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Escrito por: © María José S. Bermejo

En su anterior película LA CUMBRE ESCARLATA (2015) el director Guillermo del Toro nos trasladaba a un melodrama gótico protagonizado por Mia Wasikowska, Jessica Chastain, Tom Hiddleston y Charlie Hunnam rodeado de un decadente e impresionante escenario lleno de gran belleza gracias a su fotografía, decorados, vestuario y efectos donde el amor tiene el poder de convertirnos a todos en monstruos. En el año 2017 la mirada de Guillermo del Toro sigue explorando las emociones más primarias que el monstruo suscita al espectador como el miedo, el desamparo, el peligro, la curiosidad, el asombro o el deseo. En LA FORMA DEL AGUA la narración se desarrolla en la socialmente dividida América de los años 60 del siglo XX al borde de la guerra nuclear y de experimentar radicales cambios culturales. Un paisaje donde una solitaria mujer, de traumático pasado, descubre un amor tan abrumador que desafía la desconfianza, el miedo y la biología. Un filme donde el agua, como afirma Guillermo del Toro, "adopta la forma de lo que sea que la contenga en ese momento, y aunque el agua puede ser algo muy apacible, también es la fuerza más poderosa y maleable del universo. Así es también el amor, ¿verdad? Independientemente de la forma que tenga aquello en lo que depositamos nuestro amor, éste se adapta, ya sea a un hombre, a una mujer o a una criatura".
De entre todos los monstruos clásicos de Universal Studios destaca el humanoide anfibio GILL-MAN, el último de su prehistórica especie, quien protagonizaba el filme LA MUJER Y EL MONSTRUO (1954), dirigido por Jack Arnold. una historia de terror de serie B donde una expedición científica de exploración en el Amazonas se encuentra con un ser monstruoso que conseguía conmover a los espectadores incluso cuando les asustaba. Un filme con una acertada atmósfera y ambientación para conseguir un clásico del género que Del Toro recuerda para subvertir el concepto de monstruosidad con un contexto de amor completamente entregado a hacer que el protagonismo recaiga en la criatura y que los seres humanos alineados contra ella sean las verdaderas fuerzas de la siniestra oscuridad. Para ello decidió asimismo aportar a esta película de monstruos un nivel diferente: el sensual. Quería una cualidad terrenal para contrarrestar el cuento de hadas y llevar la historia hasta el límite de una reconocible realidad adulta.
Una narración ubicada en una época que al paso del tiempo se ensalza, como señala Del Toro, "sin recordar sus injusticias y el atrofiante miedo a lo diferente del ser humano. En mi opinión, fue en ese momento cuando Estados Unidos se estancó; es una época de racismo, de desigualdad, de gente que cree estar al borde de la guerra nuclear. A los pocos meses, Kennedy sería asesinado. De manera que, en cierto modo, es una época horrible para el amor. Sin embargo, el amor surge". En unos años donde los impulsos futuristas de los años 60 en Estados Unidos se contraponen con una criatura primitiva; recordando las palabras del poeta alemán Rainer Maria Rilke, "donde algo pasado regresa como si procediera del futuro".
Siendo precisamente de interés para Del Toro, como afirma, "que 1962 era un momento en el que todo el mundo estaba centrado en el futuro, mientras que la criatura es una antigua forma del pasado más lejano. Los humanos están obsesionados con lo nuevo, con los jingles publicitarios, con la luna, la ropa moderna, la televisión, etc. Y mientras tanto, esta arcaica fuerza, una criatura enamorada, se halla entre ellos".
En LA FORMA DEL AGUA conocemos a Elisa, encarnada por Sally Hawkins, una joven muda que trabaja como conserje en un oculto laboratorio gubernamental de alta seguridad en 1963, en plena Guerra Fría. Se halla atrapada en una vida regida por el aislamiento. La vida de Elisa cambia para siempre cuando, junto con su compañera Zelda, interpretada por Octavia Spencer, encuentra un experimento clasificado como secreto descubriendo a un hombre anfibio, interpretado por Doug Jones, que está recluido.
Fábula y realidad en un cuento de hadas donde su protagonista, Elisa, inicia un viaje desde la soledad y la impotencia hasta su transformación en heroína asumiendo sus enormes riesgos, conformando el eje central de LA FORMA DEL AGUA, hecho aún más extraordinario puesto que el papel prácticamente no requiere palabras. Tras quedarse muda debido a un trauma infantil, Elisa se comunica mediante la lengua de signos americana (en inglés, American Sign Language, ASL), sin embargo, sí que es capaz de expresarse efusivamente cuando se encuentra con la extraña criatura acuática retenida en el laboratorio gubernamental donde está empleada
Una historia de amor donde el actor Doug Jones se sitúa en la frontera entre lo humano, lo animal y el mito. Un actor que ya fue el inolvidable Hombre Pálido del filme EL LABERINTO DEL FAUNO o el humanoide anfibio Abe Sapien de la saga HELLBOY. Como recuerda Del Toro, "es uno de los pocos actores que interpreta a monstruos siendo al mismo tiempo un veterano y consumado actor dramático. A menudo estas dos cualidades van por separado, pero Doug posee ambas. Jones es un actor fantástico con o sin maquillaje. Si no tienes a un actor dentro del disfraz de monstruo, no tienes una película; y Doug no es un operario que acciona una marioneta, es un actor. Pienso en momentos tales como cuando entra en la sala de cine y tú te das cuenta de que la criatura nunca antes ha visto una película. Esos son momentos de actor. También recuerdo que con anterioridad a que Richard Jenkins hiciera la escena del baño, donde va a conocer a la criatura, Richard estaba preocupado por tener que interpretar junto a alguien que estaba disfrazado de monstruo. Más tarde, Richard se acercó a mí y me dijo ‘en el momento en que dijiste "acción", me encontré delante de un antiguo dios del agua’. Richard sintió todo el dolor y toda la confusión de la criatura en Doug".
LA FORMA DEL AGUA destaca por su atmósfera que sumerge la acción en las profundidades de la historia gracias a la fotografía creativa de Dan Laustsen, que aporta una conjunción escénica primordial con Del Toro, quien explica "al hacerse el diseño final de la criatura con luz, si no hubiese tenido un director de fotografía que entendiera eso, no habría funcionado. Dan también entiende que no se trata sólo de los tipos de luz utilizados (principal, relleno, a contraluz, etc.) No es algo técnico, sino emocional. Creo que todos los grandes cinematógrafos son emocionales. Un gran cinematógrafo es como un director de orquesta: transmite la emoción con la luz en vez de con las notas musicales".
Sensaciones a flor de piel en LA FORMA DEL AGUA donde, entre las diferentes escenas, se desarrolla una de las secuencias más inusuales representando un número de canciones y bailes de estilo la Edad de oro de Hollywood. Un momento reservado en el que la emotividad va más allá de los límites establecidos. Como señala Del Toro "la criatura sólo sabe unas seis palabras y Elisa quiere decirle 'nunca sabrás cuánto te quiero', así que ella se pregunta cómo podría decírselo. Ahí es cuando empieza a cantar. Yo sabía que sería una gran escena para una película de estas dimensiones y que tendríamos que utilizar los recursos con mucho cuidado". Unos recursos que en lugar de emular a los musicales de MGM más estáticos de los años 40, Del Toro desarrolla el estilo más enérgico y fluido de Stanley Donen, famoso por su caballerosa simbiosis con Gene Kelly en películas como CANTANDO BAJO LA LLUVIA y SIEMPRE HACE BUEN TIEMPO. Un proceso llevado a cabo siguiendo el trabajo de Donen con las plataformas para cámaras que inspiró a Del Toro, quien afirma "pensé que podía mezclar la estética de un musical clásico en blanco y negro con esas plataformas. Es una combinación de los dos estilos, y llega en un momento de la historia de la película en el que todo es tan terrible, que rompe esa energía negativa y hace que todo vuelva a fluir durante la última parte de la película". Una sorprendente escena rodada en color y con una iluminación vintage, procesada más adelante en un blanco y negro como detenido en el tiempo.
LA FORMA DEL AGUA desarrolla una emocional y sensible fábula en el mundo mágico y fantástico de Guillermo del Toro quien construye un filme seductor entre la bella y la bestia acompañado de la banda sonora elaborada por el compositor Alexandre Desplat quien acomete una temática distinta para cada uno de los personajes principales en un proceso de ida y vuelta.
LA FORMA DEL AGUA resulta una arrebatadora narración que explora la idea del amor y sus barreras internas y externas. Una historia de esperanza y redención, como expresa Del Toro, "una especie de antídoto contra el cinismo de nuestros días. Quería que la historia tuviera la forma de un cuento de hadas en el que tenemos a un humilde ser humano que tropieza con algo más grandioso y transcendental que cualquier otra cosa de su vida. Y entonces pensé que sería una gran idea yuxtaponer ese amor con algo tan banal y nocivo como el odio entre naciones, que eso es la Guerra Fría, y el odio entre personas por razones de raza, color, capacidad y género. Me gusta hacer películas que sean liberadoras, que digan que está bien ser quien eres, y parece que en este momento concreto esto resulta muy pertinente".
LA FORMA DEL AGUA romanticismo acuático.

