades de completar su misión. Todos sus años con el MI6 no podrían haberla preparado para este trabajo. Deberá recurrir a su instinto, ingenio y resistencia, echando mano de su inteligencia, encanto y formación para salir de allí con vida.
Una capacidad visual, narrativa y de aporte humano que como Leitch explica "crecí en los ochenta y recuerdo claramente las imágenes de la caída del Muro, así que de primeras ya me pareció un tema muy interesante... sobre todo porque me resulta muy significativo teniendo en cuenta la política actual. Con la agente del MI6 Broughton sabía que había encontrado una protagonista que estaba lista para saltar a la fama. Broughton es un personaje increíblemente complejo, y a través de ella la historia nos muestra una interpretación muy moderna del género de los espías. Es muy cool y estilosa, manteniendo siempre la distancia que exige su mortal profesión, pero bajo ese armazón late un corazón que siente... y sus emociones acaban saliendo a la luz".
Charlize Theron (Monster), quien también es productora del filme, junto con Eric Gitter (Scott Pilgrim contra el mundo), Peter Schwerin (El efecto mariposa), Kelly Mccormick (Deadpool 2), A.J. Dix (El efecto mariposa) y Beth Kono (Young Adult), interpreta a Lorraine Broughton en la versión cinematográfica que llega a la gran pantalla en 2017 con el título ATÓMICA (Atomic Blonde), ambientada en el año 1989, transcurriendo en un lugar y durante un momento histórico de enorme relevancia: Berlín, justo antes de la caída del Muro después de 28 años.
Un Muro cuya estructura, como reseña McCormick "se construyó con varios fines. No estaba pensado solo para contener a las personas, sino también para ocultar secretos que podrían amenazar a los agentes de la inteligencia, destruir sus carreras y poner fin a sus vidas". Levantado por el gobierno comunista de Berlín Oriental para separar a los ciudadanos de los sectores estadounidense, británico y francés establecidos tras la conferencia de Potsdam de 1945 al finalizar la Segunda Guerra Mundial, el Muro había dado origen a una zona encubierta y segregada en la que los espías, efectivos y agentes de la Guerra Fría lidiaban batallas tanto oficiales como oficiosas. Iniciándose su construcción el 13 de agosto de 1961 se componía de dos barreras independientes: el muro exterior ubicado en la frontera con Berlín Oriental y, a unos 30 metros de esa primera estructura, un muro interior fuertemente armado. Entre los dos muros se encontraba la "zona de la muerte" (rodeada de capas de acero y barreras de hormigón), patrullada por soldados armados acompañados por perros de la unidad canina. Por si la vigilancia se quedaba corta, se había utilizado también un suelo arenoso que revelaba las huellas de cualquiera que osara acercarse demasiado. La seguridad del Muro se componía de 112 metros de alambre de espino, 310 torres de vigilancia, 65 zanjas anti-vehículo y 40.000 soldados de frontera entrenados en la Unión Soviética.
Una compleja maraña donde, como apunta Charlize Theron, "era como estar en el Lejano Oeste. El KGB soviético y la Stasi de Alemania Oriental se enfrentaban a la CIA de EE. UU., el MI6 británico y el DGSE francés. Trapicheos, sobornos, chantaje, violencia... era el pan de cada día de esos agentes".
Theron, como hiciese en otros papeles de heroína en “Mad Max: Furia en la carretera” o “Aeon Flux”, vuelve a pegarse como un guante a Lorraine Broughton a las órdenes de David Leitch, responsable, junto a Chad Stahelski, de "John Wick", protagonizada por Keanu Reeves en un registro muy del estilo, a nivel masculino, del interpretado de manera espléndida en ATÓMICA por Theron, que encabeza un buen reparto que completan James McAvoy (Múltiple, la saga XMen) dando vida con su carisma habitual al jefe de estación David Percival, quien sabe moverse como pez en el agua por este mortífero juego de espías, con el que Lorraine formará equipo en Berlín; John Goodman (Calle Cloverfield 10, Kong: La isla calavera) encarnando al agente de la CIA Emmett Kurzfeld; Til Schweiger (Malditos Bastardos, Head Full of Honey) haciendo del enigmático Relojero; Eddie Marsan (la saga Sherlock Holmes, Blancanieves y la leyenda del cazador) interpretando al brillante francotirador conocido únicamente como Spyglass; Sofia Boutella (La momia, Kingsman: Servicio Secreto) siendo el agente de la inteligencia francesa Delphine Lasalle; Bill Skarsgård (Divergente: Leal) metiéndose en la piel de Merkel, el contacto de Broughton en Berlín Oriental; y Toby Jones (Capitán América y la saga Los juegos del hambre) como el investigador del MI6 Eric Gray.
ATÓMICA transcurre en la víspera de la caída del Muro de Berlín, durante un explosivo reajuste de alianzas entre los superpoderes internacionales. Si por norma general el mundo del espionaje está lleno de peligros y sospechas, la sensación de desconfianza se multiplica por mil con la ciudad más fría de Europa convertida en un polvorín. Lorraine Broughton, una dura y seductora espía del MI6, viaja hasta Alemania para desmantelar una despiadada banda de espionaje que ha matado a un agente secreto aliado por motivos inexplicables. Tras sortear un intento de asesinato nada más poner pie en la ciudad, Broughton consigue escapar con vida y se ve obligada a cooperar con el jefe de estación en Berlín, el temerario David Percival. No les quitan ojo el investigador del MI6 Eric Gray y un alto oficial de la CIA llamado Emmett Kurzfeld, enviado desde EE. UU. para supervisar la misión de Broughton. Siguiendo cada uno de sus pasos se encuentra también una agente del servicio de inteligencia francés llamada Delphine Lasalle, con quien acaba viviendo un tórrido romance. Estos efectivos, y alguno más, intentan sofocar una amenaza que podría poner en peligro las operaciones de los servicios de inteligencia de Occidente: una lista con las identidades y datos personales de todos los agentes que trabajan en Berlín, recopilada por un oficial de la inteligencia de la Stasi en Berlín Oriental. La lista está en manos de un hombre cuyo nombre en clave es Spyglass (Marsan). Aun sin confiar plenamente el uno en el otro, Broughton y Percival están decididos a dar con Spyglass y hacerse con el fichero. En un clima gélido y a punto de caer el Muro, la tensión se dispara. El tiempo se agota y Broughton deberá echar mano de todo su arsenal de habilidades para superar cada reto, vencer a cada adversario y vengar cada traición, tanto en el terreno personal como en el profesional. Lorraine no se detendrá ante nada para conseguir dar con esa lista, enfrentándose a varios asesinos y sumergiéndose en un mundo en el que nadie parece ser quien dice ser.