FICHA TÉCNICA
La forma del agua - Título original: The Shape of Water - Dirección: Guillermo del Toro - Año: 2017 - Duración: 119 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever, Maxine Grossman, Amanda Smith, Cyndy Day, Dave Reachill - Guion: Guillermo del Toro y Vanessa Taylor - Música: Alexandre Desplat - Fotografía: Dan Laustsen - Diseñador de producción: Paul Denham Austerberry - Montador: Sidney Wolinsky - Efectos especiales: Dennis Berardi - Vestuario: Luis Sequeira - Estreno en España: 16 de febrero 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

Entre el universo de los cómics Marvel destaca PANTERA NEGRA (Black Panther), el primer superhéroe negro descendiente de una larga estirpe guerrera proveniente de Wakanda, ficticio Estado africano definido por su tecnología avanzada. Unas aventuras en viñetas que comenzaron en el mes de julio del año 1966 en el número 52 de LOS 4 FANTÁSTICOS creado por el guionista Stan Lee y el dibujante Jack Kirby, quienes se adelantaron por unos pocos meses al nacimiento del famoso partido de los Panteras Negras, organización nacionalista y socialista negra que luchó contra la segregación racial.
Tras PANTERA NEGRA llegaron otros superhéroes afroamericanos como FALCON (1969), LUKE CAGE (1972), GREEN LANTERN JOHN STEWART (1971) o BLACK LIGHTNING (1977). Unos personajes capaces de lograr lo imposible en sus aventuras de papel. Unas narraciones que llegan a la gran pantalla con la aparición de PANTERA NEGRA en el universo Marvel en la película CAPITÁN AMERICA: CIVIL WAR (2016) donde se enfrentan los VENGADORES unos con otros. Un superhéroe que se une en el año 2018 al catálogo Marvel en celuloide con su película BLACK PANTHER dirigida por Ryan Coogler y protagonizada por Chadwick Boseman, quien retoma el papel de T'Challa/Black Panther, un ser, como explica Boseman, "inteligente. Es un estratega y eso siempre me ha llamado poderosamente la atención, incluso en los cómics. Es un líder mundial y eso conlleva la responsabilidad de regir los destinos de toda una nación y situarla en el mundo. Es una tarea que no suelen asumir otros Superhéroes, pero además debe mantener su legado. Es una combinación muy interesante".
BLACK PANTHER cuenta la historia de T'Challa quien, después de la muerte de su padre, el Rey de Wakanda, regresa a casa, a la nación africana tecnológicamente avanzada y aislada, para acceder al trono y ocupar el lugar que le corresponde como rey. Pero cuando reaparece un viejo y poderoso enemigo, el temple de T'Challa como rey y como Black Panther, se somete a una durísima prueba al verse inmerso en un conflicto que pone en peligro el destino de Wakanda y del mundo entero. Ante la traición y el peligro, el joven rey debe reunir a sus aliados y liberar todo el poder de Black Panther para derrotar a sus enemigos y garantizar la seguridad de su gente y su forma de vida.
En el universo del Príncipe T'Challa encontramos otros enigmáticos personajes como KILLMONGER, interpretado por Michael B. Jordán, un nuevo enemigo de Wakanda que aspira a hacerse con el trono. Gracias a sus habilidades tácticas letales y a su conocimiento de Wakanda, es un villano extraordinariamente temible; NAKIA, protagonizada por Lupita Nyong'o, un Perro de Guerra, una espía wakandiana que suele trabajar de incógnito en países fuera de Wakanda para observar e informar al Rey. Debe decidir entre su lealtad con su nación o sus sentimientos hacia T'Challa; EVERETT K. ROSS, interpretado por Martin Freeman, un agente de la CIA que fue visto por última vez interrogando a Zemo. No tarda en descubrir que está tras la pista del mismo malvado que resurgió hace poco del pasado de T'Challa. Ross se adentra en el deslumbrante mundo de Wakanda y se alía con T'Challa para luchar contra las fuerzas internacionales que amenazan con destruir Wakanda; M'BAKU, encarnado por Winston Duke, el extraordinario líder de la tribu Jabari, un grupo de wakandianos que han rechazado el uso del vibranium y viven apartados del estilo de vida de Wakanda. A raíz de la muerte de T'Chaka, M'Baku tendrá que decidir si desafía a T'Challa para apoderarse del trono con el fin de que Wakanda recupere sus políticas aislacionistas; o ULYSSES KLAUE, interpretado por Andy Serkis, un traficante de armas ilegal, contrabandista y gánster que opera desde Sudáfrica, a quien conocimos en VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN (2015). Klaue busca ahora el vibranium de Wakanda y está en el punto de mira de Black Panther.
Nuevos personajes para el universo Marvel en la gran pantalla que amplía su mirada fantástica mejorando su fórmula narrativa y visual anteriores en esta primera entrega de BLACK PANTHER. Una apuesta cinematográfica que sigue los caminos creados por los cómics en una propuesta entretenida y repleta de acción. Un género de superhéroes que funciona mejor, como afirma Ryan Coogler, "acompañado de subgéneros. Y realmente Marvel lo está enfocando así. Planteándolo como un lienzo en el que puedes hacer subgéneros y que funcionen escondiendo los atributos superheroicos. Y esa fue nuestra primera conversación cuando me reuní por primera vez con ellos para hablar. Porque me interesaba mucho saber cómo funcionan como compañía. Y lo que hacen es que intentan ser fieles a los personajes que adaptan y encontrar un subgénero para ellos".
En BLACK PANTHER nos encontramos con la recreación de la ficticia Wakanda donde las influencias espirituales, místicas y tecnológicas de la cultura del país se apoyan en personajes identificables. Un hábitat en una narración que como explica Ryan Coogler "la idea de hacer realidad una historia y unos personajes como estos, al tiempo que se abordan algunos de los problemas humanos que hacen que Black Panther sea un tipo normal, fue tremendamente emocionante. Lo que más deseo es compartir la historia de Black Panther con el público y comprobar el impacto que les produce. Y especialmente, ver cómo impacta en los niños pequeños, como él que yo era cuando conocí el personaje en los cómics".
Una búsqueda de los orígenes que Ryan Coogler explora en el significado, como señala, de "ser africano. A los afroamericanos nos cortaron nuestra historia y nuestra conexión con África. La identidad entre fronteras es algo muy frágil y esa idea me interesaba mucho. Estuve en África por primera vez gracias a esta película después de haber soñado ese viaje toda mi vida. Por eso es una película tan personal para mí. Black Panther me ha permitido conectar con el continente africano y sentir por primera vez una sensación de pertenencia con mi herencia africana. Aunque todavía no sé de dónde vienen mis raíces específicamente, sentí que tengo mucho en común con aquel continente".
BLACK PANTHER la posibilidad de descubrir escenarios tan míticos como Wakanda en la gran pantalla, 8 nuevos personajes que se unen al Universo Cinematográfico de Marvel y el poderoso Vibranium, un metal capaz de absorber las vibraciones sónicas y con el que se pueden fabricar armas. Una Pantera Negra a la caza de los superhéroes.

FICHA TÉCNICA
Black Panther - Dirección: Ryan Coogler- - Año: 2018 - Duración: 134 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Chadwick Boseman, Lupita Nyong'o, Michael B. Jordan, Andy Serkis, Angela Bassett, Forest Whitaker, Danai Gurira, Winston Duke, Daniel Kaluuya, Florence Kasumba, Letitia Wright, Stan Lee, Sterling K. Brown, Martin Freeman, Phylicia Rashad, Sydelle Noel, John Kani - Guion: Joe Robert Cole, Ryan Coogler (Cómic: Jack Kirby, Stan Lee) - Música: Ludwig Göransson - Fotografía: Rachel Morrison - Diseñadora de producción: Hannah Beachler - Montador: Michael P. Shawver y Debbie Berman - Vestuario: Ruth E. Carter - Diseñador de maquillaje: Joel Harlow - Supervisor de efectos especiales Dan Sudik - Estreno en España: 16 de febrero 2018.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

La prehistoria con sus hombres de las cavernas es el lugar elegido por el director Nick Park para realizar CAVERNÍCOLA (2018), su primer largometraje en solitario. Atrás quedan sus recordados cortometrajes de Wallace & Gromit emitidos en la BBC o su codirección de las películas CHICKEN RUN: EVASIÓN EN LA GRANJA (2000) con Peter Lord, y WALLACE & GROMIT: LA MALDICIÓN DE LAS VERDURAS (2005), con Steve Box. Un salto en la dirección que como recuerda Park "simplemente quería intentarlo de verdad. Siempre les estaré agradecido a Peter y a Steve, y disfruté dirigiendo con ellos. Es sólo que quería llevar más las riendas. Al trabajar en un largometraje tienes más en que pensar - son palabras mayores, tienes un punto de vista más amplio, un equipo más numeroso. Para mí, significa además implicarte en el diseño de cada personaje de manera que todos parezcan hechos de la misma pasta".
La productora Aardman Animations continúa con su magnífica propuesta visual de animación en stop motion o movimiento en pausa en CAVERNÍCOLA, donde, tras los entrañables Wallace y Gromit o la entrañable oveja Shaun, el británico Nick Park retrocede unos cuantos miles de años para ofrecernos una fantástica y simpática comedia repleta de humor y una sorprendente versión prehistórica de la mítica película EVASIÓN O VICTORIA (1981) dirigida por John Huston.
En CAVERNÍCOLA nos encontramos, entre otros personajes, con DUG, un cavernícola de la Edad de Piedra, imaginativo, ingenuo (pero no tonto), optimista, noble, humilde y con una capacidad de adaptación que le permite vivir el choque de civilizaciones y redescubrir un nuevo mundo, la Edad de Bronce, junto con su inseparable mascota Cerdog; VAL, una aparente chica normal de la Edad de Bronce con un puesto de sartenes y ollas en el mercado, con una gran empeño para soñar y luchar por lo que se propone y conseguir sacar lo mejor de los demás y motivarlos. Capaz de empatizar con Dug y con su causa. Y sin dudarlo se entrega por completo para ayudarles, y Lord NOOTH, el gobernador de la Edad de Bronce, hijo de Ofifa, madre a la que no soporta. Un ser exagerado, pomposo, altivo, presumido, astuto y perspicaz. En definitiva, un showman de la Edad de Bronce.
Ambientada en tiempos prehistóricos, CAVERNÍCOLA cuenta la historia del valeroso héroe Dug, un hombre de las cavernas que vive en un próspero valle junto con su mejor amigo y compinche el jabalí Cerdog, y otros excéntricos y adorables miembros de la tribu, comandados por Jefe.
Mientras que el ambicioso Dug aspira a cazar mamuts y buscar aventuras, Jefe se contenta con la tribu, llevando una apacible y distendida vida cazando conejos. Sin embargo, su paz se ve interrumpida repentinamente cuando su valle es invadido por un enemigo como nunca antes habían visto, encarnado en el engreído Lord Nooth, señor de la Ciudad de la Era del Bronce y su ejército. Lord Nooth, un tirano amante del dinero, ha encontrado bronce en el querido valle de la tribu, por lo que lo invade con un ejército provisto de mamuts acorazados, obligando a los cavernícolas a huir y buscar refugio en los inhóspitos Páramos. Una nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia y de paso inventan las reglas del fútbol. Dug y Hognob tendrán que ayudar a su tribu de cavernícolas, sorteando con gracia y astucia múltiples peligros y derrotando al malvado y moderno Lord Nooth para no perder su hogar, jugándosela en el partido de fútbol más épico de la historia. Dug sabe, por las pinturas de las cuevas, que su tribu jugaba al fútbol, que ahora es casi como una religión en la Edad de Bronce, por lo que trae a casa un balón y entrena a su tribu para derrotarlos.
Una propuesta balompédica en la prehistoria que como recuerda Nick "siempre he apoyado a mi equipo local (el Preston North End) por cuestiones de fidelidad, pero eso es todo. Y como extraño en la materia tengo la sensación de que puedo contar una historia en la que otros también puedan verse reflejados. En CAVERNÍCOLA hay referencias a cómo se altera el juego por medio del dinero. Pero en realidad no trata en absoluto sobre el fútbol. Trata sobre una tribu con un espíritu firme".
Una sencilla narración para llevarnos por los mágicos artificios de los personajes construidos en plastilina y brillantemente animados por Nick Park, quien considera este material ideal para esta historia al "resultar muy primitivo. Yo mismo soy un hombre de plastilina, así que pensé que mi estilo se prestaría a la animación con plastilina. Es algo humano y tiene encanto. Creo que saca a la luz algo de ti. Es algo muy activo, en un sentido bastante literal, y hay un montón de matices y expresión, estás dotando de vida a las marionetas. Creo que la verdadera fuerza de las películas de Aardman radica en la sutileza de los personajes, que es donde entra en juego la plastilina". En CAVERNÍCOLA intervienen cerca de 150 personas implicadas de forma directa en la producción llegando a trabajar hasta 33 animadores junto a 273 marionetas, hechas por 23 diferentes modeladores durante más de 30 meses. Cada marioneta individual fue creada durante un periodo de más de 10 semanas, completando el equipo de modelación un total de 18 marionetas de Dug, y ocho de cada miembro de la tribu Edad de Piedra. Se elaboró a mano la impresionante cantidad de 3.000 bocas intercambiables para los personajes de la película. Según la productora de Aardman, Carla Shelley, "la película es un paso adelante para el estudio aun siendo tan elaborada y tan cara como posiblemente hayan sido otras películas, ésta ha resultado más exigente en algunos sentidos. Nick la presentaba como un híbrido entre GLADIATOR y CUESTIÓN DE PELOTAS. Buscaba esa especie de ambiente de gladiadores en el estadio y en las escenas de fútbol. Es por ello que ha habido mucho trabajo de efectos, incluyendo gráficos por ordenador para crear la inmensa multitud. Si hubiéramos construido realmente aquel estadio de fútbol... bueno, no podíamos, ¡habría sido más grande que todo nuestro estudio! Así que hubo muchos aspectos técnicos a la hora de combinar los elementos físicos y digitales en la película".
CAVERNÍCOLA desde su primera secuencia introductoria, sus divertidos diseños de personajes o su animación fotograma a fotograma logra sorprender y enganchar al espectador en una historia épica cuidadosa con el guion y su técnica de animación. Un equilibrado juego de gags visuales y juegos de palabras. Una producción Aardman que sigue con su maestría en la animación.
CAVERNÍCOLA un divertimento animado de la factoría Aarmand envuelto en un cuento de personajes imperfectos que logran estar a la altura de las circunstancias siempre de forma sorprendente, entretenida y hábil.
CAVERNÍCOLA, fondos, movimientos físicos, efectos de luz y gestualidad a golpe de plastilina en la prehistoria.

FICHA TÉCNICA
Cavernícola - Título original: Early Man - Dirección: Nick Park - Año: 2018 - Duración: 89 min. - País:Reino Unido - Voces original:Eddie Redmayne, Tom Hiddleston, Maisie Williams, Timothy Spall, Richard Ayoade, Selina Griffiths, Johnny Vegas, Mark Williams, Gina Yashere, Simon Greenall, Richard Webber - Voces español: Hugo silva, Chenoa y Mario Vaquerizo - Guion: Mark Burton, James Higginson, John O'Farrell - Música:Harry Gregson-Williams, Tom Howe - Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett, Paul Smith, Peter Sorg - Estreno en España: 2 de febrero 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