"The Coldest City" para el fundador de 87Eleven, David Leitch (Deadpool 2), quien ha trabajado como director de la segunda unidad en superproducciones como "Jurassic World", "Capitán América: Guerra Civil" o "Logan", proporciona las bases de un explosivo cóctel de drama histórico y espionaje que en su dureza salvaje deja espacio para el humor y el erotismo en un largometraje donde por encima de los efectos especiales prima la intimidad de contar en una atmósfera de acción desenfrenada, suponiendo ATÓMICA una vuelta de tuerca a la clásica historia de agentes secretos del cine negro sin renunciar a personajes contundentes y su arco emocional que viven sus momentos más arriesgados en los lugares más inesperados, fuera del terreno conocido, en una fresca aventura que no pasó desapercibida cuando propusieron adaptar el primer cómic de la saga para hacer la película a Kurt Johnstad (300),quien, dado su vínculo personal con Berlín, recuerda "acepté encantado. Mi padre fue piloto de Pan Am y estuvo destinado en Berlín Occidental durante los años sesenta y ochenta, así que pasé bastante tiempo en la ciudad antes de la caída del Muro. Mi hermana todavía vive allí con su familia. Durante la adolescencia, me movía por los sectores de Berlín Occidental, pero también me acercaba hacia el este. Solo había una línea de tren y una autopista que conectaran las dos partes de la capital, Impresiona lo original y estimulante que era Berlín entonces. Era como un imán para artistas, músicos y anarquistas... un destino vivo luchando bajo la opresión del comunismo. Desde el punto de vista creativo, era un lugar muy potente. Las escenas del arte y de la música estaban en plena expansión. Pero también se sentía el miedo. He querido trasladar esa sensación de riesgo en la película. También visité otros países del bloque soviético y vi cómo era la vida cotidiana de esa gente tras el Telón de Acero. Mucha gente perdió la vida intentando escapar y he pensado mucho en ellos al contar esta película. La historia siempre la protagonizan las personas, y más cuando se trata de eventos como el impactante final de la partida de ajedrez geopolítica que fue la Guerra Fría".
Personajes discrepantes y desesperados en un momento clave de la historia que interaccionan en un contexto que marca el aura del filme, siendo elegida para el rodaje Budapest, ciudad que proporcionó las cualidades para las escenas de Berlín, Londres y París, según explica el diseñador de producción David Scheunemann porque "Berlín ha cambiado mucho desde 1989 y se han llevado a cabo importantes reformas y construcciones arquitectónicas. Ya no se encuentran las mismas texturas, especialmente en el casco más antiguo de la ciudad. No obstante, esas texturas sí siguen existiendo en Budapest, donde encontramos localizaciones que nos podrían valer para las escenas de Berlín Oriental y Occidental. La capital húngara tiene impresionantes edificios abandonados, con exteriores decrépitos e interiores ruinosos que nos vinieron como anillo al dedo. Budapest también hizo las veces de Londres y París, puesto que algunas avenidas suplantaban a la perfección a la capital francesa. Un edificio de la conocida Avenida Andrassy, un moderno bulevar sede de boutiques y embajadas, se convirtió en las oficinas del MI6. Los interiores tenían un aire muy británico: pinturas clásicas, butacas de cuero, mobiliario de cerezo, lámparas de araña, techos de celosía de madera, alfombras mullidas y cortinas oscuras".
En cuanto al Muro de Berlín el equipo de arte de David Scheunemann (Malditos bastardos), fabricó una reproducción en madera que medía 76 metros de largo por 3,5 metros de alto, construida en varias secciones que facilitara su transporte al utilizarse en varias localizaciones de Budapest como fondo en algunas de las escenas ambientadas en las fronteras de los diferentes sectores. Logrando varios grafiteros locales, pintando las barricadas siguiendo el estilo que residentes y visitantes habían utilizado años atrás, emular el Muro real que se convirtiera en lienzo de artistas que dejaron bocetos, dibujos e inscripciones.
ATÓMICA se sustenta en la música, tirando de una banda sonora ochentera de canciones de Queen, Depeche Mode o New Order, que hacen volar a ritmo de adrenalina las escenas de acción, con reminiscencias de la influencia en el punk y el New Wave de Nick Cave, Iggy Pop y David Bowie (Londres, 8 de enero de 1947- Nueva York, 10 de enero de 2016) del que Leitch aclara "durante el rodaje fue el gran Bowie una de las piedras angulares del filme. La canción "Cat People" ("Putting Out Fire") se escuchó por la noche para rendir un homenaje espontáneo al mito de la canción, al conocerse su fallecimiento. Bowie vivió en Berlín durante los años setenta, donde grabó tres álbumes que se conocen como la Trilogía de Berlín. La segunda estrofa de su canción "Heroes" se le ocurrió al mirar por la ventana del estudio de grabación y ver a su productor cerca del Muro. La música y la ropa occidental estaban prohibidos en Berlín Oriental, por lo que los jóvenes se morían por hacerse con ellas. El muro construido por el departamento de Scheunemann se trasladó hasta el 6.º distrito de la ciudad para la memorable secuencia nocturna en la que empieza a caer el muro. La producción recreó los hechos del 9 de noviembre de 1989, cuando todo el mundo presenció los gritos de alegría de los alemanes al ver cómo ciudadanos armados con martillos y picas destrozaban el Muro. La música y la historia van de la mano y, por tanto, hemos elegido algunas de las canciones más importantes de una de las épocas más creativas del pasado siglo... cuyas preocupaciones políticas han resultado ser muy oportunas dadas las tensiones globales actuales".
Más cercana a la saga Bourne de Matt Damon que a la franquicia de Misión imposible de Tom Cruise, otra de las ventajas de "The Coldest City" es su estética tan apropiada al universo cinematográfico en una historia compleja y versátil, retratando la escena tecno, la comunidad punk alternativa y la sexualidad fluida de la ciudad en aquellos años. Una novela gráfica que, a pesar de ser monocromática, se aleja de tediosas y oscuras representaciones de la ciudad.