Trepidante thriller cargado de suspense, centrado en la frenética misión de un hombre que trata de evitar un desastre en un tren lleno de viajeros, que reúne por cuarta vez al actor Liam Neeson y el director Jaume Collet-Serra con el título EL PASAJERO, tras haber trabajado juntos en las exitosas 'Sin identidad' (2011), 'Non-Stop' (Sin escalas) (2014) y 'Una noche para sobrevivir' (2015). Para Collet-Serra, en cuyas manos el cine de acción de serie B toma vuelos y se mantiene, "hacer películas consiste en provocar reacciones emocionales en el público y eso es precisamente lo que espero lograr con este film. Es parecida a mis otras películas, pero una de las razones por la que la quería hacer era para demostrarme a mí mismo que básicamente podía tocar la misma melodía y hacerla completamente diferente". Collet-Serra tiene otras cintas en su haber con espacios restringidos, como 'Non-Stop' (Sin escalas), ambientada en un avión, 'Infierno azul' (2016) en un islote, 'Sin identidad' en el metro y tren alemanes o 'Una noche para sobrevivir' en trenes americanos. Y ahora EL PASAJERO en un tren en Nueva York, donde el título original, THE COMMUTER, hace referencia al viajero diario, al trabajador que se desplaza cada día a su lugar de trabajo en transporte público. Intentado en cada una de ellas que el público se mantenga expectante hasta el final a pesar de los límites de sus localizaciones.
Con guion de Byron Willinger y Philip de Blasi, EL PASAJERO, que llega a la gran pantalla en 2018, ofrece un osado argumento repleto de adrenalina y estimulante tensión, aderezado con el planteamiento ético al que se enfrenta el protagonista y las consecuencias que tiene para él, los pasajeros del tren y su familia en casa.
El cineasta español Jaume Collet-Serra, nacido en 1974 en Barcelona y afincado desde los 18 años en Hollywood, que acostumbra a tomar ideas aparentemente simples para inyectarlas en un moderno thriller interesante y conmovedor, aplicando en EL PASAJERO la premisa de "quién lo ha hecho" de la literatura de Agatha Christie, con ciertos guiños a 'El fugitivo' y 'Speed: Máxima potencia', aborda el guion, como explica el productor Andrew Rona, "de una manera muy metódica. Lo desmonta e intenta entender todo desde todos los ángulos. A cada personaje le da una historia de fondo con peso, él conoce sus motivaciones. Así que, cuando se trata de hacer una película, Jaume ha hecho toda la investigación y conoce todo sobre la película. Usa la cámara como si fuera un personaje más. Registra cada matiz, todas las cosas pequeñas que a lo mejor no percibes en el guion y añade otra capa. Así que no trata sólo de la acción y los personajes, sino más bien del ambiente y tono y el modo en que lo rueda".
La trama gira alrededor de Michael MacCauley al que encarna con su buen hacer interpretativo Liam Neeson (Silencio, Un monstruo viene a verme, la trilogía Venganza, La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma, La lista de Schindler, Los Miserables, Kinsey, Batman Begins, Taken, El equipo A, Furia de titanes, Unknown, The Grey, The Dark Knight Rises, Run All Night), un polifacético actor que transmite credibilidad, haciendo empatizar al público con el personaje, siendo capaz de plasmar su estado de ánimo con una mirada o un simple gesto. En una película que principalmente en cuanto acaban los títulos de crédito se basa en una cámara siguiendo al protagonista en tiempo real y durante prácticamente los 105 minutos de metraje es fundamental que el espectador mantenga el interés por MacCauley, encajando Liam Neeson, afirma el productor Alex Heineman, "tan bien con estos thrillers, porque queremos mostrar más que decir. Liam Neeson en cierto sentido es un John Wayne contemporáneo. También tiene algo de Jimmy Stewart. Jaume ha creado esta versión heroica de Liam, pero también ha dado con lo emotivo de Liam, así que es un personaje heroico y compasivo, y a la vez reservado".
La historia se desarrolla en base a Michael MacCauley, gestor en una gran aseguradora, que vive con su mujer e hijo en Westchester, en el estado de Nueva York. Como tantos hombres trabajadores, está lidiando con una situación económica límite, intentando llegar a fin de mes, estirando al máximo su sueldo. Su hijo está a punto de marcharse a la universidad y su mujer no entiende cómo la familia va a subsistir.
De repente, un día, su situación empeora: Michael va al trabajo y le despiden. Sin embargo, no será lo único que estropeará su día. En el tren de vuelta a casa al final del día, la pasajera de enfrente se presenta como Joanna y le hace una propuesta: que busque a un pasajero en el tren a cambio de una suculenta cantidad de dinero. Michael, un ex policía, tiene dudas de la propuesta, pero acaba accediendo a encontrar al "sospechoso" entre los pasajeros, usando su ingenio y su habilidad para descubrir su identidad, pero no tarda en darse cuenta de que está en medio de una conspiración criminal, que podría acabar con la muerte de todos los que van en el tren, y él es el único capaz de evitarlo.
Jaume Collet-Serra, que en este thriller psicológico plantea un tejido óptico rescatado del maestro Hitchcock, en la línea de 'Extraños en un tren', 'Con la muerte en los talones', 'Alarma en el expreso' o 'La ventana indiscreta', explica "El pasajero es una secuela espiritual de Non-Stop (Sin escalas). Decidimos que la película tendría más impacto si tu protagonista es un tipo normal. Cuando a la gente normal le ocurren cosas extraordinarias es importante que las primeras decisiones que tomen estos personajes sean decisiones con las que, como público, estemos de acuerdo y que la acción surja paulatinamente de esas decisiones de una manera plausible. De forma que sabemos exactamente lo que él sabe al mismo tiempo que él lo sabe. El público está con él a cada paso del camino, así que nos damos cuenta de que su familia está en peligro cuando él se da cuenta. Queríamos que la cámara se mantuviese en el tren y sugerir que su familia estaba en peligro sin mostrarlo y que lo que ocurriese en el tren tuviera suficiente peso como para justificar que no se salga de ahí.
Michael se despierta todos los días y sale a luchar por su familia, sin importar lo duro que sea, merece la pena porque está protegiendo a su familia, y eso es lo que hace todo el mundo todos los días. Pero un día le hacen una propuesta que le pone entre la espada y la pared, le ofrecen dinero a cambio de hacer algo que sospecha que está mal, y tiene que lidiar con eso. Y le ayudan otros pasajeros. No tienen el control, no están conduciendo el tren, pero la unión hace la fuerza".
EL PASAJERO visibiliza el paso del tiempo con las estaciones cambiando al otro lado de la ventana, abrazando el suspense desde la rutina y la monotonía de un hombre vulgar de 60 años, Michael, que durante más de 20 años se ha estado levantando todos los días a las 6 de la mañana, ha esperado en el mismo andén, a la misma hora todas las mañanas, ha tomado el mismo tren al trabajo todos los días, y 12 horas después, a las 6 de la tarde, toma el mismo tren de vuelta. Algo, comenta Collet-Serra, "tan común, que todo el mundo puede reconocer y con lo que todo el mundo se puede identificar. Así que para mostrar lo monótono del trayecto me surgió la idea de empezar la película con un plano de cada día de la semana. Así que el primer plano es del lunes, el segundo del martes, etc. y los planos están montados de tal manera que lo único que cambia es el fondo, la ropa y el tiempo, pero su comportamiento es exactamente igual porque está haciendo lo mismo día tras día. Así que las imágenes se funden. Es una manera muy interesante de empezar la película porque de forma inmediata el público siente que han estado con él durante un año cogiendo ese tren, día tras día. Para mí era importante empezar la película con una secuencia que nos pusiera, al público, justo en ese tren con Michael".
Otro de los papeles clave del film está interpretado por Vera Farmiga (Expediente Warren: El caso Enfield), que protagonizó la película de terror de Collet-Serra 'La huérfana' (2009). Farmiga da vida a Joanna, esa desconocida que ofrece a Michael cien mil dólares a cambio de localizar a cierto pasajero del tren. Sólo tiene dos pistas: el alias del sujeto y el dato de que lleva un bolso consigo.
A Liam Neeson y Vera Farmiga se suma un grupo diverso de actores internacionales, desde talentos establecidos a estrellas emergentes, liderados por el australiano Sam Neill, el danés Roland Moller, la inglesa Florence Pugh, Kobna Holdbrook-Smith de Ghana y Reino Unido y la española Clara Lago haciendo de Eva; junto a los americanos Patrick Wilson, Elizabeth McGovern y Jonathan Banks, que conforman el reparto bien estudiado de personajes por Collet-Serra, quien explica "rodamos The commuter en el Reino Unido, así que tuvimos que traer a algunas personas de Estados Unidos, pero la mayor parte del reparto son ingleses con acentos neoyorkinos impecables. Los trenes de Nueva York van de las áreas suburbanas al centro de la ciudad, llegando hasta el distrito financiero. A lo largo del camino recogen a todo tipo de personas, de cada estrato de la sociedad y, como no hay primera clase, todos los pasajeros se mezclan. Eso me inspiró. Tomé el tren e hice el recorrido que sale en la película. Pude ver representada a toda la sociedad, y la película tenía que reflejar eso. Era muy importante que Michael fuera alguien que pertenece a distintos mundos, trabaja en el distrito financiero, pero es un hombre de verdad, que probablemente venga de la clase trabajadora y haya luchado toda su vida para darle a su familia la mejor vida posible. De repente, se encuentra sin trabajo y en la pila de personas desechadas. Y en el tren camino a casa está con un montón de extraños que también tienen sus dramas personales, grandes o pequeños. Todos comienzan como extraños, pero hacia el final hay una sensación real de comunidad entre todos, y era muy importante para mi terminar de ese modo".
Esa variedad en el elenco conlleva a mayores posibilidades de que el público conecte con la historia y se sienta reflejado en algún personaje con los que se va cruzando el protagonista en el tren, la mayoría  personas corrientes que resultan ser testigos inocentes, entre los que elegirá unos pocos para solicitar ayuda y en los que deberá confiar que le apoyen, entre los que se encuentran Walt (Jonathan Banks), un compañero viajero o Tony (Andy Byman), un tipo cualquiera de Nueva York que siempre está en el tren y que deja su móvil a Michael. Mientras que de otros sospecha, como la estudiante universitaria Gwen (Florence Pugh). También están Dylan (Killian Scott), un joven con un tatuaje que Michael reconoce vagamente, Vince (Shazad Latif), un hombre de Wall Street, Jackson (Roland Moller), un rudo trabajador en construcción, Oliver (Kobna Holdbrook-Smith), un hombre de aspecto cansado con una guitarra, y Sam (Colin McFarlane), el conductor del tren.
EL PASAJERO filmada aproximadamente de diez semanas, inició el rodaje en platós de sonido en el estudio inglés Pinewood, siendo el trabajo de localización en Longcross en Surrey, que hace del estado de Nueva York.
Un reto en cuanto a movimiento, iluminación, un fondo que apenas cambia a lo largo de la película y logística para un creador, Collet-Serra, que gusta de filmar escenas que sean tomas únicas haciendo que la cámara vaya desde dentro del tren al exterior sin cortes, en un set llevado a cabo por el equipo del diseñador de producción Richard Bridgeland con unas dimensiones de más de 250 metros cuadrados y más de 3 metros de alto, teniendo que adecuar en un vagón y medio y rodeado de pantallas azules la sensación de estar en los trenes de corta distancia de Nueva York que habitualmente tienen seis o siete vagones, que miden entre 20 y 25 metros de largo. Un esfuerzo a fin de lograr la mayor realidad posible de grabación que, como señala Bridgeland "también fue de mucha utilidad para los actores porque podrían moverse por el tren, y el tren prácticamente olía como un tren metropolitano de Nueva York. Traté todo como si fuera un gran escenario de teatro. Teníamos una gran cortina azul colgando fuera de las ventanas, detrás construimos el set de la estación. La cortina nos permitía cambiar y acondicionar la estación para que estuviera preparada para la siguiente toma. Uno de los grandes retos fue que el andén sólo tenía la longitud de un vagón porque no había más espacio en el estudio para algo más grande. Así que usé espejos enormes a los lados para extender visualmente los andenes".
Unas estaciones recreadas en réplicas en Pinewood al no poder rodar en paradas de tren británicas por ser diferentes en su diseño a las americanas, construyéndose Grand Central, la parada de la calle 86, de la calle 110 y de la calle 125, mientras que las estaciones de Tarrytown y Cold Spring se filmaron en estaciones reales del sur de Inglaterra, decoradas correspondientemente.
El film cuida cada detalle en la interacción entre luz y sombra que se refleja en las superficies y en las caras de los actores en el tren, que al estar a nivel del suelo debe mostrar lo que hay al otro lado de las ventanas al espectador, ya sea en movimiento o en cada parada, fomentando un estimulante relato a pesar de que, como comenta Collet-Serra, "los trenes pueden ser muy aburridos en cine, pero el Hudson North es un tipo de tren viejo y es un poco más interesante estéticamente. Hace mucho ruido y tiene un sistema de tickets muy arcaico, que hace que los pasajeros tengan que picar los billetes en una máquina según se suben, y eso me pareció fascinante. Lo que también fue de ayuda fue que la ruta del tren pasa de túneles subterráneos y las plataformas de Grand Central al Bronx, al Río Hudson y al canal antes de abrirse al exterior cuando deja la ciudad. Así que hay muchos tipos de luz y fondos con los que podíamos jugar visualmente".
EL PASAJERO atrapa en su juego apresurado traqueteando a tiempo real con la incertidumbre por las vías del tren en un divertimento para un público de palomitas, aunque al llegar el desenlace se precipite perdiendo gas con excesivos fuegos de artificio, generando un enloquecido clímax irregular que desmerece el espectáculo.
EL PASAJERO, intriga y acelerada acción en un thriller a ritmo de tren al servicio del entretenimiento.

FICHA TÉCNICA
El pasajero - Título original: The Commuter - Año: 2018 - Duración: 105 min. - País: Estados Unidos - Dirección: Jaume Collet-Serra - Guion: Byron Willinger, Philip de Blasi - Música: Roque Baños - Fotografía: Paul Cameron - Reparto: Liam Neeson, Patrick Wilson, Vera Farmiga, Sam Neill, Jonathan Banks, Elizabeth McGovern, Dean-Charles Chapman, Clara Lago, Florence Pugh, Letitia Wright, Shazad Latif, Killian Scott, Andy Nyman, Roland Møller, Colin McFarlane, Dilyana Bouklieva, Adam Nagaitis, Kingsley Ben-Adir, Kobna Holdbrook-Smith - Productor: Alex Heineman, Andrew Rona - Montaje: Nicolas De Toth - Género: Thriller - Estreno en España: 26 de enero 2018.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

El escritor de fantasía James Dashner en el mes de octubre del 2009 publicaba la primera entrega de THE MAZE RUNNER (El corredor del laberinto). Una  distopia dirigida al público juvenil en una enigmática historia de un grupo de jóvenes perdidos en un misterioso mundo laberíntico que alcanzó un gran éxito de lectores situándose entre los libros más vendidos de la lista del New York Times. Una trepidante aventura a la carrera que dio lugar a dos secuelas, THE SCORCH TRIALS (La Prueba - 2010) y THE DEATH CURE (La Cura Mortal - 2011) y una precuela THE KILL ORDER (El Destello -2012). Una trilogía, descrita por la crítica y fans como mezcla de EL SEÑOR DE LAS MOSCAS, LOS JUEGOS DEL HAMBRE y la serie de televisión PERDIDOS, donde, como explica James Dashner, "no creo que los personajes actúen como lo hacen los de El señor de las moscas. Creo que éstos son más civilizados y disciplinados y están decididos a sobrevivir y escapar. EL CORREDOR DEL LABERINTO es una historia de aventuras que también habla sobre la esperanza y el gran potencial del espíritu humano".
Con la producción de 20th Century Fox llegaba en el año 2014 la primera entrega a la gran pantalla basada en el primer libro de la saga. Con la dirección de Wes Ball en su primer largometraje, conocido por RUIN, un cortometraje de siete minutos de animación por ordenador, una historia muy visual en una ciudad futurista cubierta de plantas enredaderas, un metraje concebido como secuencia inicial de una película que Ball esperaba desarrollar. Una dirección que como recuerda Wes Ball “tengo una pequeña compañía de efectos visuales y decidí que, tras estar un par de años haciendo trabajos para otras personas, quería hacer algo para mí mismo. Cerré el chiringuito e hice Ruin. Lo subí a la Red y, simplemente, explotó a través de Twitter".
De las plantas a un laberinto donde los protagonistas deben correr para salvar sus vidas partiendo de un extraño lugar llamado Claro/Área, Novato. Un hábitat no desconocido para Ball quien tuvo una imagen al leer el libro "muy potente de cómo era el interior del Claro, que veía como un entorno salvaje, abrupto, deforestado y extremadamente realista, cercado por imponentes muros de hormigón. Inmediatamente me di cuenta de que era un mundo en el que quería vivir durante los próximos años. Con un protagonista Thomas, alguien que da un paso adelante hacia lo desconocido cuando todos los demás dan un paso atrás. Es esa idea de que tienes que ser suficientemente valiente como para enfrentarte a lo desconocido si realmente quieres encontrarte a ti mismo. Thomas es una persona curiosa, y algunos habitantes del Claro perciben eso como una amenaza, pero precisamente esa curiosidad puede ser lo que le saque de allí. Además, me encantan las películas en las que se recrea un universo, y esta película crea todo un mundo, de arriba abajo. Empezamos en el Claro, un lugar que los propios chicos han construido, después, fuera de los muros, nos introducimos en el gran mundo del Laberinto, y éste es un escenario absolutamente distinto".
En EL CORREDOR DEL LABERINTO conocemos a Thomas quien se despierta en un ascensor, que asciende lentamente. Cuando se detiene y las puertas se abren se ve en medio de un grupo de chicos que le dan la bienvenida al Claro: un enorme espacio abierto flanqueado por gigantescos muros de hormigón. Su mente está totalmente en blanco. No tiene ni idea de dónde está, no sabe de dónde viene y no puede recordar ni a sus padres, ni su pasado, ni siquiera su propio nombre. Ni Thomas ni el resto de sus compañeros saben cómo ni por qué han llegado al Claro. Sólo saben que las gigantescas puertas de hormigón que conducen al Laberinto se abren cada mañana. Que todas las noches, con la puesta de sol, se vuelven a cerrar. Y que, cada treinta días, un chico nuevo llega en el ascensor. El predecible comportamiento del Laberinto hizo que la llegada de Thomas fuera esperada. Lo que no era esperable es que la caja apareciera de nuevo, menos de una semana después, portando a Teresa, la primera chica en llegar al Claro.
Thomas descubre que cada habitante del Claro tiene asignada una tarea, desde trabajos de jardinería o construcción a ser uno de los corredores de élite que elaboran el mapa de los muros del Laberinto que los mantiene cautivos y cuya configuración cambia cada noche. Los Corredores del Laberinto corren contrarreloj intentando cubrir el mayor terreno posible antes de que acabe el día, cuando el Laberinto se cierra herméticamente y los mortíferos Laceradores biomecánicos deambulan por las galerías de la gigantesca estructura de hormigón.
Aun siendo un recién llegado o novato, Thomas siente una inquietante familiaridad hacia el Claro y el Laberinto. Hay algo profundamente guardado en su memoria que, de hecho, puede ser la clave para resolver los misterios del Laberinto y, tal vez, del mundo que se encuentra más allá.
EL CORREDOR DEL LABERINTO, entre sus muros modernos y antiguos donde las plantas trepadoras de la elevada estructura y sus aparentemente vacías galerías se esconde una terrible amenaza. Un continuado juego de acción prólogo de más entregas y aventuras que regresaba en el año 2015 con su segunda parte, EL CORREDOR DEL LABERINTO: LAS PRUEBAS, basado en la segunda entrega del libro homónimo publicado en el año 2010 donde retoma la dirección Wes Ball con la mayoría de los miembros del reparto inicial. Si en el primer filme trataba el tema de la huida en esta ocasión es el viaje el motivo central. Thomas (Dylan O'Brien) y el resto de los Clarianos tienen que hacer frente a un reto aún mayor: buscar pistas sobre la misteriosa y poderosa organización conocida como C.R.U.E.L. (Catástrofe y Ruina Universal: Experimento Letal). Su aventura les lleva a la Quemadura, un inhóspito lugar repleto de inimaginables obstáculos, un futurista terreno yermo calcinado por el efecto de los rayos solares. En este árido páramo, los Clarianos transitan con dificultad por lo desconocido. Un Thomas agobiado por la culpa se pregunta si debió haberles sacado del laberinto. En el Claro sobrevivían, pero en este paraje de tierra quemada podrían llegar a morir. Formando equipo con miembros de la resistencia, los Clarianos se enfrentan a las fuerzas infinitamente superiores de CRUEL y descubren los estremecedores planes que la entidad tiene para todos ellos. Un viaje que comienza, como señala el productor Wyck Godfrey, "a desentrañar el misterio de lo que le ha sucedido al mundo y cómo ha sido devastado. Nuestros personajes encuentran algunas respuestas embarcándose en un viaje sumamente arriesgado. La pregunta central de la segunda película es: ¿deberíamos habernos ido, o quizás no? Es el tipo de cuestión que experimentas en la adolescencia. Te pasas la infancia queriendo irte de casa y salir al mundo real. Luego, una vez adultos, empezamos a darnos cuenta de que las cosas no son lo que creíamos que eran, que pueden ser realmente complicadas. Cuando el mundo de ahí fuera se nos revela, puede resultar algo imponente y peligroso, y eso es lo que les sucede a los Clarianos".
La tercera y última entrega llega en el año 2018 con EL CORREDOR DEL LABERINTO: LA CURA MORTAL bajo la dirección una vez más de Wes Ball quien describe las diferencias entre los mundos en los que se desarrolla cada historia: "La primera película, con el laberinto, era todo cemento y decadencia. La segunda historia era la arena y el óxido de La Quemadura y esta película, La cura mortal, es un mundo de vidrio y acero. Cada uno tiene su propio tono y paleta de colores". Este episodio se inicia aproximadamente seis meses después del final de Las pruebas. En la batalla final de Las pruebas, los supervivientes de la Llamarada, una enfermedad que ha devastado a la población mundial, han definido su propósito: encontrar un refugio seguro lejos de la influencia de CRUEL.
Como explica Ball "la batalla contra CRUEL en realidad comienza al final de Las pruebas. En el tercer libro existe esta idea de una resistencia, un grupo opuesto a CRUEL y pensé: '¿No deberíamos adelantar todo esto?' Que aparezcan las facciones opuestas de la guerra al final de la segunda película es una ligera desviación del libro; y es de agradecer tener la libertad de hacer ese tipo de ajustes creativos. Hay cosas que no son exactamente como en el libro, pero están inspiradas en los libros. Y es por eso que tenemos la suerte de contar con James Dashner para todas estas cosas y para la toma de decisiones. Queríamos hacer todo lo que se nos permitiera, pero siempre con respeto a los seguidores y a lo que quieren ver". Unos cambios que el escritor James Dashner corroboró su aprobación afirmando que "los seguidores de los libros son muy leales a las historias y muy protectores con ellos, pero hay ciertas cosas que funcionan mejor en un universo cinematográfico. Wes Ball ha hecho un gran trabajo con ese tipo de cosas y creo que los seguidores de los libros han aceptado todas las nuevas ideas también".
En EL CORREDOR DEL LABERINTO: LA CURA MORTAL nos encontramos con Thomas quien no puede confiar en CRUEL. La organización le borró sus recuerdos y lo encerró en el Laberinto. Luego lo dejó al borde de la muerte, en el Desierto. Y lo separaron de los Habitantes, sus únicos amigos. Ahora CRUEL asegura que el tiempo de las mentiras ha terminado. Con toda la información que reunió gracias a Las Pruebas, está en condiciones de avanzar en la cura de la Llamarada. Pero Thomas debe pasar por la Prueba Final. ¿Logrará sobrevivir al procedimiento? ¿Será cierto qué se terminaron las mentiras? Quizá la verdad sea más terrible aún... una solución letal, sin retorno.
Si en la primera película, el objetivo principal de los clarianos era escapar y en la segunda una huida constante, en la que estaban apenas un paso por delante de CRUEL ahora, cambian las tornas y van al ataque, y cuenta con una ayuda inesperada: Gally. La persona que se pensó que había muerto en la lucha contra el enemigo en los últimos momentos antes de escapar del laberinto, el antiguo compañero y adversario de Thomas está al frente de la guerra contra CRUEL.
Como James Dashner expresa "Gally era el que cuando estaban atrapados en el laberinto, no quería pasar a la acción. Ahora ha regresado y aunque los demás, especialmente Thomas, no confían en él, es un soldado que quiere derrocar a CRUEL".
EL CORREDOR DEL LABERINTO: LA CURA MORTAL finaliza su distopia adolescente resolviendo de una manera eficaz los enigmas y conflictos desarrollados en las dos entregas anteriores. Una saga que, vertiginosamente, en su especial laberinto ha ido de menos a más con una despedida a buen nivel. Un adecuado cierre para una trilogía que desde su primer fotograma ha ido acomodando la evolución argumental a un pasatiempo que en esta entrega mantiene la intensidad narrativa y visual.
EL CORREDOR DEL LABERINTO: LA CURA MORTAL efectos especiales a la carrera. Un best sellers de la literatura juvenil en el laberinto del consumo rápido atrapados en un mundo que intenta sobrevivir. Un acertado broche para la saga.