Una paleta que en la adaptación a la gran pantalla se mueve en una psicodelia que remonta a las tiras de Modesty Blaise originales de Peter O’Donnell, en tonos determinados según la ubicación, apagados y plomizos en las escenas londinenses y eléctricos y cargados de una sensibilidad ecléctica e intensos fogonazos en Berlín, prioritariamente en la zona occidental, empleando cámaras Alexas con lentes anamórficas para captar la imaginería panorámica dando a Budapest un aire prohibido y peligroso, con encuadres en estrechas y aisladas calles con altos e imponentes edificios. Sobresaturación, neones en azul y rosa, especialmente en el bar en el que se conocen Broughton y Delphine, a la vez de grises para representar la desolación de algunas zonas, sobretodo en la parte comunista. Verdes que sugieren la creciente creatividad de la zona occidental y azules en la zona oriental mostrándola más siniestra y austera. Contrastes visuales entre oriente y occidente que ayudan al espectador a guiarse en los aspectos sociopolíticos y económicos en un filme donde los personajes van al galope esquivando peligros.
Con un regusto a John le Carré, Lou Carrigan o Gérard de Villiers y a las películas de James Bond y filmes tipo Funeral en Berlín, con protagonistas como Harry Palmer, con una luminosa acción vertiginosa, riqueza e intensidad visual, ATÓMICA, cumple con su objetivo de entretener a un público aficionado a los relatos de espías con frenéticas coreografías de peleas entre gélida y cálida emotividad, aunque una trama casi minimalista que por momentos confunde lo intrigante con lo enrevesado hace naufragar una correcta producción de agentes secretos y corrupción en un mundo brutal y arriesgado protagonizado por una espía de alto nivel del MI6 que recorre una ciudad a punto de ebullición, donde la revolución y las puñaladas traperas están a la orden del día.
ATÓMICA, luchas y persecuciones a hipervelocidad de estilismo maximizado envueltos en posmodernidad digital para lucimiento de Charlize Theron en un acelerado cine negro de espionaje.

FICHA TÉCNICA
Atómica - Título original: Atomic Blonde (The Coldest City) - Dirección: David Leitch - Año: 2017 - Duración115 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Charlize Theron, James McAvoy, Sofia Boutella, John Goodman, Eddie Marsan, Toby Jones, Bill Skarsgård, Roland Møller, Attila Árpa, Sam Hargrave, Jóhannes Haukur Jóhannesson - Guion: Kurt Johnstad (Novela gráfica: Antony Johnston) - Productores: A.J. Dix, Eric Gitter, Beth Kono, Kelly McCormick, Peter Schwerin, Charlize Theron - Música: Tyler Bates - Fotografía: Jonathan Sela - Montaje: Elísabet Ronaldsdóttir - Género: Thriller, espiomaje - Estreno en España: 4 de agosto 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

Atrás queda la primera entrega de la trilogía iniciada el año 2002 donde Peter Parker, interpretado por Tobey Maguire, revolucionaba el universo del Hombre Araña con el toque personal del director Sam Raimi basado en humor, escenas de acción cercanas al slap-stick y movimientos imposibles de cámara. Un Spider-Man donde ya no fabrica su fluido arácnido en su casa ni lo lanza desde un propulsor, sino que le emana directamente de su muñeca, la araña que pica a Peter Parker no es radioactiva, como imaginó Stan Lee, sino mutada genéticamente (de la especie steatoda, pariente lejana y no letal de la viuda negra) o no se ve en el filme la señal de Spider-Man, porque, como dice Raimi, "eso le da cierta superioridad, y Spidey necesita todo el factor sorpresa". Unos cambios que, junto a unos buenos efectos especiales, una excelente banda sonora de Danny Elfman y un Duende Verde sensacional interpretado por Willem Dafoe ofrecían dos horas de entretenimiento que no desmerecían en nada a su original del cómic, logrando ser la película más taquillera del año en EEUU consiguiendo sólo en el fin de semana de su estreno superar los 110 millones de dólares.
Spider-Man fue creado por el ejecutivo de Marvel Comics Stan Lee y el diseñador de personajes de Marvel Steve Ditko. El Hombre Araña apareció en 1962 en el último número del deteriorado cómic AMAZING FANTASY. El éxito fue tal que se le cambió el nombre a AMAZING SPIDER-MAN, reapareciendo en marzo de 1963. Precisamente con este nombre en el año 2012 regresa a la gran pantalla en una nueva aventura de Peter Parker con la dirección de Marc Webb (500 días juntos, 2009) quien consideraba que "hay muchos detalles del canon de Spider-Man que no se han explorado en el cine. La pérdida de los padres de Peter lo motiva a iniciar su camino. Sentía curiosidad por la consecuencia emocional de ese suceso trágico en su vida, ya que, al fin y al cabo, esta es la historia de un chico que sale en busca de sus padres y se encuentra a sí mismo. Y por supuesto contamos con Gwen Stacy que, conozcas o no los comics, la suya es una historia extraordinaria. Y sin olvidarnos del Lagarto, uno de mis villanos preferidos de los comics". THE AMAZING SPIDER-MAN era la película que resultaba de un largo proceso de rumores, confirmaciones, idas y venidas de un proyecto que llevaba pululando en Hollywood desde que Sam Raimi firmara SPIDER-MAN 3 (2007), éxito de taquilla que, sin embargo, no se ganó el favor de la crítica que sí habían conseguido sus dos precedentes. Finalmente, y tras no pocos problemas, llegaba este reboot de la saga en el que cambian los actores, el director y se retoman los primeros pasos del superhéroe, con variaciones significativas respecto a la primera cinta que firmara Raimi.
THE AMAZING SPIDER-MAN era el relanzamiento del Hombre Araña en la gran pantalla intentando contar la historia de quien se esconde detrás de la máscara arácnida. Descubrir que la búsqueda de su padre desencadena una serie de sucesos que llevan a convertirse en un superhéroe. Los conflictos humanos internos del personaje continúan. Una nueva visión de Spider-Man con un nuevo traje. Una apariencia que surge del propio Parker quien crea el traje de araña en su ordenador. Marc Webb llevaba a cabo sus objetivos de explorar la historia de Peter Parker de una forma más naturalista y realista en un largometraje entretenido entre el humor del adolescente protagonista interpretado por un Andrew Garfield, quien cumplía con su papel, la oscuridad y carácter reflexivo de Parker, junto a su romance con Gwen Stacy, registro correctamente interpretado por la actriz Emma Stone. THE AMAZING SPIDER-MAN lograba mejorar la tercera entrega de Sam Raimi pero no llegaba a la altura de las dos primeras. Más de lo mismo en el atormentado y heroico mundo de Peter Parker.