FICHA TÉCNICA
El corredor del laberinto: La cura mortal - Título original: Maze Runner: The Death Cure - Dirección: Wes Ball - Año: 2018 - Duración: 142 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Dylan O'Brien, Kaya Scodelario, Katherine McNamara, Thomas Brodie-Sangster, Nathalie Emmanuel, Barry Pepper, Giancarlo Esposito,  Rosa Salazar, Dexter Darden, Walton Goggins, Jacob Lofland - Guion: T.S. Nowlin (Novela: James Dashner) - Música: John Paesano - Fotografía: Gyula Pados - Productor: Wes Ball, Ellen Goldsmith-Vein, Wyck Godfrey, Marty Bowen, Joe Hartwick Jr. y Lee Stollman - Montaje: Dan Zimmerman y Paul Harb - Estreno en España: 26 de enero 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

Un documento preparado originalmente a instancias del Secretario de Defensa de los EE. UU., Robert McNamara, en 1967, con el título de "Historia de la toma de decisiones de los EE. UU. en Vietnam, 1945-66" se convirtió en un devastador informe cuando sus 7.000 páginas plagadas de secretos gubernamentales inculpatorios llegaron en marzo de 1971 al reportero Neil Sheehan de The New York Times. Este documento que más tarde fue conocido como los archivos del Pentágono descubrió una siniestra verdad: que los amplios y variados engaños sobre la mortífera guerra que se estaba librando en Vietnam habían abarcado cuatro administraciones presidenciales, desde Truman hasta Eisenhower, Kennedy y Johnson. Unos documentos que desvelaron como cada uno de esos presidentes había engañado repetidas veces al ciudadano en cuanto a las operaciones de Estados Unidos en Vietnam y que, aunque el gobierno supuestamente buscara la paz, los militares y la CIA trabajaban en secreto ampliando sus operaciones bélicas. La documentación proporcionó una oscura historia cargada de pruebas de asesinatos, violaciones de la Convención de Ginebra, elecciones amañadas y mentiras al Congreso.
Esas revelaciones se convirtieron en noticias de gran importancia social en un momento en el que soldados estadounidenses eran muchos de ellos llamados a filas y obligados a servir en una guerra de Vietnam donde Estados Unidos se retiraría en 1975.
Los archivos del Pentágono sacaron a la luz los engaños que condujeron a muchas de esas muertes. Una información a la opinión pública plagada de dificultades desde que The New York Times los publicara el domingo 13 de junio de 1971 con el titular de primera plana "Archivos de Vietnam: Estudio del Pentágono analiza 3 décadas de creciente implicación estadounidense". Desde ese instante la maquinaria estatal se puso en marcha para detener la información siendo el 15 de junio de 1971 cuando la administración Nixon pidió a un tribunal federal un mandamiento judicial para detener la publicación de cualquier nuevo material por parte del Times, argumentando que dicha publicación pondría en peligro la seguridad nacional. Se les concedió su petición.
El 18 de junio, el periódico local The Washington Post se convirtió en el primero en publicar material de los archivos del Pentágono tras el mandamiento judicial contra el Times, a costa de verse también implicado en el proceso legal. Ese mismo día, el Departamento de Justicia solicitó una orden de alejamiento inmediata y un mandamiento judicial permanente contra The Washington Post, aunque esta vez el juez federal ante el que presentaron la causa les denegó la orden.
Para entonces, la historia de los archivos del Pentágono ya no trataba simplemente sobre un único y controvertido acto de conciencia; se trataba más bien del gran poder que conllevan muchos actos similares unidos y del poder de decir la verdad, sin importar las amenazas y peligros que ello suponga. El 30 de junio, el Tribunal Supremo se pronunció, revocando el mandamiento judicial contra la publicación. La opinión mayoritaria sostenía que la publicación de los archivos del Pentágono era de interés público y que era deber de una prensa libre obligar al gobierno a rendir cuentas.
Una historia que es llevada en el año 2018 a la gran pantalla en LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO y supone la primera vez que Meryl Streep, Tom Hanks y Steven Spielberg colaboran juntos en un proyecto. Una narración que transcurre entre un thriller, un drama y el estudio del personaje de Katherine Graham, la primera mujer editora del periódico The Washington Post y como descubre la rotunda fuerza de su voz. Como explica Spielberg, "The Washington Post se arriesgó mucho al publicar la noticia después de que el juez impidiera a The New York Times hacerlo, no podían haber elegido un peor momento. El Post estaba poco menos que desangrándose y necesitaba salir a bolsa para seguir siendo solvente. Y en medio de todo eso se encontraba Graham, que tenía que tomar la decisión más importante de la historia del periódico. Me pareció que la historia trataba tanto sobre el nacimiento de un líder como sobre el crecimiento de un periódico de alcance nacional".
LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO nos traslada al mes de junio de 1971 cuando los principales periódicos de EE.UU., entre los que se encontraban The New York Times y The Washington Post, tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos por parte del gobierno, que había durado cuatro décadas y cuatro presidencias estadounidenses. En ese momento, Katherine Graham, interpretado por Meryl Streep, primera mujer editora del Post, y el director Ben Bradlee, protagonizado por Tom Hanks, intentaba relanzar un periódico en decadencia. Juntos decidieron tomar la audaz decisión de apoyar al The New York Times y luchar contra el intento de la Administración Nixon de restringir la primera enmienda...
Historia basada en los documentos del Post que recogían información clasificada sobre la Guerra de Vietnam. Su publicación generó un enorme debate sobre la libertad de expresión y acabó en una dura batalla legal ante el Tribunal Supremo.
LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO recupera el debate sobre la libertad de expresión en una creciente tensión de los personajes con un intenso ritmo y una gran importancia de los detalles visuales del mundo de reporteros e individuos influyentes de la década de 1970 cada uno de los cuales cuenta su propia parte de la historia.
Spielberg consigue una narración dramática ágil repleta de dinamismo, política e intensidad emocional y oral. Con una puesta en escena rodada en 35 mm. ofreciendo un guiño al cine de los años 70, pero también como forma de darle vida a la riqueza de cada detalle, adecuando la paleta de colores y su temperatura, en coordinación con la iluminación aportada por del director de fotografía Janusz Kaminski y la ambientación lograda con el apropiado vestuario de Ann Roth.
LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO narra con vigor unos días que conmocionaron el mundo al descubrir los secretos oscuros de la administración de EE. UU en la guerra de Vietnam. Una mirada a través de Katherine Graham, personaje interpretado espléndidamente por Meryl Streep, quien, como explica Tom Hanks, "supo aceptar su rol en la historia del The Washington Post, su padre se lo entregó a su marido y, cuando éste murió, ella quedó al cargo de todo. Eso implicaba ser responsable del periódico, pero también de emisoras de radio y canales de televisión. Ella siempre había sido la hija de o la mujer de. Pero se puso al frente de aquello y tuvo que decidir si publicar o no la historia. Un instante en que aparece mi personaje Ben Bradlee quien tiene que decirla cosas como: no seremos más que un periodicucho rural de segunda mano a menos que publiquemos la historia de los archivos. Ahí es cuando Katherine elige entre tomar una decisión buena o una mala. Y escogió hacer lo correcto y lo que tenía que hacer. Ben poseía evidentemente un gran instinto periodístico, pero también sabía cómo motivar a la gente, era alguien que no solo podía engatusar a su plantilla sino también hacer que dieran lo mejor de sí mismos. Le encantaba su trabajo, pero sobre todo le encantaba el efecto que tenía su trabajo: descubrir la verdad, hacer las cosas como es debido y sacarla a la luz para permitir que la gente decida por sí misma. También era tremendamente competitivo, así que podía entender lo increíblemente frustrado que se sentiría por el hecho de que The New York Times se le adelantara con la historia de los archivos del Pentágono. No quería ser el director de un periodicucho de segunda categoría".
LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO el periodismo en estado puro en busca de la verdad.

FICHA TÉCNICA
Los archivos del pentágono - Título original: The post - Director: Steven Spielberg - País: USA - Duración: 115 minutos - Año: 2017 - Reparto: Tom Hanks,  Meryl Streep, Sarah Paulson, Jesse Plemons, Bob Odenkirk, Matthew Rhys, Michael Stuhlbarg, Alison Brie, Carrie Coon, David Cross, Bruce Greenwood,  Tracy Letts, Bradley Whitford, Zack Woods - Productor: Kristie Macosko Krieger, Amy Pascal y Steven Spielberg - Guion: Liz Hannah y Josh Singer - Montaje: Michael Kahn y Sarah Broshar - Música: John Williams - Fotografía: Janusz Kaminski - Estreno en España: 19 de enero 2018.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