Tras el reinicio de la saga el Hombre Araña regresaba a los cines en el 2014 para enfrentarse a Electro y a otros supervillanos. THE AMAZING SPIDER-MAN 2: EL PODER DE ELECTRO, de nuevo protagonizado por Andrew Garfield y Emma Stone con la incorporación de Jamie Foxx, quien da vida a Electro, un clásico villano de Marvel víctima de las circunstancias con sus problemas y su dolor expresado mediante una equivocación. Mientras cuando es Max Dillon es un perdedor ignorado al ser Electro siempre desea reconocimiento sobre todas las cosas y a cualquier precio descargando su ira y frustración sobre la raza humana y especialmente en Spider-Man. Una segunda entrega donde, sin llegar a funcionar el villano Lagarto (mutación del Dr. Curt Connors) con una transformación demasiado precipitada, el guion dejaba tramas abiertas por la pretensión de iniciar con esta aventura una nueva trilogía que nunca llegó.
Entre saltos, piruetas y sentimientos juveniles el trepamuros se reinventa en el año 2017 y tras su breve aparición en el Universo Cinematográfico de Marvel en CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR (2016) regresa en el largometraje SPIDER-MAN: HOMECOMING dirigido por Jon Watts e interpretado por Tom Holland, quien recuerda "Peter pasa de disfrutar como nunca luchando con los Vengadores en ‘Civil War’ a sentirse de pronto como si no tuviera nada que hacer. Tony Stark le ha encargado que sea el amistoso vecino Spider-Man, lo que significa ayudar a las ancianitas a cruzar la calle, bajar gatos de los árboles y detener a chorizos de poca monta, nada demasiado peliagudo. Pero entonces Spider-Man se topa con armamento de alta tecnología, lo que le lleva a intentar conocer y dominar sus nuevos poderes y habilidades". Un espacio arácnido nuevo para su telaraña en la gran pantalla en una propuesta visual donde a lo largo de los últimos 15 años se ha ido creando un Universo Marvel en celuloide con muchos personajes y películas donde, como explica Kevin Feige, productor y presidente de Marvel Studios, "ahora tenemos la oportunidad de introducir a Peter Parker y la franquicia de Spider-Man en ese universo por primera vez. Es emocionante, porque así es como sucedió realmente en los cómics, desde el primer momento, no se inició en los cómics como el único héroe, sino que entró en un mundo en el que ya estaban Tony Stark, el Capitán América y los Vengadores. Y ahora, por primera vez, tenemos toda una película para hacer eso, lo que lo convierte en algo fresco y novedoso. Presentamos a Spider-Man en ‘Civil War’ y allí se pudieron apreciar sus bromas, su parloteo y el contraste con los demás héroes presentes. Ahora, después de las mejores vacaciones de todos los tiempos, en las que tuvo ocasión de pasar algo de tiempo con esas estrellas de rock, tiene que volver al instituto. Eso agrava su problema, un problema que desde luego tuve yo y que creo que también tiene la mayor parte de la gente que va al instituto: ‘¿Hay algo más para mí ahí fuera?’. Salvo que Peter sabe con certeza que lo hay, porque acaba de hacerlo. Cree estar listo y, por supuesto, cuando tienes 15 años, a menudo crees estar listo para algo antes de que realmente lo estés. Eso es lo divertido de esta película, eso es lo que hace cercano a Peter Parker, y por eso queríamos hacer esto y que los espectadores volvieran a familiarizarse con Spider-Man desde la perspectiva del Universo Cinematográfico de Marvel".
SPIDER-MAN: HOMECOMING retoma la acción directamente donde se quedó tras la épica batalla de CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR, con Tony Stark llevando al trepamuros de vuelta a su casa de Queens donde vive con su tía May (Marisa Tomei), bajo la atenta mirada de su nuevo mentor, Tony Stark. Peter intenta retomar su rutina diaria normal, distraído por su intención de demostrar que puede ser más que tu simple amistoso vecino Spider-Man, pero, cuando surge un nuevo villano todo lo que Peter considera más importante se verá amenazado. Ha llegado su momento y se verá puesto a prueba para convertirse en el héroe que está destinado a ser.
Spider-Man remonta su vuelo recuperando su icónico traje con nuevas y viejas aportaciones, como explica Feige, "ahora tiene unas alas de telaraña bajo los brazos, que rinden homenaje a los primeros cómics. En el primer número de la primera colección de Spider-Man está balanceándose y tiene las alas de telaraña. Stark Industries ha diseñado una versión de las alas que sale cuando Spider-Man necesita planear por un paisaje urbano. Se pueden replegar cuando no las necesita. Es algo que hemos visto en los cómics, pero nunca en el cine". Otro nuevo avance del traje de Spider-Man son sus ojos. Como aclara Feige "los nuevos ojos del traje aportan algo que ha estado en todos los números publicados de Spider-Man, pero que nunca se había podido hacer antes en el cine, que es crear movimiento en los ojos. Tony ha conseguido construir una máscara con una forma para los ojos que les permite abrirse y cerrarse y hacerse más amplios, lo que en nuestra historia permite a Peter Parker centrar su sentido arácnido mientras absorbe enormes cantidades de información. Pero también nos proporcionarán por primera vez la capacidad de ver las emociones expresadas mientras Peter lleva el traje, que en los cómics es algo que el dibujante hacía siempre. En los cómics, si Peter estaba enfadado, sus ojos se hacían un poco más pequeños; si estaba sorprendido, los ojos se hacían un poco más grandes. Eso no se puede en una película a menos que haya una razón y una explicación tecnológica de cómo es eso posible. Ahora ya contamos con eso".
En esta ocasión como villano encontramos a Buitre, uno de los malvados clásicos de Spider-Man, que realizó su primera aparición en "The Amazing Spider-Man nº2". Si en los cómics el Buitre solía dibujarse tradicionalmente con un traje muy caricaturesco que tenía alas como de pájaro que parecían casi de verdad ahora es más aterrador y con la presencia del actor Michael Keaton quien le aporta fuerza narrativa en este reboot donde encontramos a un juvenil, divertido y sin complejos Peter Parker interpretado por un acertado Tom Holland quien recoge el testigo de Tobey Maguire y de Andrew Garfield; y a un excelente Robert Downey Jr. quien sigue bordando su personaje de Tony Stark.
SPIDER-MAN: HOMECOMING con una narrativa de comedia agradable e ingenua se aleja de la visión de las películas de Sam Raimi. Aportando bajo la dirección de Jon Watts una realización equilibrada con escenas divertidas y de acción dinámica acertando con los códigos del cine para adolescentes conservando las incertidumbres y las vulnerabilidades de Peter Parker, acompañado de una buena banda sonora de Michael Giacchino.
SPIDER-MAN: HOMECOMING el trepamuros en su maraña emocional de juventud dentro del Universo Cinematográfico Marvel al encuentro de los Vengadores.

FICHA TÉCNICA
Spider-Man: Homecoming - Director: Jon Watts - Año: 2017 - Duración: 133 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Tom Holland, Robert Downey Jr., Michael Keaton, Marisa Tomei, Jacob Batalon, Zendaya, Jon Favreau, Tony Revolori, Laura Harrier, Angourie Rice, Kenneth Choi, Michael Barbieri, Logan Marshall-Green, Donald Glover, Tyne Daly, Martin Starr, Hannibal Buress, Abraham Attah, Michael Mando, Bokeem Woodbine, Jona Xiao, Chris Evans, Gwyneth Paltrow, Tiffany Espensen, Garcelle Beauvais - Guion: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Christopher Ford, Chris McKenna, Jon Watts, Erik Sommers (Personajes: Steve Ditko, Stan Lee) - Música: Michael Giacchino - Fotografía: Salvatore Totino - Producción: Kevin Feige y Amy Pascal - Productores ejecutivos: Louis D’Esposito, Victoria Alonso, Patricia Whitcher, Jeremy Latcham, Stan Lee, Avi Arad y Matt Tolmach - Supervisor de efectos visuales: Janek Sirrs - Vestuario: Louise Frogley - Estreno en España: 28 de julio 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

Desde sus orígenes, cuando Jeffrey Patrick Kinney, más conocido como Jeff Kinney, nacido en 1971 en Maryland, Estados Unidos, inició la colección de tiras cómicas on-line hasta que en el 2007 se empezaron a publicar las historias de Greg en formato libro, que estuvo durante casi tres años en la lista de best sellers infantiles del periódico The New York Times y que se ha traducido a 33 idiomas, esta mirada irónica a los años más difíciles de la escuela irrumpió en el ámbito de la cultura pop enganchando a lectores de muy diversa edad y condición y así ha continuado en el lanzamiento de cada nuevo libro de la colección, narrando las situaciones vividas por el niño protagonista Greg Heffley.  Historias que han calado en la nostalgia de los adultos y en el interés de los preadolescentes de la misma manera, como si de relatos atemporales se tratase. Quizás porque Greg Heffley no es un personaje típico, pero es verosímil. Greg es una mezcla de los peores instintos de los chavales y de sus decisiones. Greg es grandilocuente, egoísta y perezoso, pero es simpático. Un chico creíble y alejado de la perfección que está en la etapa escolar donde el día a día está regido por la clasificación social y todo el mundo está tipificado (pijos, atletas, modernos, empollones, ...), en algunas ocasiones el primer tropezón en la experiencia de hacerse adulto, como comenta la productora Nina Jacobson "en la escuela intermedia estás dejando atrás la ternura y la despreocupación de la infancia, pero todavía estás lejos de tener la edad de conducir. No eres ni mono ni moderno; simplemente estás atrapado en medio". Y es precisamente ese sentimiento de estar en medio transmitido por la personal voz del héroe protagonista, resumida en su frase más emblemática: "Estoy atrapado en la escuela con una pandilla de tarados", asociada al dibujo de Kinney que representa a Greg sentado entre dos compañeros de clase, donde se manifiestan las premisas de subversión, osadía, honestidad, irreverencia e ironía que ofrece la serie de novelas gráficas "Diario de Greg" y su versión cinematográfica.
Aunque el término "wimpy" (cobardica) se ha hecho popular por el título anglosajón de libros y película, se puede llegar a afirmar que el concepto "en medio", o expresiones equivalentes, tiene una importancia similar para Greg Heffley. Greg está atrapado en la misma pesadilla que todo chico de su edad, la escuela intermedia, y en el entorno familiar, ocupa el lugar intermedio entre su insolente hermano mayor Rodrick y su hermano pequeño Manny, que, con tres años, aún no sabe ir solo al baño.
La primera película de la saga DIARIO DE GREG llegó a la gran pantalla en el año 2010 basada en la primera novela de la colección Wimpy Kid donde las aventuras del fantasioso preadolescente Greg Heffley de un modo u otro tiene que sobrevivir al período más temible en la vida de cualquiera: el instituto. En esta primera historia Greg tiene que sobreponerse a las continuas humillaciones que sufre entre sexto y octavo grado: la escuela intermedia.
Para Greg Heffley, la escuela es el concepto más tonto jamás inventado. Se trata de un lugar invadido por cientos de campos de minas sociales, donde destacan, entre otras cosas, los tarados, los acosadores, los pendencieros, los matones, el destierro del almuerzo en la cafetería y un trozo de queso infectado de piojos atómicos. Para sobrevivir a esta interminable y traumática experiencia, así como obtener el reconocimiento y el estatus que tanto cree merecer, Greg se imagina una inagotable serie de planes que "no se puede perder", aunque todos, por supuesto, le salen mal. Y Greg va registrándolo todo sobre el papel, en un diario - "¡NO es un diario, es un periódico!" -, insiste Greg, repleto de sus opiniones, pensamientos, relatos sobre problemas y tribulaciones familiares, así como sobre sus (supuestas) victorias en el entorno del patio escolar. "El día que sea famoso", escribe Greg, "tendré mejores cosas que hacer que responder a las estúpidas preguntas de la gente durante todo el día". Así fue cómo nació el diario de un gallina, un "wimpy".
En esta primera aparición en la gran pantalla el actor Zachary Gordon, que ya había intervenido en títulos como "Imagine" y "La búsqueda 2", se mete en la piel de Greg transmitiendo su carisma y a la vez sus peculiaridades e imperfecciones al espectador con gracia y descaro en medio de los constantes embrollos, maquinaciones y actuaciones del chico "wimpy". En esta entrega inicial se notaba el dinámico estilo visual de Thor Freudenthal, que proviene del mundo de la animación, algo que ya quedó patente en su realización de la comedia "Hotel para perros" manteniéndose fiel a los libros de Kinney en la estética, que muestra una ambientación moderna y sin embargo atemporal dando más protagonismo a los secundarios involucrados en las aventuras de Greg en la escuela y en casa, algo que no sucede en los libros. Para Kinney "es realmente divertido ver que los personajes secundarios, con pocas líneas de diálogo en los libros, se convierten en personas de verdad en la película. Los personajes tenían que ser más profundos que unos simples garabatos en una hoja". DIARIO DE GREG entre la acción real y animación digital nos ofrecía una refrescante, ligera y divertida comedia juvenil para toda la familia.