El robot gigante MAZINGER Z con energía fotoatómica y espectaculares armas poderosos pilotado por Koji Kabuto en su lucha contra las fuerzas malignas del Dr. Hell y un grito ¡PUÑOS FUERA! es uno de los grandes éxitos del manga y anime. Publicado por primera vez el 12 de septiembre de 1972 en el semanario SHONEN JUMP supuso el primer robot gigante tripulado por un protagonista marcando las bases del género MECHA (abreviatura de "mechanical"). Aventuras creadas por el dibujante y guionista japonés Go Nagai quien cuya primera imagen, como explica, "me vino cuando quedé atrapado en un atasco de tráfico. Pensé que ojalá le salieran piernas al coche para poder pasar a los de delante como si fuera un robot. ¿Sabes que la parte de la boca de Mazinger se basa en el visor de las armaduras medievales europeas?".
MAZINGER Z de las viñetas pasó al anime con guion original de Susumu Takahisa y Keisuke Fujikawa, diseño de los personajes de Yoshiyuki Hane y entre los diferentes directores podemos encontrar a Tomoharu Katsumata director principal de la Toei Animation Studio quien adaptó a Tv mangas de Go Nagai como CUTEY HONEY (1973), GREAT MAZINGER (1974) o GAIKING (1976). El primer episodio de la serie fue emitido en la cadena japonesa FUJI Tv el 3 de diciembre de 1972 para finalizar su emisión, tras 92 episodios, el 1 de Septiembre de 1974. Una serie de culto con una recordada melodía principal interpretada por la Orquesta Columbia de las discográfica Columbia Records de Japón en un tema de atmósfera heroica donde se mezcla la música de las big band, el jazz, el rock, marchas y el soul.
La serie fue estrenada en España en la cadena TVE el 4 de marzo del 1978 con 32 episodios que, a pesar de su gran éxito, fue cancelada su emisión por considerarse “demasiado violento”. Teniendo que esperar hasta el año 1993 para poderse ver completa a través de Telecinco.
El legendario MAZINGER Z coincidiendo con el 45º aniversario de la franquicia da por primera vez el salto a la gran pantalla con MAZINGER Z: INFINITY producida por Nagai y dirigida por Junji Shimizu responsable de varios episodios de la mítica SLAM DUNK y ONE PIECE. Continuación de la serie anime con un estilo visual que sin dejar de respetar la estética base de los años 70 se adapta a los nuevos tiempos, una propuesta que, desde el punto de vista expresivo, según Nagai, "en esta película hacían falta ambos estilos. Creo que a los seguidores más veteranos les reconfortará ver a los personajes en dos dimensiones que conocían y a los que están acostumbrados, mientras que la acción en 3D de los robots les hará sentir sorpresa y emoción".
MAZINGER Z: INFINITY traslada la nostalgia de la serie de televisión a la gran pantalla con una presentación en 2D donde destaca su elaboración con técnicas 3D. Tratamiento digital para el reencuentro con los personajes icónicos de la serie como el inolvidable KOJI KABUTO protagonista y piloto de Mazinger Z, un adolescente con mal genio, desconfiado, responsable y buen estudiante de secundaria, destacando en las artes marciales practicando karate y kendo; el profesor JUZO KABUTO constructor de Mazinger Z y abuelo de Koji, desarrollador de la energía fotónica conjuntamente con el profesor Yumi e inventor de la Super Aleación Z; SHIRO KABUTO el hermano menor de Koji, un muchacho que mira al mundo con ojos curiosos y se interesa por todo, tanto es así que muchas veces resulta de gran ayuda a Koji en sus luchas contra los monstruos mecánicos del Dr. Hell, proporcionándole ideas que jamás se le hubieran ocurrido; SAYAKA YUMI, hija adolescente del profesor Genosuke Yumi, nunca había imaginado que vería el día en el que llegaría un Robot y un piloto que la relegarían a un segundo plano. Y lo peor de todo no son los celos, si no que admira a Koji y a su robot; o los villanos Doctor HELL, un brillante científico alemán resentido con la humanidad y deseoso de postrar el mundo a sus pies gracias a su arsenal de robots gigantescos, que envía por medio de sus lacayos y el BARÓN ASHURA, personaje con un rostro mitad hombre mitad mujer, quien tiene a sus órdenes los monstruos mecánicos para someter al mundo.
En esta aventura cinematográfica una vez más la humanidad se encuentra en peligro de caer en las garras del Imperio Subterráneo, que en el pasado estuvo liderado por el científico malvado conocido como Dr. Infierno. Entonces, Koji Kabuto pilotó al súper robot Mazinger Z y, con la ayuda de sus amigos del Instituto de Investigaciones Fotónicas, frustró las perversas ambiciones del Dr. Infierno y devolvió la paz al mundo.
Han transcurrido 10 años desde entonces... Ahora que ya no es piloto, Koji Kabuto ha seguido el camino de su padre y su abuelo iniciando su carrera como científico. Es entonces cuando encontrará una gigantesca estructura enterrada en las profundidades del Monte Fuji, junto con una misteriosa indicación de la vida... Nuevos encuentros, nuevas amenazas y un nuevo destino aguardan a la humanidad. El antiguo héroe Koji Kabuto debe tomar una decisión sobre el futuro: ser un dios o un demonio…
MAZINGER Z: INFINITY nos presenta a un robot varias veces más grande que el protagonista y a un androide llamada LISA (siglas de Large Intelligence System Agent) acrónimo en inglés que hace referencia a una inteligencia artificial para quien las emociones significan un lastre. Nuevos y viejos personajes entre batallas de robots. Un filme que curiosamente se estrenó antes en Italia y Francia que en su país de origen Japón. Un estreno que llega a España en el año 2018 para ser proyectada en Versión Original con subtítulos durante el fin de semana del 19 al 21 de enero en tres únicas sesiones. Tres días de esplendor para Mazinger Z en un largometraje que satisface a los fans del manganime setentero resultando un producto para disfrute de los nuevos espectadores. Una narración que, en apariencia simple, incluye temas más profundos como el comportamiento dañino del ser humano con la naturaleza o las dimensiones espacio temporales y alternativas. Todo ello aumentando el trazo y detalles gráficos de la serie original en una propuesta visual poderosa, un exceso de explicación tecnológica y una aventura donde se encuentran todos los ingredientes tradicionales.
MAZINGER Z: INFINITY vuelve a lanzar sus puños para enfrentarse al Dr. Infierno y a sus planes para dominar el mundo. Toneladas de chatarra fotónica nostálgica setentera.

FICHA TÉCNICA
Mazinger Z: Infinity  - Título original: Mazinger Z - Dirección: Junji Shimizu - Año: 2017 - Duración: 95 min. - País: Japón - Guion: Takahiro Ozawa (Manga: Go Nagai) - Música: Michiaki Watanabe - Estreno en España: Proyección tres únicos días del 19 al 21 de enero del 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

Bajo la dirección de Martin Campbell, Pierce Brosnan y Jackie Chan no fallan en sus interpretaciones para brindarnos un thriller de acción e intrigas políticas, que, aun siendo irregular mantiene el pulso argumental, que en cierto modo funciona como un escaparate de la fragilidad social. Jackie Chan (la trilogía "Hora punta", "Atrapa a un ladrón") en su papel, posiblemente, más dramático de su carrera hasta el momento, al que insufla la cruda emotividad de un padre destrozado por el dolor, sin dejar a sus 63 años de hacer algunas escenas de acción, en un estilo sin adornos de Martin Campbell que dirige EL EXTRANJERO, que llega a la gran pantalla en 2018, a buen ritmo y con peso esquemático apropiado para este tipo de coreografías del actor. Mientras Pierce Brosnan ("El mañana nunca muere", "La conspiración de noviembre") se pliega a su circunspecto papel de oficial del gobierno británico atrapado por su oscuro lejano. Dos hombres a quienes un hecho trágico obliga a interrogarse sobre lo vivido hasta entonces, conformando una película que como explica el productor Scott Lumpkin "trata de cómo resolver tus demonios. Habla del concepto de justicia. De cómo tienes que pagar un precio por tus actos".
Los personajes interpretados por Jackie Chan y Pierce Brosnan suponen un exponente que hace reflexionar al espectador sobre la complejidad que conlleva estar en una sociedad global donde tus creencias pueden convertirse en acciones que generen consecuencias que no han sido contempladas.
Un thriller austero, sin aspavientos, que se complica en conspiraciones y corrupción política dispersando la trama en exceso, aunque mantiene el misterio teniendo como nudo central la historia de dos personas cuyo pasado oculto explota en el presente.
EL EXTRANJERO, construido de forma milimétrica tras las cámaras por Campbell, consigue, sin ser espectacular, mantener a los espectadores atentos a un film con guion de David Marconi ("Enemigo público", "La jungle 4.0"), basado en el bestseller "The Chinaman", de Stephen Leather de 1992.
David Marconi otorga a la historia un toque más actual junto a la directora de producción Cathy Schulman que supervisó un nuevo borrador del libreto, centrándose en diseñar una película, como confirma Marconi, "de dos personajes. Cuando trabajábamos en el guion, ya sabíamos que Jackie Chan interpretaría a Quan y que también contábamos con Pierce Brosnan y, por lo tanto, lo trabajamos ya con estos actores en mente".
Martin Campbell añade certeza y expectación a la maquinación de un drama renovado para el celuloide sin perder la esencia literaria, una adaptación cinematográfica que cuida el contexto guardando semejanza con la novela donde Stephen Leather resume "quería contar la historia de un hombre que fue subestimado. Un hombre al que nadie tomó en serio, ni tampoco se le consideró una amenaza. A pesar de que la película ha actualizado la ambientación original de principios de los 90 al momento actual, los temas originales se mantuvieron. El libro es mío, y la película es de los cineastas. David es un guionista brillante, y ha hecho un gran trabajo. Ha cambiado muchos elementos. Tuvimos que actualizar los aspectos relativos a la tecnología. Es muy fiel a la historia y a los personajes que escribí. Así que estoy muy contento de que David le haya incorporado esa agudeza extra. Las escenas de acción de Martin lo mejoran; le ha aportado más intensidad. Creo que es brillante, absolutamente brillante. Además, el hecho de estar en el set rodeado de 100 personas filmando una historia que yo escribí en mi pequeña habitación hace 25 años es muy emocionante".
Martin Campbell, especialista en cine de espías, quien ha ayudado a definir y redefinir el género de acción, responsable de cintas como Linterna verde (2011), Al límite (2010), Casino Royale (2006), La leyenda del Zorro (2005), Amar peligrosamente (2003), Límite vertical (2000), La máscara del Zorro (1998) o Goldeneye (1995), donde coincide con Brosnan encarnando a James Bond, lleva al celuloide la historia de Quan (Jackie Chan), un humilde dueño de un restaurante londinense cuyo pasado, ya enterrado, emerge cargado de venganza al perder a su hija, la única familia que le queda, en un acto terrorista con motivaciones políticas. Mientras busca a los responsables, recurre a la ayuda del Viceministro irlandés, Liam Hennessy (Pierce Brosnan), un funcionario del gobierno a quien afecta su propio pasado turbio de vinculación con el grupo terrorista IRA. Así comienza un juego del gato y el ratón con tinte político entre Quan y Hennessy, quienes deben confrontar su pasado mientras intentan identificar a los escurridizos asesinos.
Junto a su colaborador habitual, el director de fotografía David Tattersall ("La milla verde", "La guerra de las galaxias, Episodios I, II y III"), Campbell, de forma meticulosa, mimando el guion, con un calculado estudio de los personajes y sus intérpretes, cuidando cada escena en el set de rodaje, repasando todos los ángulos que va filmar, fiel a su estilo apasionado de trabajo destila su experiencia en EL EXTRANJERO, logrando que esta coproducción del Reino Unido y China en sus 114 minutos de duración se mueva entre la luz y las tinieblas con una pizca de humor en un intenso enigma.
EL EXTRANJERO, justicia, venganza y redención en un atípico thriller impulsado por la maestría de Martin Campbell.