En el año 2011, basado en el segundo libro de la colección y dirigido por David Bowers, se estrenaba DIARIO DE GREG 2: LA LEY DE RODRICK, donde siguen las aventuras y desventuras de Greg Heffley en su vida escolar, pero focalizando los guionistas del filme, Gabe Sachs y Jeff Judah, en el entorno familiar de Greg, especialmente en la relación que mantiene con su hermano mayor, Rodrick, que se convierte con sus bromas y gamberradas en su peor pesadilla, plasmando la película los problemas del adolescente que quiere hacerse un sitio en la vida, que tendrá que superar los obstáculos propios de su generación y que tiene sus primeros acercamientos al amor, todo ello reflejado en el diario, que un día decidió comenzar a escribir a proposición de su madre.
La ley de Rodrick se basa en unas pocas normas: por la primera, Rodrick se constituye como modelo perfecto para su hermano pequeño, a pesar de las pesadas bromas que continuamente le gasta; otra norma es que Rodrick tiene unas reglas que considera fundamentales para hacer la vida más fácil y debe enseñárselas a Greg. La ley de Rodrick –la sofisticada lección que enseña a su hermano pequeño– incluye perlas de sabiduría tales como: No seas bueno en nada que no quieras hacer; rebaja siempre las expectativas de mamá y papá, y nunca hagas algo cuando alguien lo puede hacer por ti.
Pero el verdadero interés de Rodrick es su banda de rock, Löded Diper, donde es batería. Los miembros de la banda no son especialmente brillantes o innovadores, pero son muy entusiastas, y Rodrick el que más. Rodrick pasa más tiempo practicando sus piruetas con las baquetas y pendiente de su imagen que tocando la batería. La banda al completo pasa más tiempo pensando cómo se vestirán para actuar que creando buena música.
Jeff Kinney, que escribió la letra del tema estrella de la banda, "Exploded Diper", dice que "Rodrick cree que la banda será su billete para alcanzar la fama. Ha depositado todos sus sueños en un gran programa de búsqueda de talentos de la localidad. La banda es la gran pasión de Rodrick y lo que más le importa sobre todas las cosas".
En 2012 aterrizaba en las salas de cine DIARIO DE GREG 3: DÍAS DE PERROS con David Bowers de nuevo tras las cámaras, adaptación de la tercera y cuarta novelas de la colección: The Last Straw y Dog Days. Como nos aclara Jeff Kinney las adaptaciones cinematográficas no son estrictamente una copia de los libros, "es algo parecido a ir a un concierto de tu banda favorita. Realmente no lo disfrutarías del todo si la banda simplemente se limitara a tocar los temas de su último álbum, en el mismo orden; en ese caso, ¿por qué no te quedas en casa y escuchas el disco? Por lo tanto, la banda intenta mezclar un poco los temas y tocar alguna canción nueva, quizás una versión de un tema de otro artista. Con las adaptaciones cinematográficas seguimos esa misma pauta: intentamos ofrecer a los fans lo suficiente como para cumplir sus expectativas, pero también añadimos nuevos elementos que les puedan sorprender". En esta ocasión nos encontramos con las aventuras veraniegas de Greg Heffley desde los cómodos confines de su salón, donde todo lo que quiere hacer Greg es entretenerse con los videojuegos; el pánico acuático que se desata en la piscina municipal local; los sofisticados y relajados lujos de un fastuoso club de campo; y hasta una silvestre excursión, con acampada incluida, fuera del familiar confort de la zona residencial. También podemos ver a su autor Jeff Kinney, que ya apareció como extra en las dos primeras películas, y en esta entrega hace un cameo en la secuencia de una fiesta de cumpleaños.
La cuarta entrega llega en el año 2017 con el filme DIARIO DE GREG: CARRETERA Y MANTA dirigido una vez más por David Bowers y basado en el noveno libro de la colección del escritor Kinney, quien aclara sobre esta creación literaria "cuando escribí Carretera y manta lo abordé de una manera diferente. Ya había visto cómo era el proceso de realización de un filme, y entonces pensé 'Voy a escribir un libro con el específico propósito de que se convierta en película'. Aquí tenemos a los Heffley fuera de su hogar, de su barrio y en la carretera. Y creo que eso va a resultar muy divertido para el público". En esta entrega la familia Heffley es interpretada por nuevos actores, en el papel de Greg Heffley encontramos a Jason Drucker quien es acompañado por Tom Everett Scott (That Thing You Do) y Alicia Silverstone (Fuera de onda) que interpretan a sus padres Frank y Susan; Charlie Wright es Rodrick; los hermanos Dylan y Wyatt Walters encarnan a Manny, y Owen Asztalos se mete en la piel de Rowley. Un buen grupo de actores que nos llevan a una aventura en la carretera. La narración comienza cuando Greg y Rodrick se topan en la piscina del hotel con los cinco miembros de una familia que les perseguirá durante todo el viaje. "Los Barbudos", como Greg los llama debido a la desaliñada barba del padre, quienes no quieren compartir el jacuzzi y, por lo tanto, chocan inmediatamente con los chicos Heffley, de manera que comienza la batalla con los apodados los barbudos y sus miembros que conducen una furgoneta Volkswagen y les gusta robar equipaje. Junto a todo esto encontramos un cerdito de feria adicto al chupete, unas gaviotas que adoran los ganchitos de queso y una abducción alienígena.
En CARRETERA Y MANTA, Greg trama su último plan para dejar de ser tristemente célebre y por fin obtiene la fama que cree merecer. Sufriendo un brutal golpe a su ego cuando las imágenes de un desafortunado incidente con un pañal se hacen virales, Greg decide tomar cartas en el asunto para restablecer su reputación. Por supuesto, la manera más obvia es hacer un vídeo viral aún más guay con la ayuda del fenómeno de YouTube, Mac Digby, cuya respuesta automática a vuelta de correo electrónico, invitándole a reunirse con él en la Feria de Videojuegos, estimula la imaginación de Greg y le enfrenta a otra caótica aventura, representada en maravillosas ilustraciones animadas. Preparado para disfrutar de un agradable y largo verano, Greg solamente está deseando pasar el rato, pero su madre quiere concentrarse más en la familia y alejar a sus miembros de tanto dispositivo electrónico, por lo tanto, decide que todos necesitan hacer un viaje e ir a celebrar el cumpleaños de la bisabuela. A pesar de la desaprobación de todos, excepto del pequeño Manny, Susan obliga a la familia a meter sus maletas en el monovolumen, llevando a remolque la vieja lancha de Frank, y ponerse en marcha.
DIARIO DE GREG: CARRETERA Y MANTA nos sumerge en el largo camino en la carretera de la familia Heffley. Entre problemas constantes y desastrosas consecuencias los Heffley descubren finalmente que en realidad poseen un vínculo y un espíritu inquebrantables que pueden ayudarles a superar cualquier obstáculo, incluyendo los vídeos virales y memes más embarazosos.
En esta ocasión y a pesar del ambiente veraniego y vacacional los gags y situaciones que contrastan el mundo de los niños con el de los adultos no tienen chispa, han perdido el ingenio del personaje, como si el aire fresco del campo hubiera disipado toda sorpresa narrativa.
DIARIO DE GREG: CARRETERA Y MANTA resulta infantil y tópica. Formando parte de una saga que del instituto y sus problemas nos lleva al entorno familiar, una aburrida acampada y un viaje en la carretera repleta de clichés y simplificación excesiva.
DIARIO DE GREG: CARRETERA Y MANTA gaviotas, cerditos, el señor Barbudo y el plan de Greg de acudir a una Convención de Videojuegos.

FICHA TÉCNICA
Diario de Greg: Carretera y manta - Título original: Diary of a Wimpy Kid: The long haul) - Dirección:  David Bowers - Año: 2017 - Duración: 90 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Jason Drucker, Alicia Silverstone, Tom Everett Scott, Juan Gaspard, Charlie Wright, Joshua Hoover, Alexa Blair Robertson, Owen Asztalos, Courtney Lauren Cummings, Chris Coppola, Carlos Guerrero, Ryan Newton, Maiya Boyd, Sydney Shea Barker - Guion: Adam Sztykiel (Libro: Jeff Kinney) - Música: Ed Shearmur - Fotografía: Anthony B. Richmond - Montaje: Troy Takaki - Estreno en España: 28 de julio 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © María José S. Bermejo

Metáfora dantesca sobre los miedos de la sociedad actual, atrincherada en su bienestar y a la vez tremendamente insegura ante las amenazas exteriores configurando un argumento minimalista atosigante en un filme de terror psicológico del que Trey Edwart Shults saca el mayor potencial en su segundo largometraje, LLEGA DE NOCHE, inquietante y distópico, que vuelve a introducir al espectador en un clímax familiar cerrado e intrusivo como lo hiciese en 2015 en su debut tras las cámaras con KRISHA, donde manejaba con maestría visual de estilo informal y sobrio una tirantez desgranada en zarpazos de suspense que hacían saltar por los aires una imagen tan tradicional como el Día de Acción de Gracias.
KRISHA narraba la historia del regreso de una mujer con su familia a Houston, años después de ser abandonada. Ambientada en una turbulenta cena de Acción de Gracias, Shults dio los papeles clave a miembros de su familia, haciendo de una cinta casera una inesperada película de terror psicológico con matices de tragedia griega, examinando las dimensiones de una personalidad que se hunde, balanceándose entre el humor oscuro y patetismo profundo, hasta el momento álgido de la pérdida de control del protagonista. Como Shults explica "Krisha estaba influenciada visualmente por las películas de terror, pero más que una película de terror con un aspecto emocional, "Llega de noche", es una historia sobre temas graves: la muerte, el miedo y el arrepentimiento. "Llega de noche" no es menos personal en su faceta doméstica, pero se atreve a salir fuera del hogar y construye una tensión que aumenta tras la llegada disruptiva de otra familia, que busca refugiarse del cataclismo exterior".
LLEGA DE NOCHE, que aterriza en la gran pantalla en 2017, con un ritmo que va dando, desde la austeridad, gota a gota, el escalofrío de la intriga que recorre la nuca mientras mantiene la atención, no permite al espectador bajar la mirada al verdadero miedo, el más profundo del ser humano, en visión panorámica, aunque por momentos sienta una cierta incomodidad.
Un relato de tensión desesperada sobre la supervivencia donde Trey Edwart Shults también se encarga del guion ofreciendo una provocadora y eficaz revulsiva historia que aterra por su reflejo con los comportamientos humanos cuando la subyugación, la impotencia y la indefensión de lo que más quieres se produce, sin asumir los típicos malvados. Más bien tirando del talento en un drama maravillosamente cosido que plantea un chispeante acicate al terror de efectos especiales.
Se representa fuera de los convencionalismos del género en un terror silencioso de thriller psicológico donde el acierto se centra en un buen estudio de registros correctamente interpretados por Joel Edgerton ("Loving", "El Gran Gatsby"), Christopher Abbott ("James White", "Girls"), Riley Keough ("American Honey", "The Girlfriend Experience"), Carmen Ejogo ("Selma") y Kelvin Harrison Jr. ("El nacimiento de una nación"), arropados por una fotografía que se pega como un guante a los personajes, que cuanto más expansivo es el colapso el sufrimiento se multiplica en un espeluznante ambiente familiar disfuncional.
LLEGA DE NOCHE captura como un adolescente se enfrenta a horrores cada vez peores, externos e internos, tras un cataclismo innombrable. Una plaga desconocida ha perturbado la vida en EE.UU. a escala inimaginable. Confinados en una casa en el campo desde el comienzo de la historia, los miembros de una familia acaban con la vida de una persona mayor, afectada por la misteriosa enfermedad. Este asesinato caritativo traumatiza profundamente al hijo adolescente de la familia, Travis, pero a pesar de ello hace todo lo posible para sobrellevar esta realidad. Travis (Kelvin Harrison, Jr.) tiene 17 años y vive en esa casa tan segura como desoladora, con sus protectores padres Paul (Joel Edgerton) y Sarah (Carmen Ejogo), siempre armados y vigilantes.
Travis se debate entre el suplicio y la alucinación, cuando una joven pareja desesperada, Will (Christopher Abbott) y Kim (Riley Keough), irrumpe con su hijo en busca de refugio. Las familias empiezan a convivir, y aunque ambas parecen tener buenas intenciones, el pavor y la desconfianza crecen según el horror del mundo exterior se adentra en su hogar. Una amenaza en absoluto comparable a la que crece en el interior, donde un padre es capaz de renunciar a su alma por proteger a su familia.
En un estallido de suspense, continuando con el método de su perturbadora primera cinta, Shults expone en LLEGA DE NOCHE el trastorno que sobreviene a una familia cuando aparece una fuerza intrusiva, en este caso otra familia y la pugna de Travis por negociar la delgada línea que separa la seguridad de su casa, con la locura caótica del mundo exterior, donde la muerte llega en cualquier momento.