FICHA TÉCNICA
El extranjero - Título original: The Foreigner - Año: 2017 - Duración: 114 min.- País: Reino Unido - Dirección: Martin Campbell - Guion: David Marconi (Novela: Stephen Leather) - Música: Cliff Martinez - Fotografía: David Tattersall - Reparto: Jackie Chan, Pierce Brosnan, Charlie Murphy, Katie Leung, Rory Fleck Byrne, Dermot Crowley, Shina Shihoko Nagai, Simon Kunz, Jorge Leon Martinez, Lasco Atkins, Dilyana Bouklieva, Roberta Taylor, Dino Fazzani, Lee Nicholas Harris,  Branwell Donaghey, Stephen Hogan - Género: Acción, Thriller - Diseñador de producción: Alexander Cameron - Montaje: Angela M. Catanzaro - Diseñadora de vestuario: Alexandra Bovaird - Productores: Jackie Chan, Wayne Marc Godfrey, Arthur Sarkissian, Qi Jian Hong, Claire Kupchak, John Zeng, Scott Lumpkin,  Jamie Marshall y Cathy Schulman - Fecha de estreno en España: 12 de Enero de 2018.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

La animadora y pintora polaca Dorota Kobiela en su cortometraje LITTLE POSTMAN (2011) nos ofrecía la primera película de animación en 3D realizada como si fuera un cuadro al óleo. Cinco minutos en un acercamiento a la II Guerra Mundial desde el punto de vista de un niño que reparte la correspondencia en pleno conflicto. Una innovadora propuesta de animación que se amplía con su proyecto visual titulado LOVING VINCENT que llega a las salas de cine de España en el año 2018, un largometraje donde Kobiela unió sus fuerzas con las del británico Hugh Welchman para crear un biopic único, pintado a mano, sobre Vincent van Gogh. El primer largometraje compuesto por pinturas animadas. Una idea que surge, como explica Kobiela, cuando decidió "que quería unir mis dos pasiones, la pintura y el cine, y hacer una película que estuviera pintada. Tenía 30 años cuando pensé en LOVING VINCENT por primera vez, la misma edad que tenía Van Gogh cuando empezó a pintar. Más que sus cuadros, que me encantan, fue el tipo de vida que tuvo lo que verdaderamente me inspiró. He luchado contra la depresión toda mi vida así que me inspiraba la fortaleza de Van Gogh para recuperarse de situaciones similares en su vida con tan solo veinte años y encontrando, a través de la pintura, una forma de traer belleza al mundo. Sus cartas me ayudaron mucho en un momento bajo de mi vida y me animaron a hacer esta película".
LOVING VINCENT es un hermoso homenaje al trabajo de Vincent Van Gogh uno de los grandes maestros de las artes plásticas donde vamos descubriendo a través de sus cartas y haciendo realidad en la gran pantalla uno de sus comentarios en su última carta "no podemos expresarnos mejor que a través de nuestros cuadros". De esta forma se expresa LOVING VINCENT haciendo que las pinturas cuenten la historia.
Un filme que inicialmente ha sido rodado con actores y, posteriormente, pintada a mano en lienzos fotograma a fotograma. Una técnica que fue elegida, como explica el director Hugh Welchman, "por dos razones: una creativa y otra práctica. La razón creativa era que Van Gogh pintaba a personas reales en sus retratos y quería transmitir la emoción del personaje real. Por ese motivo queríamos tener personas de carne y hueso delante de nosotros y sentir sus emociones. Pero trabajar con personas reales siempre ha sido un gran reto para el mundo de la animación. Por ese motivo, la mayoría de los grandes films de animación son sobre personajes no humanos, o muy simplificados o infantiles. La razón práctica es que al rodar acción real con actores podíamos crear en pocos días un material que en animación nos llevaría meses obtener. Pero no estábamos del todo convencidos de que esta técnica funcionara hasta que no hicimos nuestro tráiler inicial. Cuando vimos el resultado de la primera prueba tuvimos claro que teníamos algo". Una interacción de la interpretación de los actores representando famosos cuadros pintados por Van Gogh donde encontramos, entre otros, a Robert Gulaczyk como Vincent van Gogh; Douglas Booth como Armand Roulin, Jerome Flynn como Dr Gachet y Chris O'Dowd como Postman Roulin.
Unos personajes pintados que se integran perfectamente en cada cuadro de la narración logrando una gran belleza visual. Un amplio reparto ilustrado donde cada fotograma es un cuadro pintado a mano sobre óleo tal y como el propio Vincent lo hubiera hecho al que se le ha dado movimiento. Un enorme trabajo donde participaron una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh.
Encontramos 94 cuadros con un aspecto muy cercano al original y otros 31 con una representación parcial de algunas de las pinturas para situarnos en Francia en el verano del año 1891 cuando el joven Armand recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin, para entregarla en mano en Paris al hermano de su amigo Vincent Van Gogh. Pero en París no hay rastro de Theo, del que cuentan que murió poco tiempo después de que su hermano Vincent se quitara la vida. Un sorprendente viaje por los cuadros de Van Gogh recorriendo la misteriosa vida del pintor a través de las cartas que con frecuencia escribía a su hermano pequeño Theo. Unas cartas de las que se conservan más de seiscientas cartas de Vincent a Theo y cuarenta cartas de Theo a Vincent, y aunque la mayoría de ellas no están fechadas, los historiadores de arte han sido capaces de ordenar esta correspondencia, en gran parte, de manera cronológica. Las cartas salieron a luz en 1913, a través de la viuda de su hermano Theo, Johanna van Gogh-Bonger, quien explicó la "inquietud" que sentía al mostrar el drama de la vida del pintor y su preocupación para que no fuera motivo de eclipsar su obra artística. El mismo Van Gogh había sido un ávido lector de biografías de otros artistas para comprobar la consonancia del carácter con el arte de estos.
Un proyecto cinematográfico que, como explica Dorota Kobiela, "se ha hecho por puro amor. He trabajado en él 7 años a tiempo completo. Mi amor al trabajo de Van Gogh, a sus cartas y mi respeto a su lucha en la vida me ha sacado adelante estos 7 años. Y no era solo yo la que tenía que amar a Vincent Van Gogh. Nuestro equipo de artistas tenía que pintar los más de 65.000 fotogramas al óleo, tardando hasta 10 días en pintar un segundo de la película. Esto requiere mucho compromiso y mucho respeto por su trabajo. En tercer lugar, es una referencia a la forma de firmar las cartas que escribía a su hermano (siempre se despedía como "Your Loving Vincent"). Y lo más importante quizás: la cantidad de gente que hay en todo el mundo que verdaderamente aman a Vincent Van Gogh fue el motivo principal para arriesgarnos a hacer la primera película de la historia completamente pintada. Espero que esta película anime a la gente a descubrir más sobre este pintor, a leer sus cartas y ver sus cuadros en vivo. Espero también que de alguna manera sirva para dar a conocer a Van Gogh a más gente. Creo que se lo merecía. Y, sobre todo, me encantaría que todo el mundo pudiera ser capaz de amar a Van Gogh".
LOVING VINCET es una obra única en una equilibrada relación entre la narración que camina por el género policíaco y la animación. Una propuesta visual audaz que atrapa en sus 97 minutos de metraje en la tensión e intriga creada a través de sus cuadros en movimiento y la idea de que de que Van Gogh no se suicidó y que fue asesinado. Un guion estructurado en la utilización de flashbacks marcados en blanco y negro. Una decisión cromática que, como explica Dorota Kobiela, " había dos razones principales. En primer lugar, pensamos que sería demasiado para el espectador tener en pantalla el color intenso característico de las pinturas de Van Gogh a lo largo de 90 minutos. El hecho de estructurar la película con muchos flashbacks significaba que podíamos introducir estilos muy diferentes en cada una de las secciones. En segundo lugar, no queríamos introducir cuadros de Van Gogh que realmente no existían. La mayor parte de los flashbacks se refieren a momentos de su propia vida que no pintó por lo que si lo hacíamos en el mismo estilo estaríamos haciendo un ejercicio de imaginación de cómo sería si él hubiese pintado esas escenas, lo que creíamos que era alejarnos mucho de su trabajo. La razón por la que elegimos blanco y negro fue porque muchas de nuestras investigaciones nos llevaron a fuentes en blanco y negro como por ejemplo fotografías de la época, y toda esta documentación nos inspiró para los flashbacks".
Un hermoso y sentido homenaje al pintor Van Gogh cuyos cuadros, como afirma Hugh Welchman, “parecen estar hablando directamente a la gente, incluso a los que no les llama la atención la pintura. A los 28 años era una persona que había fracasado en muchos oficios y fue por esto por lo que empezó a pintar. Diez años después era un genio. En esos años se entregó a un duro trabajo para dejarnos un legado que ha emocionado y reconfortado a gente de todas las épocas. Nuestra sensación era que la historia de Van Gogh solamente se podía contar de una manera adecuada si estaba íntimamente conectada con sus pinturas y, en nuestro caso, usamos la pintura y sus cuadros para montar toda la estructura de la película".
LOVING VINCENT primer largometraje compuesto por pinturas animadas. El arte y la vida de Van Gogh en una experiencia en movimiento.

FICHA TÉCNICA
Loving Vincent - Título original: Loving Vincent - Dirección: Dorota Kobiela y Hugh Welchman - Año: 2017 - Duración: 95 min. - País: Polonia y Reino Unido - Reparto Animacion: Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O'Dowd, Jerome Flynn, John Sessions, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard Banks y Shaun Newnham - Producción: Hugh Welchman, Ivan Mactaggart y Sean Bobbitt - Guion: Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Jacek Dehnel - Música: Clint Mansell - Fotografía: Tristan Oliver - Montaje: Dorota Kobiela y Justyna Wierszynska - Estreno en España: 12 de enero 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo

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