Tras un violento intento de invasión, en la que el patriarca vigilante se topa con un joven que merodea en busca de agua, la familia poco a poco se abre al intruso, a su esposa y a su hijo. Dos familias diferentes: una de clase media, raza mixta, suburbana, multi generacional y profundamente arraigada a su hogar rural, y otra de clase obrera, liberal, itinerante y que huyen del desconcierto en Nueva York. La joven pareja de Brooklyn contrasta con los padres del adolescente, ya que se muestran abiertamente cariñosos con su hijo pequeño. Un encuentro a medianoche entre Travis y uno de los recién llegados, amenaza con destruir la frágil nueva armonía.
LLEGA DE NOCHE ahonda en los horrores que ya están en nosotros, ya provengan de nuestros padres u otros miembros de la familia, o existan a través del trance que supone la adolescencia. Como Shults comenta "Travis está intentando encontrar su lugar en el mundo. Está descubriendo el tipo de persona que quiere ser, pero también sirve de aprendizaje sobre cómo perder la humanidad: el miedo y la incertidumbre pueden destruir a alguien desde dentro, y ese destino puede llegar a ser peor que la muerte. Las luchas de Travis, ya sean subjetivas o externas, se convierten en pesadillas en "Llega de noche".  Travis enfrenta a sus demonios y procesa el trauma de este mundo. Él está luchando contra su propio subconsciente desde el momento en que abre la puerta roja al final del pasillo y ve a su abuelo agonizando por la enfermedad. Al final, el viaje de Travis consiste en averiguar cómo gestionar lo que más le aterroriza: él mismo, su propia familia, y la muerte. Harrison sufre muchísimo en el papel de Travis, ya que ve a su abuelo morir al principio de la película, lucha luego contra el control opresivo de su padre, y se sumerge progresivamente en el engaño y la locura. El personaje de Travis es extremadamente tortuoso".
Por otro lado, eco de la propia sensación personal de Shults a raíz de la muerte de su padre, Paul experimenta una devastadora transformación en el transcurso de la película, pasando de ser la fuerza protectora a un cabeza de familia diluido. Su personaje refleja una crisis de poder, de masculinidad y de paternidad. Meticulosamente preparado, y casi cautelosamente maniático en sus esfuerzos por preservar la paz doméstica en medio de un caos inminente, vemos en varias ocasiones, al antiguo profesor de Historia de instituto dando clase a su único hijo. Paul emplea un tipo de amor duro que frecuentemente acaba en agresión cáustica, haciendo de este personaje una figura compleja con muchas capas engañosas: una bomba de relojería con buenas intenciones.
Paul, aclara Shults " es otra personalidad asediada que, como Krisha antes que él, llega a encarnar una grandeza trágica con motivo de sus fallidos métodos de crianza. Estuve dándole muchas vueltas a la cuestión de poner a la familia ante todo, desde antes de comenzar a escribir ambas películas. Uno de los subtextos de "Llega de noche" es el conflicto que surge cuando a alguien se le presiona para que siga los mismos pasos que sus padres. Otro subtexto es el fracaso de la paternidad, personificado en las luchas de Paul y Will para proteger a sus hijos. A base de fuerza bruta, Edgerton da vida a un personaje inolvidable que se esfuerza por ser un buen marido, padre y modelo para su hijo en unas circunstancias tremendamente difíciles. Cuando Travis comienza a cuestionar el poder de su padre, y la presencia de Will y Kim socava sutilmente su territorio, a Paul le corroe la paranoia".
Desde la febril ensoñación Shults indaga en las fuerzas que invaden y amenazan los delicados vínculos de las personas entroncadas en la exuberancia de un cine subjetivo con un toque surrealista tipo "El árbol de la vida" que se deja sentir en KRISHA tras la colaboración de Shults con Terrence Malick o una cierta tendencia al John Cassavetes tardío de "A Woman Under the Influence", mientras que la faceta apocalíptica de LLEGA DE NOCHE tiene sugerencias de varias obras del pintor renacentista Pieter Breughel, como "El Triunfo de la Muerte", que retrata la peste de 1562, cuadro que se aprecia al principio de la película como un presagio del delirio de Travis, casi única pista del exterior, ocultándose ciertos elementos distópicos de la historia al espectador aumentando la asfixia al arraigar la duda de que transcurre en el resto de la sociedad, dejando caer algún dato sobre las víctimas al llegar la familia de Will al hogar de Paul.
Para Shults los infiernos de Breughel, ya presentes en KRISHA, "son fascinantes. A día de hoy, las impresiones de Breughel siguen colgando en las paredes de mi dormitorio, y pesan mucho en mi visión cinematográfica. El trabajo de Breughel, con todo ese fuego, destrucción y cadáveres, siempre ha sido una gran inspiración para mí. Cuando me imaginaba la atmósfera de "Llega de noche", pensaba en la casa de mis abuelos, pero mi atracción por esos paisajes va más allá de lo literal. No sabemos qué hay por ahí, se ha extendido una especie de epidemia, pero el hecho de que todo vaya tan mal en el interior de la casa nos da una idea del horror que sucede en el resto del mundo. Creo que es inevitable que nos autodestruyamos, así que me interesa confinar a los personajes en un lugar y ver qué es lo que estalla entre ellos".
En KRISHA se usó como set de rodaje la casa de Houston de Shults, sin embargo para recrear el argumento de su segundo filme que sucede prácticamente en un solo hábitat, en el campo, en una serie de pasillos y habitaciones, se rodó en el Estado de Nueva York, en una zona amplia que integra la colonia del artista Byrdcliffe cerca de Woodstock, que aportaba suficientes cuartos de campesinos que con el tiempo se convierten en el centro de batalla para las dos familias que acaban sucumbiendo a su propio invisible apocalipsis.
Hábil y absorbente thriller psicológico sobre la angustiosa sensación intrusiva donde el terror LLEGA DE NOCHE.

FICHA TÉCNICA
Llega de noche - Título original: It Comes at Night - Director: Trey Edward Shults - Año: 2017 - Duración: 97 min. - País: Estados Unidos -  Género: Thriller psicológico, terror -  Guion: Trey Edward Shults - Música: Brian McOmber - Reparto: Joel Edgerton, Kelvin Harrison Jr., Christopher Abbott, Carmen Ejogo,  Riley Keough, Griffin Robert Faulkner - Fotografía: Drew Daniels - Productor: David Kaplan, Andrea Roa - Montaje: Matthew Hannam, Trey Edward Shults - Estreno en España: 7 de Julio 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo

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